문학 운동으로서의 고전주의. 18세기 고전주의로 가는 길: 고전주의의 특징, 러시아 문학의 등장 고전주의 작품

고전주의(라틴어 고전에서 유래 - 모범적), 17세기~19세기 초 문학, 건축 및 예술의 스타일 및 예술적 방향, 고전주의는 르네상스와 연속적으로 연관되어 있습니다. 바로크 양식과 함께 17세기 문화에서 중요한 위치를 차지했습니다. 계몽시대에도 발전을 이어갔다. 고전주의의 기원과 확산은 R. 데카르트 철학의 영향으로 절대 군주제의 강화와 발전과 관련이 있습니다 정확한 과학. 고전주의의 합리주의적 미학의 기초는 예술적 표현의 균형, 명확성 및 일관성에 대한 욕구입니다(주로 르네상스 미학에서 채택됨). 자발적인 영감이나 자기 표현의 표현이 아닌 기술, 숙달로 해석되는 역사적 변화의 대상이 아닌 예술적 창의성의 보편적이고 영원한 규칙이 존재한다는 확신.

아리스토텔레스 시대부터 자연의 모방으로 창의성이라는 개념을 받아들인 고전주의자들은 자연을 이상적인 규범으로 이해했는데, 이는 이미 고대 거장과 작가들의 작품에 구현되어 있었습니다. 불변의 예술 법칙에 따라 변형되고 주문되므로 골동품 모델의 모방과 심지어 경쟁도 암시됩니다. 다른 예술 운동보다 고전주의는 "아름다움", "편리함"등의 영원한 범주를 기반으로 한 합리적인 활동으로 예술의 아이디어를 발전시켜 미학을 일반화하는 아름다움 과학으로 출현시키는 데 기여했습니다.

고전주의의 중심 개념인 진실성(verisimilitude)은 경험적 현실의 정확한 재현을 의미하지 않았습니다. 세상은 있는 그대로가 아니라 그래야 하는 대로 재현됩니다. 모든 특별하고 무작위적이며 구체적인 것에 대한 '기인'으로서의 보편적 규범에 대한 선호는 개인적이고 사적인 모든 것이 국가 권력의 명백한 의지에 종속되는 고전주의로 표현되는 절대주의 국가의 이데올로기에 해당합니다. 고전주의자는 특정한 개인의 성격이 아니라 보편적이고 비역사적인 도덕적 갈등 상황에 있는 추상적인 사람을 묘사했습니다. 따라서 고전주의자들은 세계와 인간에 대한 보편적 지식의 구체화로서 고대 신화를 지향합니다. 고전주의의 윤리적 이상은 한편으로는 개인의 일반에 대한 종속, 의무에 대한 열정, 이성, 존재의 변덕에 대한 저항을 전제로 합니다. 반면에 감정 표현의 억제, 절제 준수, 적절성 및 기쁘게하는 능력.

고전주의는 창의성을 장르 스타일 계층의 규칙에 엄격하게 종속시켰습니다. "높은"(예: 서사시, 비극, 송가 - 문학, 역사, 종교, 신화 장르, 초상화 - 회화) 장르와 "낮은"(풍자, 코미디, 우화, 회화의 정물) 장르가 구분되었습니다. , 특정 스타일, 테마 및 영웅 범위에 해당합니다. 비극과 희극, 숭고함과 기본, 영웅적인 것과 평범한 것 사이의 명확한 구분이 규정되었습니다.

18세기 중반부터 고전주의는 감상주의, 전낭만주의, 낭만주의와 같은 새로운 운동으로 점차 대체되었습니다. 19세기 후반과 20세기 초반의 고전주의 전통은 신고전주의로 부활했다.

고전(모범적 작가) 개념으로 거슬러 올라가는 고전주의라는 용어는 1818년 이탈리아 비평가 G. 비스콘티에 의해 처음 사용됐다. 고전주의와 낭만주의 논쟁에서 널리 사용되었으며, 낭만주의(J. de Staël, V. Hugo 등) 사이에서는 부정적인 의미를 내포했습니다. 고전주의와 고대를 모방한 고전은 혁신적인 낭만주의 문학에 반대했습니다. 문학사 및 미술사에서 '고전주의'라는 개념은 문화 역사 학파 과학자들과 G. Wölfflin의 작품 이후 적극적으로 사용되기 시작했습니다.

다른 시대의 일부 과학자들은 17세기와 18세기의 고전주의와 유사한 문체적 경향을 볼 수 있습니다. 이 경우 "고전주의"라는 개념은 예술과 문학사의 다양한 단계에서 주기적으로 업데이트되는 문체 상수(예: "고대 고전주의", "르네상스 고전주의")를 나타내는 넓은 의미로 해석됩니다.

N. T. Pakhsaryan.

문학. 문학적 고전주의의 기원은 규범적 시학(Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro 등)과 16세기 이탈리아 문학에서 장르 시스템이 만들어지고 언어 스타일 시스템과 연관되며 고대 문학에 초점을 맞췄습니다. 예. 고전주의의 가장 높은 개화는 17세기 프랑스 문학과 관련이 있다. 고전주의 시학의 창시자는 살아있는 구어체 연설을 기반으로 문학적 언어의 규제를 수행 한 F. Malherbe였습니다. 그가 수행한 개혁은 프랑스 아카데미에 의해 통합되었습니다. 문학적 고전주의의 원리는 동시대 사람들의 예술적 실천을 요약한 N. Boileau(1674)의 "시적 예술"이라는 논문에서 가장 완전한 형태로 제시되었습니다.

고전작가들은 문학을 '교육하면서 즐겁게' 하는 방법으로 자연과 이성의 요구를 말로 표현하고 독자에게 전달하는 중요한 사명으로 여깁니다. 고전주의 문학은 중요한 사상, 의미(“... 의미는 항상 내 창작물에 존재합니다”-F. von Logau)를 명확하게 표현하기 위해 노력하며 문체의 정교함과 수사적 장식을 거부합니다. 고전주의자들은 장황함보다는 간결함을, 은유적 복잡성보다는 단순성과 명확성을, 사치보다는 품위를 선호했습니다. 그러나 확립된 규범을 따른다고 해서 고전주의자들이 현학을 장려하고 예술적 직관의 역할을 무시했다는 의미는 아닙니다. 고전주의자들은 규칙을 이성의 범위 내에서 창의적 자유를 유지하는 방법으로 보았지만 직관적인 통찰력의 중요성을 이해하고 재능이 적절하고 예술적으로 효과적이라면 규칙에서 벗어나는 것을 허용했습니다.

고전주의의 등장인물은 하나의 지배적인 특성을 식별하는 데 기반을 두고 있으며, 이는 그들을 보편적인 인간 유형으로 변화시키는 데 도움이 됩니다. 가장 좋아하는 충돌은 의무와 감정의 충돌, 이성과 열정의 투쟁입니다. 고전 주의자들의 작품 중심에는 영웅적인 성격과 동시에 자신의 열정과 영향을 극복하고 억제하거나 적어도 실현하기 위해 금욕 적으로 노력하는 잘 교육받은 사람이 있습니다 (J의 비극의 영웅처럼) . 라신). 데카르트의 “나는 생각한다. 고로 존재한다”는 고전주의 인물들의 세계관에서 철학적, 지성적 원리뿐만 아니라 윤리적 원리의 역할도 한다.

고전주의의 문학 이론은 장르의 계층적 시스템을 기반으로 합니다. "높은" 영웅과 "낮은" 영웅의 분석적 분리와 다양한 작품, 심지어 예술 세계에 걸친 주제는 "낮은" 장르를 고상하게 하려는 욕구와 결합됩니다. 예를 들어, 투박한 풍자극, 우스꽝스러운 특징을 지닌 코미디(몰리에르의 "고급 코미디")를 풍자에서 없애기 위한 것입니다.

고전주의 문학의 주요 위치는 세 가지 통일의 법칙에 기초한 드라마가 차지했습니다(세 통일 이론 참조). 주요 장르는 비극이었으며 가장 높은 성과는 P. Corneille과 J. Racine의 작품입니다. 첫 번째에서 비극은 영웅적인 성격을 띠고 두 번째에서는 서정적 성격을 갖습니다. 다른 "고급" 장르는 문학 과정에서 훨씬 작은 역할을 합니다(서사시 장르에서 J. Chaplain의 실패한 실험은 나중에 Voltaire에 의해 패러디되었으며 엄숙한 송가는 F. Malherbe와 N. Boileau에 의해 작성되었습니다). 동시에 "낮은" 장르는 아이러니한 시와 풍자(M. Renier, Boileau), 우화(J. de La Fontaine), 코미디 등 상당한 발전을 이루었습니다. 격언(격률), "문자"(B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de Labruyère)와 같은 짧은 교훈적인 산문 장르가 재배됩니다. 웅변적인 산문(J.B. Bossuet). 비록 고전주의 이론이 진지한 비판적 성찰을 할 만한 장르 체계에 소설을 포함시키지는 못했지만, M. M. 라파예트(M. M. Lafayette)의 심리학적 걸작 <클레브의 공주>(1678)는 고전주의 소설의 예로 평가된다.

17세기 말에는 문학적 고전주의가 쇠퇴했지만 18세기 고대에 대한 고고학적 관심, 헤르쿨라네움, 폼페이의 발굴, I. I. Winkelman의 그리스 고대의 이상적인 이미지인 "고귀한 단순성"의 창조 그리고 고요한 웅장함”은 계몽주의 시대에 새로운 부흥에 기여했습니다. 새로운 고전주의의 주요 대표자는 볼테르였으며, 그의 작업에서 합리주의와 이성의 숭배는 절대주의 국가의 규범이 아니라 교회와 국가의 주장으로부터 자유로울 개인의 권리를 정당화하는 데 기여했습니다. 그 시대의 다른 문학 운동과 적극적으로 교류하는 계몽주의 고전주의는 '규칙'이 아닌 대중의 '계몽적 취향'에 기반을 두고 있습니다. 고대에 대한 호소는 A. Chenier의 시에서 18세기 프랑스 혁명의 영웅주의를 표현하는 방법이 됩니다.

17세기 프랑스에서는 고전주의가 강력하고 일관된 예술 체계로 발전해 바로크 문학에 눈에 띄는 영향을 미쳤다. 독일에서는 반대로 다른 유럽 문학 (M. Opitz)에 합당한 "올바른"및 "완벽한"시 학교를 만들기위한 의식적인 문화적 노력으로 등장한 고전주의가 바로크 양식에 빠져 들었습니다. 30년 전쟁의 비극적인 시대와 더 일치했습니다. I. K. Gottsched는 1730년대와 40년대에 독일 문학을 고전주의 정경의 길로 이끌려는 뒤늦은 시도를 했으나 격렬한 논란을 불러일으켜 일반적으로 거부되었습니다. 독립적인 미적 현상은 J. W. 괴테와 F. 쉴러의 바이마르 고전주의입니다. 영국에서는 초기 고전주의가 J. Dryden의 작업과 연관되어 있습니다. 그 발전은 계몽주의에 맞춰 진행되었습니다(A. Pope, S. Johnson). 17세기 말까지 이탈리아의 고전주의는 로코코와 병행하여 존재했으며 때때로 그것과 얽혀 있었습니다(예를 들어 아카디아 시인의 작품에서 - A. Zeno, P. Metastasio, P. Ya. Martello, S. 마페이); 계몽주의 고전주의는 V. Alfieri의 작품으로 대표됩니다.

러시아에서는 서유럽 고전주의와 계몽주의 사상의 영향을 받아 1730-1750년대에 고전주의가 확립되었습니다. 동시에 바로크와의 연관성을 분명히 보여줍니다. 러시아 고전주의의 독특한 특징은 뚜렷한 교훈주의, 비난, 사회적 비판적 지향, 국가 애국심, 민속 예술에 대한 의존입니다. 고전주의의 첫 번째 원칙 중 하나가 A.D. Kantemir에 의해 러시아 땅으로 옮겨졌습니다. 풍자에서 그는 I. Boileau를 따랐지만 인간의 악에 대한 일반화 된 이미지를 만들어 국내 현실에 적용했습니다. 칸테미르는 시편, 우화, 영웅시(〈페트리다〉, 미완성)의 편곡 등 새로운 시적 장르를 러시아 문학에 도입했습니다. 고전적인 찬사 송가의 첫 번째 예는 V. K. Trediakovsky(“그단스크 시 항복에 관한 엄숙한 송가”, 1734)에 의해 만들어졌으며, 그는 이론적인 “일반 송가에 관한 담론”(둘 다 Boileau를 따름)을 동반했습니다. M.V. Lomonosov의 송시는 바로크 시학의 영향으로 표시됩니다. 러시아 고전주의는 A.P. Sumarokov의 작업으로 가장 완벽하고 일관되게 표현됩니다. Boileau의 논문 (1747)을 모방하여 작성된 "시에 관한 서신"에서 고전주의 교리의 주요 조항을 요약 한 Sumarokov는 그의 작품에서이를 따르려고 노력했습니다. Voltaire의 극작법이지만 주로 국가 역사의 사건을 다루었습니다. 부분적으로-코미디에서 Moliere의 작업 모델이되었습니다. 풍자와 우화를 통해 그에게 '북부 라 퐁텐'이라는 명성을 안겨주었습니다. 그는 또한 Boileau가 언급하지 않았지만 Sumarokov 자신이 시적 장르 목록에 포함시킨 노래 장르를 개발했습니다. 18세기 말까지 1757년 수집된 작품 "러시아어로 된 교회 서적의 사용에 관하여"의 서문에서 로모노소프가 제안한 장르 분류는 그 중요성을 유지했으며, 이는 세 가지 스타일 이론을 영웅시, 송시, 엄숙한 연설을 높은 "평온함"과 연결하는 특정 장르; 평균-비극, 풍자, 비가, eclogue; 낮은 코미디, 노래, 에피그램. Irocomic시의 샘플은 V. I. Maikov ( "Elisha 또는 the Irritated Bacchus", 1771)에 의해 만들어졌습니다. 최초로 완성된 영웅 서사시는 M. M. Kheraskov(1779)의 "Rossiyada"였습니다. 18세기 말, 고전주의 드라마의 원리는 N. P. Nikolev, Ya. B. Knyazhnin, V. V. Kapnist의 작품에 나타났습니다. 18~19세기 초, 고전주의는 점차 낭만주의 이전 및 감상주의와 관련된 문학 발전의 새로운 경향으로 대체되었지만 한동안 그 영향력을 유지했습니다. 그 전통은 1800~20년대 Radishchev 시인(A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev)의 작품, 문학 비평(A. F. Merzlyakov), 문학 및 미학 프로그램 및 장르 문체 실천에서 추적할 수 있습니다. A. S. Pushkin의 초기 작품에 나오는 Decembrist 시인.

A. P. Losenko. "블라디미르와 로그네다." 1770. 러시아 박물관 (상트페테르부르크).

N. T. Pakhsaryan; T. G. Yurchenko (러시아의 고전주의).

건축과 미술.유럽 ​​미술의 고전주의 경향은 이미 이탈리아의 16세기 후반에 나타났습니다. A. Palladio의 건축 이론과 실천, G. da Vignola, S. Serlio의 이론적 논문; 보다 일관되게-J. P. Bellori (17 세기)의 작품과 볼로냐 학교 학자들의 미학적 기준에서. 그러나 17세기에 바로크 양식과 격렬한 논쟁을 벌이면서 발전한 고전주의는 프랑스 예술 문화에서 일관된 문체 체계로 발전했습니다. 18세기와 19세기 초의 고전주의는 주로 프랑스에서 형성되었으며, 이것이 범유럽 양식이 되었다(외국 미술사에서는 후자를 종종 신고전주의라고 부른다). 고전주의 미학의 근간을 이루는 합리주의 원칙은 예술 작품을 감각적 삶의 혼돈과 유동성을 극복하고 이성과 논리의 결실로 보는 견해를 결정했습니다. 시대를 초월한 패턴에 대한 합리적인 원칙에 초점을 맞추면서 고전주의 미학의 규범적 요구 사항, 예술적 규칙의 규제 및 미술 장르의 엄격한 계층 구조도 결정되었습니다("높은" 장르에는 신화 및 역사적 작품이 포함됩니다). 피사체, "이상적인 풍경" 및 기념 초상화, " 낮은" - 정물, 일상 장르 등). 고전주의의 이론적 교리의 통합은 파리에 설립된 왕립 아카데미(회화와 조각(1648) 및 건축(1671))의 활동을 통해 촉진되었습니다.

형태의 극적인 충돌, 볼륨 및 공간 환경의 활발한 상호 작용이 있는 바로크 양식과 달리 고전주의 건축은 개별 건물과 앙상블 모두의 조화와 내부 완성도의 원칙을 기반으로 합니다. 이 스타일의 특징은 전체의 명확성과 통일성, 대칭과 균형, 플라스틱 형태의 명확성과 공간적 간격을 추구하여 조용하고 엄숙한 리듬을 만들어 내는 것입니다. 여러 정수 비율을 기반으로 하는 비례 시스템(모양 형성 패턴을 결정하는 단일 모듈). 고대 건축 유산에 대한 고전주의 대가들의 끊임없는 호소는 개별 모티프와 요소의 사용뿐만 아니라 건축학의 일반 법칙에 대한 이해도 의미했습니다. 고전주의의 건축 언어의 기초는 이전 시대의 건축보다 고대에 더 가까운 비율과 형태를 가진 건축 질서였습니다. 건물에서는 구조의 전체 구조를 모호하게 하지 않고 미묘하고 절제된 동반이 되는 방식으로 사용됩니다. 고전주의의 인테리어는 공간 분할의 명확성과 색상의 부드러움이 특징입니다. 기념비적이고 장식적인 그림에서 원근법 효과를 광범위하게 사용함으로써 고전주의의 대가들은 환상의 공간과 현실을 근본적으로 분리했습니다.

고전주의 건축에서 중요한 위치는 도시 계획 문제에 속합니다. '이상도시'를 위한 프로젝트가 개발되고 있으며, 새로운 형태의 정규 절대주의 거주도시(베르사유)가 만들어지고 있다. 고전주의는 고대와 르네상스의 전통을 이어가며 인간에 대한 비례 원칙에 대한 결정의 기초를 마련하고 동시에 규모를 확장하여 건축 이미지에 영웅적으로 고양된 사운드를 제공하려고 노력합니다. 그리고 궁전 장식의 수사적 화려함이 이러한 지배적 경향과 충돌하지만, 고전주의의 안정적인 비유 구조는 역사적 발전 과정에서 아무리 다양한 변형이 있어도 스타일의 통일성을 유지합니다.

프랑스 건축의 고전주의 형성은 J. Lemercier 및 F. Mansart의 작품과 관련이 있습니다. 건물의 외관과 건축 기술은 처음에는 16세기 성의 건축 양식과 유사합니다. L. Lebrun의 작업에서 결정적인 전환점이 발생했습니다. 우선 Vaux-le-Vicomte의 궁전과 공원 앙상블을 만들고 궁전 자체의 엄숙한 포위와 C. Le Brun의 인상적인 그림을 만들었습니다. 그리고 새로운 원칙의 가장 특징적인 표현은 A. Le Nôtre의 정규 공원입니다. C. Perrault의 계획에 따라 (1660년대부터) 실현된 루브르 박물관의 동쪽 외관(J. L. Bernini와 바로크 양식의 다른 프로젝트가 거부된 것이 특징)은 고전주의 건축의 프로그램적 작업이 되었습니다. 1660년대에 L. Levo, A. Le Nôtre 및 C. Lebrun은 고전주의의 아이디어가 특히 완전하게 표현된 베르사유 앙상블을 만들기 시작했습니다. 1678년부터 베르사유 건설은 J. Hardouin-Mansart가 주도했습니다. 그의 디자인에 따르면 궁전은 크게 확장되었으며(날개 추가), 중앙 테라스는 내부의 가장 대표적인 부분인 거울 갤러리로 전환되었습니다. 그는 또한 그랑 트리아농 궁전(Grand Trianon Palace)과 기타 건물도 건설했습니다. 베르사유 앙상블은 보기 드문 문체적 무결성이 특징입니다. 분수의 제트기조차도 기둥과 같은 정적 형태로 결합되었으며 나무와 덤불은 기하학적 모양의 형태로 잘렸습니다. 앙상블의 상징주의는 "태양왕" 루이 14세의 영광에 종속되지만, 그 예술적이고 비유적인 기초는 자연 요소를 강력하게 변형시키는 이성의 신격화였습니다. 동시에 강조된 인테리어의 장식성은 베르사유와 관련하여 "바로크 고전주의"라는 스타일 용어의 사용을 정당화합니다.

17세기 후반에는 새로운 계획 기법이 개발되어 유기화합물자연 환경의 요소를 갖춘 도시 개발, 거리 또는 제방과 공간적으로 합쳐지는 열린 공간의 생성, 도시 구조의 핵심 요소에 대한 앙상블 솔루션(Place Louis the Great, 현재 Vendôme 및 Place des Victories), 건축 앙상블 Invalides, 모두 J. Hardouin-Mansart 작품), 개선문 아치(N. F. Blondel이 디자인한 Saint-Denis 문, 모두 파리에 있음).

18세기 프랑스의 고전주의 전통은 거의 중단되지 않았지만, 세기 전반에는 로코코 스타일이 우세했습니다. 18세기 중반에는 고전주의의 원리가 계몽주의 미학의 정신으로 변형되었습니다. 건축에서 "자연성"에 대한 호소는 내부 구성의 순서 요소에 대한 건설적인 정당성에 대한 요구 사항, 즉 편안한 주거용 건물을 위한 유연한 레이아웃을 개발할 필요성을 제시합니다. 집의 이상적인 환경은 조경(정원 및 공원) 환경이었습니다. 그리스와 로마 고대 유물(헤르쿨라네움, 폼페이 등의 발굴)에 대한 지식의 급속한 발전은 18세기 고전주의에 큰 영향을 미쳤습니다. I. I. Winkelman, I. V. Goethe 및 F. Milizia의 작품은 고전주의 이론에 기여했습니다. 18세기 프랑스 고전주의에서는 우아하고 친밀한 맨션(“호텔”), 의식을 위한 공공 건물, 도시의 주요 도로를 연결하는 개방형 광장(루이 15세 광장, 현재 콩코르드 광장) 등 새로운 건축 유형이 정의되었습니다. , 파리의 건축가 J. A. Gabriel; 그는 또한 형태의 조화로운 명확성과 디자인의 서정적 정교함을 결합하여 베르사유 공원에 Petit Trianon Palace를 건설했습니다. J. J. Soufflot는 고전 건축의 경험을 바탕으로 파리의 Sainte-Geneviève 교회 프로젝트를 수행했습니다.

18세기 프랑스 혁명 이전 시대에는 엄격한 단순성에 대한 열망과 새롭고 질서 없는 건축의 기념비적인 기하학에 대한 과감한 탐구가 건축에 나타났다(C. N. Ledoux, E. L. Bullet, J. J. Lequeu). 이러한 검색(G.B. Piranesi의 건축 에칭의 영향으로도 표시됨)은 고전주의의 후기 단계인 프랑스 제국 스타일(19세기 1/3)의 출발점이 되었으며, 여기서 웅장한 대표성이 성장했습니다(C. Percier, P.F.L. Fontaine, J.F. Chalgrin).

17세기와 18세기의 영국 팔라디아주의는 여러 면에서 고전주의 체계와 관련이 있으며 종종 그것과 합쳐진다. I. Jones의 작업에는 고전에 대한 지향(A. Palladio의 아이디어뿐만 아니라 고대에 대한), 소성적으로 명확한 모티프의 엄격하고 절제된 표현이 존재합니다. 1666년의 "대화재" 이후 K. Wren은 런던에서 가장 큰 건물인 세인트 폴 대성당과 50개 이상의 교구 교회, 옥스퍼드의 여러 건물을 지었으며 고대 솔루션의 영향을 받았습니다. 광범위한 도시 계획 계획은 18세기 중반까지 바스(J. Wood the Elder 및 J. Wood the Younger), 런던 및 에든버러(Adam 형제)의 정기 개발에서 시행되었습니다. W. Chambers, W. Kent 및 J. Payne의 건물은 시골 공원 부지의 번영과 관련이 있습니다. R. Adam도 고대 로마에서 영감을 받았지만 그의 고전주의 버전은 더 부드럽고 서정적인 모습을 띠고 있습니다. 영국의 고전주의는 소위 조지아 스타일의 가장 중요한 구성 요소였습니다. 19세기 초 영국 건축에는 엠파이어 스타일에 가까운 특징이 나타났습니다(J. Soane, J. Nash).

17~18세기 초 네덜란드 건축(J. van Kampen, P. Post)에서 고전주의가 구체화되었으며, 이로 인해 특히 제한된 버전이 탄생했습니다. 초기 바로크 양식뿐만 아니라 프랑스 및 네덜란드 고전주의와의 교차 연결은 17세기 말과 18세기 초 스웨덴 건축에서 고전주의의 짧은 개화에 영향을 미쳤습니다(N. Tessin the Younger). 18세기와 19세기 초에 고전주의는 이탈리아(G. Piermarini), 스페인(J. de Villanueva), 폴란드(J. Kamsetzer, H. P. Aigner), 미국(T. Jefferson, J. Hoban)에서도 확립되었습니다. . 18~19세기 전반의 독일 고전주의 건축은 Palladian F. W. Erdmansdorff, K. G. Langhans, D. 및 F. Gilly의 "영웅적" 헬레니즘, L. von Klenze의 역사주의의 엄격한 형태가 특징입니다. . K. F. Schinkel의 작업에서는 이미지의 가혹한 기념비성과 새로운 기능적 솔루션에 대한 검색이 결합됩니다.

19세기 중반에 이르러 고전주의의 주역은 사라지고 있었다. 그것은 역사적인 스타일로 대체되고 있습니다(신그리스 스타일, 절충주의 참조). 동시에 고전주의의 예술적 전통은 20세기 신고전주의 속에서 되살아난다.

고전주의 미술은 규범적이다. 그 비유적인 구조는 사회적 유토피아의 분명한 징후를 가지고 있습니다. 고전주의의 도상학은 고대 전설, 영웅적 행위, 역사적 주제, 즉 "권력의 해부학"에 대한 인간 공동체의 운명에 대한 관심이 지배적입니다. 단순히 "자연을 묘사하는 것"에 만족하지 않고 고전주의 예술가들은 특정, 개인, 즉 보편적 의미를 뛰어넘기 위해 노력합니다. 고전주의자들은 Caravaggio나 작은 네덜란드의 자연주의와 일치하지 않는 예술적 진실에 대한 그들의 생각을 옹호했습니다. 고전주의 예술의 합리적인 행동과 밝은 감정의 세계는 불완전한 일상을 뛰어 넘어 원하는 존재의 조화에 대한 꿈의 구체화입니다. 고상한 이상을 향한 지향은 또한 "아름다운 자연"을 선택하게 만들었습니다. 고전주의는 우연한 것, 일탈적인 것, 기괴한 것, 투박한 것, 혐오스러운 것을 피합니다. 고전주의 건축의 구조적 명확성은 조각과 회화의 계획을 명확하게 묘사하는 것과 일치합니다. 고전주의의 플라스틱 예술은 일반적으로 고정된 관점을 위해 설계되었으며 형태의 부드러움이 특징입니다. 인물의 포즈에서 움직이는 순간은 일반적으로 플라스틱 고립과 차분한 조각상을 위반하지 않습니다. 고전주의 회화에서 형태의 주요 요소는 선과 명암대비이다. 지역색은 대상과 풍경 계획을 명확하게 식별하므로 그림의 공간 구성이 무대 영역의 구성에 더 가까워집니다.

17세기 고전주의의 창시자이자 가장 위대한 거장은 프랑스 예술가 N. Poussin으로, 그의 그림은 철학적, 윤리적 내용의 숭고함, 리듬 구조와 색상의 조화가 특징입니다.

인류의 '황금시대'에 대한 고전주의자들의 꿈을 구현한 '이상적인 풍경'(N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguay)은 17세기 고전주의 회화에서 고도로 발전했다. 17~18세기 조각에서 프랑스 고전주의의 가장 중요한 거장은 P. Puget(영웅적 주제), F. Girardon(형태의 조화와 간결함 검색)이었습니다. 18세기 후반에 프랑스 조각가들은 다시 사회적으로 중요한 주제와 기념비적인 해결책으로 눈을 돌렸습니다(J.B. Pigalle, M. Clodion, E.M. Falconet, J.A. Houdon). J. M. Vien의 신화적인 그림과 Y. Robert의 장식적인 풍경에는 ​​민사적 감정과 서정성이 결합되었습니다. 프랑스의 소위 혁명적 고전주의 그림은 J. L. David의 작품으로 대표됩니다. 그의 역사 및 초상화 이미지는 용감한 드라마로 표시됩니다. 프랑스 고전주의 후기에 회화는 개별 거장(J. O. D. Ingres)의 등장에도 불구하고 공식적인 변증술이나 살롱미술로 전락했다.

18세기와 19세기 초 고전주의의 국제적 중심지는 로마였는데, 그곳에서 예술은 형식의 고귀함과 차갑고 추상적인 이상화가 결합된 학문적 전통에 의해 지배되었으며, 학문주의에서는 드물지 않았습니다(화가 A.R. Mengs, J.A. Koch, V. Camuccini, 조각가 A. B. Thorvaldsen도 마찬가지입니다). 독일 고전주의 미술에서는 명상적인 정신으로 A.와 V. Tischbein의 초상화, A. J. Carstens의 신화적인 판지, I. G. Shadov, K. D. Rauch의 플라스틱 작품이 눈에 띕니다. 장식 및 응용 예술 분야 - D. Roentgen의 가구. 영국에서는 그래픽의 고전주의와 J. Flaxman의 조각이 가깝고 장식 및 응용 예술에서는 J. Wedgwood의 도자기와 Derby 공장의 장인이 있습니다.

A. R. 멩스. “페르세우스와 안드로메다.” 1774-79. 암자 (상트 페테르부르크).

러시아 고전주의의 전성기는 18세기 마지막 1/3~19세기 1/3로 거슬러 올라갑니다. 그러나 18세기 초는 이미 프랑스 고전주의의 도시 계획 경험에 대한 창의적인 호소로 표시되었습니다(대칭 원리 상트페테르부르크 건설의 축 계획 시스템). 러시아 고전주의는 범위와 이념적 내용 측면에서 러시아에게 전례 없는 새로운 것을 구현했습니다. 역사적 무대러시아 세속 문화의 번영. 건축 분야의 초기 러시아 고전주의(1760-70년대; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi)는 여전히 바로크와 로코코 고유의 형태의 조형적 풍부함과 역동성을 유지하고 있습니다.

고전주의 성숙기(1770-90년대; V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, I.E. Starov)의 건축가는 고전적인 유형의 대도시 궁전 부지와 편안한 주거용 건물을 만들었으며 이는 국가 귀족 영지의 광범위한 건설과 새로운 건물의 모델이 되었습니다. , 도시의 의식 개발. 시골 공원 부지의 앙상블 예술은 러시아 고전주의가 세계 예술 문화에 크게 기여한 것입니다. 부동산 건설에서는 러시아 버전의 팔라디아주의가 생겨났고(N. A. Lvov) 새로운 유형의 방 궁전이 나타났습니다(C. Cameron, J. Quarenghi). 러시아 고전주의의 특징은 전례 없는 규모의 국가 도시 계획입니다. 400개 이상의 도시에 대한 정기 계획이 개발되고 Kaluga, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl 등 중심지의 앙상블이 형성되었습니다. 일반적으로 도시 계획을 "규제"하는 관행은 고전주의 원칙과 역사적으로 확립된 늙은 러시아 도시의 계획 구조를 일관되게 결합했습니다. 18~19세기 전환기는 두 수도 모두에서 주요 도시 개발 성과로 특징지어집니다. 상트 페테르부르크 중심의 장대 한 앙상블이 형성되었습니다 (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. F. Thomas de Thomon 및 나중에 K. I. Rossi). "클래식 모스크바"는 다양한 도시 계획 원칙에 따라 형성되었으며, 1812년 화재 이후 복원 과정에서 아늑한 인테리어를 갖춘 작은 저택으로 건설되었습니다. 여기서 규칙성의 원칙은 도시 공간 구조의 일반적인 회화적 자유에 일관되게 종속되었습니다. 후기 모스크바 고전주의의 가장 유명한 건축가는 D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev입니다. 19세기 1/3의 건물은 러시아 제국 스타일(때때로 알렉산더 고전주의라고도 함)에 속합니다.

미술 분야에서 러시아 고전주의의 발전은 상트페테르부르크 예술 아카데미(1757년 설립)와 밀접하게 연관되어 있습니다. 조각품은 "영웅적인" 기념비적이며 장식적인 조각품으로 표현되며 건축, 시민적 애정으로 가득 찬 기념물, 애가의 깨달음이 담긴 묘비, 이젤 조각품과 세심하게 조화를 이룬다(I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). 그림에서 고전주의는 역사 및 신화 장르의 작품에서 가장 분명하게 나타났습니다 (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, 초기 A. A. Ivanov; 장면에서-P. di G의 작품에서 .곤자고). 고전주의의 일부 특징은 F. I. Shubin의 조각 초상화, 그림-D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky의 초상화 및 F. M. Matveev의 풍경에도 내재되어 있습니다. 러시아 고전주의의 장식 및 응용 예술에서는 건축, 청동 제품, 주철, 도자기, 크리스탈, 가구, 다마스크 직물 등의 예술적 모델링 및 조각 장식이 눈에 띕니다.

A. I. 카플룬; Yu K. Zolotov(유럽 미술).

극장. 연극 고전주의의 형성은 1630년대 프랑스에서 시작되었습니다. 이 과정에서 활성화하고 조직하는 역할은 문학에 속했으며, 덕분에 연극은 "고급" 예술 분야로 자리매김했습니다. 프랑스인들은 르네상스 시대 이탈리아의 "학문적인 연극"에서 연극 예술의 예를 보았습니다. 궁정사회는 취향과 문화적 가치를 확립하는 곳이었기 때문에 무대 스타일도 궁중 예식과 축제, 발레, 리셉션의 영향을 받았습니다. 연극 고전주의의 원칙은 파리 무대에서 개발되었습니다. G. Mondori (1634)가 이끄는 Marais 극장, Richelieu 추기경이 건축 한 Palais Cardinal (1641, 1642 Palais Royal)에서 구조가 높은 요구 사항을 충족했습니다. 이탈리아 무대 기술; 1640년대 부르고뉴 호텔(Burgundian Hotel)은 연극 고전주의의 중심지가 되었습니다. 동시 장식은 17세기 중반에 점차적으로 그림 같은 단일 관점 장식(궁전, 사원, 집 등)으로 대체되었습니다. 공연 시작과 끝 부분에 오르락내리락하는 막이 등장했다. 그 장면은 그림처럼 액자에 담았습니다. 게임은 프로시니엄에서만 진행되었습니다. 공연은 여러 주인공 인물을 중심으로 이루어졌습니다. 건축적인 배경, 단일한 장소, 연기와 화보의 결합, 전체적인 입체적인 미장센은 사실감의 환상을 만들어내는 데 기여했다. 17세기 무대고전주의에는 '제4의 벽'이라는 개념이 있었다. F. E. a'Aubignac은 배우에 대해 이렇게 썼습니다(The Practice of the Theatre, 1657). “마치 청중이 전혀 존재하지 않는 것처럼 그의 캐릭터는 마치 왕인 것처럼 행동하고 말합니다. 몬도리와 벨로즈는 마치 파리의 부르고뉴 호텔이 아닌 로마의 호레이스 궁전에 있는 것처럼, 무대에 있는 사람들(즉, 묘사된 장소)에게만 보고 들리는 것처럼 보였습니다."

고전주의의 높은 비극(P. Corneille, J. Racine)에서 A. Hardy의 연극(1/3에서 V. Leconte의 최초 영구 프랑스 극단의 레퍼토리를 구성함)의 역동성, 엔터테인먼트 및 모험 플롯. 17 세기) 영웅의 영적 세계, 그의 행동 동기에 대한 정적 및 심층적 인 관심으로 대체되었습니다. 새로운 극작법은 공연예술의 변화를 요구했다. 배우는 그 시대의 윤리적, 미적 이상의 구체화가되었으며 그의 연기를 통해 동시대의 클로즈업 초상화를 만들었습니다. 고대 양식의 그의 의상은 현대 패션, 플라스틱은 고귀함과 은혜의 요구 사항을 따릅니다. 배우는 웅변가의 애절함, 리듬감, 음악성(배우 M. Chanmele의 경우 J. Racine이 역할 대사에 대해 메모를 작성함), 유창한 몸짓의 기술, 댄서의 기술을 갖추어야 했습니다. 체력이라도. 고전주의의 극작술은 전체 공연 기술(읽기, 몸짓, 표정)을 통합하고 프랑스 배우의 주요 표현 수단이 된 무대 낭송 학교의 출현에 기여했습니다. A. 비테즈(A. Vitez)는 17세기의 선언을 “운율적 건축”이라고 불렀습니다. 공연은 독백의 논리적 상호작용을 통해 구축되었습니다. 말의 도움으로 감정을 불러일으키고 조절하는 기술이 실천되었다. 공연의 성공은 목소리의 강도, 음파, 음색, 색상 및 억양의 숙달에 달려 있습니다.

부르고뉴 호텔의 J. Racine의 "Andromache". F. Chauveau의 조각. 1667.

연극 장르를 "높음"(부르고뉴 호텔의 비극)과 "낮음"(몰리에르 시대 Palais Royal의 코미디)으로 나누는 역할의 출현은 고전주의 극장의 계층 구조를 통합했습니다. "고귀한"자연의 경계 내에서 공연의 디자인과 이미지의 윤곽은 가장 큰 배우의 개성에 따라 결정되었습니다. J. Floridor의 낭송 방식은 과도하게 포즈를 취한 Bellerose의 낭송 방식보다 더 자연 스러웠습니다. M. Chanmele는 웅장하고 선율적인 "낭송"이 특징이며 Montfleury는 열정의 영향에 있어서 동등하지 않았습니다. 표준 제스처로 구성된 연극 고전주의의 표준에 대한 후속 이해 (놀라움은 손을 어깨 높이까지 올리고 손바닥이 청중을 향한 상태로 묘사됨, 혐오감 - 머리를 오른쪽으로 돌리고 손을 경멸의 대상으로 밀어내는 등) .) , 스타일의 쇠퇴와 퇴보 시대를 의미합니다.

18세기에 극장이 교육 민주주의를 향해 결정적으로 출발했음에도 불구하고 Comédie Française A. Lecouvreur, M. Baron, A. L. Lequesne, Dumenil, Clairon, L. Preville의 배우들은 취향에 따라 무대 고전주의 스타일을 발전시켰습니다. 시대를 요구합니다. 그들은 고전주의적인 낭송 규범에서 벗어나 의상을 개편하고 공연의 연출을 시도하며 연기 앙상블을 탄생시켰다. 19세기 초, "궁정" 연극의 전통인 F. J. Talma, M. J. Georges와 낭만주의자들의 투쟁이 절정에 달했을 때, Mars는 고전주의 레퍼토리와 공연 스타일의 생존 가능성을 입증했습니다. 낭만주의 시대의 고전주의인 레이첼은 다시 한번 '고귀한' 스타일이라는 의미를 획득했다. 고전주의 전통은 19세기와 20세기 초, 그리고 그 이후에도 프랑스의 연극 문화에 계속해서 영향을 미쳤습니다. 고전주의와 모더니스트 스타일의 결합은 J. Mounet-Sully, S. Bernard, B. C. Coquelin의 연극의 특징입니다. 20세기에 들어서면서 프랑스 감독극은 유럽극에 가까워졌고, 무대 스타일도 국가적 특수성을 잃었습니다. 그러나 20세기 프랑스 극장의 중요한 사건은 고전주의의 전통과 관련이 있습니다. J. Copo, J. L. Barrot, L. Jouvet, J. Vilar, Vitez의 17세기 고전 실험, R. Planchon, J. Desart 등

18세기 프랑스에서 지배적인 스타일의 중요성을 잃은 고전주의는 다른 유럽 국가에서 계승자를 찾았습니다. J. W. 괴테는 자신이 이끄는 바이마르 연극에 고전주의 원칙을 일관되게 도입했습니다. 배우이자 기업가인 F. K. Neuber와 독일의 배우 K. Eckhoff, 영국 배우 T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons는 고전주의를 장려했지만 개인적인 창의적인 업적에도 불구하고 그들의 노력은 효과가 없었고 결국 거부되었습니다. 무대 고전주의는 범유럽적 논란의 대상이 되었고, 독일과 러시아 연극 이론가들 덕분에 '가짜 고전 연극'이라는 정의를 얻었습니다.

러시아에서는 고전주의 스타일이 19세기 초 A. S. Yakovlev와 E. S. Semyonova의 작품에서 번성했으며 나중에 V. V. Samoilov(Samiilovs 참조), V. A.의 인물로 상트페테르부르크 연극 학교의 업적으로 나타났습니다. Karatygin (Karatygins 참조), Yu.M. Yuryev.

E.I.Gorfunkel.

음악. 음악과 관련된 "고전주의"라는 용어는 고대 사례에 대한 지향을 의미하는 것이 아니라(고대 그리스 음악 이론의 기념물만 알려지고 연구됨) 음악에서 바로크 스타일의 잔재를 끝내기 위해 고안된 일련의 개혁입니다. 극장. 고전주의와 바로크 경향은 17세기 후반~18세기 전반의 프랑스 음악 비극(작가 F. 키노와 작곡가 J.B. 륄리의 창조적 협력, J.F. 라모의 오페라와 오페라 발레)에서 모순적으로 결합되었으며, 18세기 음악 및 연극 장르(이탈리아, 영국, 오스트리아, 독일, 러시아)에서 선도적인 위치를 차지한 이탈리아 오페라 세리아. 프랑스 음악 비극의 전성기는 국민 국가를위한 투쟁 중 영웅주의와 시민권의 이상이 축제 정신과 의식적 공식 정신, 사치와 세련된 쾌락주의 경향으로 대체되는 절대주의 위기가 시작될 때 발생했습니다. 뮤지컬 비극의 신화적 또는 기사적 전설적 음모의 맥락에서 고전주의의 전형적인 감정과 의무의 갈등의 심각성은 감소했습니다(특히 연극의 비극과 비교할 때). 고전주의의 규범과 관련된 것은 장르의 순수성(코미디와 일상 에피소드의 부재), 행동의 통일성(흔히 장소와 시간의 부재), 그리고 "고전적인" 5막 구성(종종 프롤로그 포함)의 요구 사항입니다. 뮤지컬 극작의 중심 위치는 합리주의적인 언어 및 개념적 논리에 가장 가까운 요소인 암송이 차지합니다. 억양 영역에서는 자연스러운 인간 언어(의문, 명령 등)와 관련된 선언적 및 한심한 공식이 우세하며 동시에 바로크 오페라의 특징인 수사적 및 상징적 인물은 제외됩니다. 환상적이고 목가적인 주제를 지닌 광범위한 합창과 발레 장면, 오락과 오락에 대한 일반적인 지향(결국 지배적이 됨)은 고전주의 원칙보다는 바로크 전통과 더 일치했습니다.

이탈리아의 전통은 노래의 기량을 키우고 오페라 세리아 장르에 내재된 장식 요소를 발전시키는 것이었습니다. 로마 아카데미 "아르카디아"의 일부 대표자들이 제시한 고전주의 요구에 맞춰 18세기 초 북부 이탈리아 대본가들(F. Silvani, G. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene)는 코믹하고 일상적인 에피소드, 초자연적이거나 환상적인 힘의 개입과 관련된 줄거리 모티프가 있는 진지한 오페라에서 추방되었습니다. 주제의 범위는 역사적, 역사적, 전설적인 주제로 제한되었으며 도덕적, 윤리적 문제가 전면에 등장했습니다. 초기 오페라 세리아의 예술적 개념의 중심에는 군주, 덜 자주 정치가, 궁정인, 서사적 영웅의 숭고한 영웅적 이미지가 있으며, 이상적인 성격의 긍정적인 특성인 지혜, 관용, 관대함, 헌신을 보여줍니다. 의무, 영웅적인 열정. 이탈리아 오페라의 전통적인 3막 구조는 그대로 유지하되(5막 드라마는 실험으로 남아 있음) 등장인물 수를 줄이고 억양 표현 수단, 서곡과 아리아 형식, 성부의 구조를 음악에서 표준화했다. 전적으로 음악적 작업에 종속된 일종의 극작법이 P. Metastasio에 의해 (1720년대부터) 개발되었는데, 그의 이름은 오페라 세리아 역사상 정점의 무대와 관련이 있습니다. 그의 이야기에서 고전주의적 파토스는 눈에 띄게 약화되었습니다. 일반적으로 갈등 상황은 주인공의 이익이나 원칙의 실제 모순으로 인한 것이 아니라 주인공의 장기간의 "오해"로 인해 발생하고 심화됩니다. 그러나 감정의 이상화된 표현, 고귀한 충동에 대한 특별한 선호 인간의 영혼, 엄격한 합리적 근거는 아니지만 Metastasio 대본의 탁월한 인기를 반세기 이상 보장했습니다.

계몽주의 시대(1760~70년대) 음악 고전주의 발전의 정점은 K. V. Gluck과 대본가 R. Calzabigi의 창의적인 협력이었습니다. Gluck의 오페라와 발레에서는 윤리적 문제에 대한 강조된 관심, 영웅주의와 관대함에 대한 아이디어 개발 (파리 시대의 뮤지컬 드라마에서-의무와 감정을 주제로 직접 호소)에서 고전주의 경향이 표현되었습니다. 고전주의의 규범은 또한 장르의 순수성, 행동의 최대 집중에 대한 욕구, 거의 하나의 극적인 충돌로 축소, 특정 극적인 상황의 작업에 따른 표현 수단의 엄격한 선택, 장식 요소의 최대한 제한 및 노래 실력. 이미지 해석의 교육적 성격은 감상주의의 영향을 반영하여 고전주의 영웅 고유의 고귀한 특성과 감정 표현의 자연스러움 및 자유를 결합하는 데 반영되었습니다.

1780~90년대에는 18세기 프랑스 혁명의 이상을 반영하는 혁명적 고전주의 경향이 프랑스 뮤지컬 극장에서 표현되었습니다. 이전 단계와 유전적으로 연결되어 있고 주로 Gluck의 오페라 개혁(E. Megul, L. Cherubini)을 따르는 작곡가 세대로 대표되는 혁명적 고전주의는 무엇보다도 이전에 비극의 특징이었던 시민적이고 폭군과 싸우는 파토스를 강조했습니다. P. 코르네유와 볼테르. 비극적 갈등의 해결이 어렵고 외부 세력의 개입이 필요했던 1760-70년대의 작품과는 달리(“deus ex machina”의 전통 – 라틴어 “기계의 신”), 그 비난은 특징이 되었습니다 1780~1790년대 작품의 영웅적인 행동(복종 거부, 항의, 종종 보복 행위, 폭군 살해 등)을 통해 밝고 효과적인 긴장 완화를 만들어냈습니다. 이러한 극작법은 1790년대 고전 오페라의 전통과 사실주의 부르주아 극의 교차점에서 등장한 '구출 오페라' 장르의 기초를 형성했다.

러시아에서는 뮤지컬 극장에서 고전주의의 독창적 인 표현이 드뭅니다 (F. Araya의 오페라 "Cephalus and Procris", E. I. Fomin의 멜로 드라마 "Orpheus", V. A. Ozerov, A. A. Shakhovsky 및 A. N.의 비극을위한 O. A. Kozlovsky의 음악) Gruzintseva).

연극 활동과 관련이 없는 18세기 코믹 오페라와 기악 및 성악과 관련하여 "고전주의"라는 용어는 대부분 조건부로 사용됩니다. 이는 특히 판단을 피하기 위해(예를 들어, 독일어 용어 "Klassik" 또는 "러시아 고전주의"라는 표현은 18세기 후반~19세기 초의 모든 러시아 음악으로 확장되었습니다.

19세기에 뮤지컬 극장의 고전주의는 낭만주의로 바뀌었지만 고전주의 미학의 특정 특징이 산발적으로 부활했습니다(G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev 등에 의해). 20세기에는 고전주의 미술 원리가 신고전주의 속에서 다시 부활했다.

P. V. Lutsker.

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러시아 신문학은 18세기 30~50년대에 큰 진전을 이루었습니다. 이는 A. D. Kantemir (1708-1744), V. K. Trediakovsky (1703-1769), A. P. Sumarokov (1717-1777), 특히 러시아 과학의 뛰어난 인물과 같은 새로운 러시아 문학의 대표자 인 최초의 주요 작가의 활발한 작업 때문입니다. 및 문화 Lomonosov. 이 네 명의 작가는 사회의 서로 다른 계층에 속했습니다 (Kantemir와 Sumarokov는 귀족 엘리트에 속했고 Trediakovsky는 성직자 출신이었고 Lomonosov는 농민의 아들이었습니다). 그러나 그들은 모두 페트린 이전 고대의 지지자들과 싸웠으며 교육, 과학 및 문화의 발전을 옹호했습니다. 계몽주의 시대(보통 18세기라고 부름)의 사상 정신에 따라 그들은 모두 소위 계몽된 절대주의의 지지자였습니다. 그들은 최고 권력을 지닌 사람이 진보적인 역사적 발전을 이룰 수 있다고 믿었습니다. 왕. 그리고 이것의 예로서 그들은 그의 칭찬시에서 Peter I. Lomonosov의 활동을 설정했습니다. 송시 ( "노래"를 의미하는 그리스어에서 유래)는 왕과 왕비에게 전달되어 깨달은 군주의 이상적인 이미지를 그렸습니다. , 일종의 교훈은 그들에게 베드로의 길을 따르도록 요구했습니다 . 비난시-풍자-Cantemir는 고대의 지지자, 깨달음과 과학의 적들을 날카롭게 조롱했습니다. 그는 무지하고 이기적인 성직자, 가족의 유구함을 자랑스러워하고 조국에 공로가없는 보 야르의 아들, 오만한 귀족, 탐욕스러운 상인, 뇌물 수수 관리를 징계했습니다. 그의 비극에서 Sumarokov는 전제 왕을 공격하여 왕권의 이상적인 보유자와 대조했습니다. Trediakovsky는 "Tilemakhida"시에서 "사악한 왕"을 화나게 비난했습니다. Kantemir, Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov의 활동에 어느 정도 스며드는 진보적 아이디어는 그들이 창조하는 새로운 러시아 문학의 사회적 무게와 중요성을 크게 증가시킵니다. 문학은 이제 사회 발전의 최전선으로 나아가고 있으며, 가장 잘 표현된 사회 교육자가 되고 있습니다. 소설 작품이 체계적으로 인쇄되어 등장하여 더욱 폭넓은 독자층의 공감을 불러일으키는 것은 이때부터였습니다.

새로운 콘텐츠에 대해 새로운 양식이 생성됩니다. Kantemir, Trediakovsky, Lomonosov 및 Sumarokov의 노력을 통해 거의 18 세기 전체에 걸쳐 지배적이 된 최초의 주요 문학 운동이 고급 유럽 문학, 즉 러시아 고전주의의 발전에 따라 형성되었습니다.

고전주의의 창시자와 추종자들은 "사회의 이익"을 문학의 주요 목표로 간주했습니다. 국가 이익, 조국에 대한 의무는 개념에 따라 무조건 사적, 개인적 이익보다 우선해야합니다. 종교적, 중세적 세계관과는 달리, 그들은 인간의 가장 높은 것을 그의 마음으로 여겼으며, 예술적 창의성이 완전히 준수해야 하는 법칙입니다. 그들은 가장 완벽하고 고전적인(따라서 이름과 전체 방향) 아름다움의 예를 고대의 놀라운 창조물, 즉 당시의 종교적 사상을 바탕으로 성장한 고대 그리스와 로마 예술이라고 생각했습니다. 신과 영웅의 신화적 이미지는 본질적으로 사람의 아름다움, 힘, 용기를 찬양했습니다. 이 모든 것이 강점고전주의에도 불구하고 그 약점과 한계도 내포하고 있었습니다.

마음의 승영은 감정을 경시하고 주변 현실에 대한 직접적인 인식을 희생하여 이루어졌습니다. 이것은 종종 고전주의 문학에 합리적인 성격을 부여했습니다. 예술 작품을 만들 때 작가는 고대 모델에 더 가까워지고 이를 위해 고전주의 이론가가 특별히 개발한 규칙을 엄격하게 따르기 위해 가능한 모든 방법을 시도했습니다. 이로 인해 창작의 자유가 제한되었습니다. 그리고 고대 예술 창작물의 의무적 모방은 그것이 아무리 완벽하더라도 필연적으로 문학과 삶, 작가와 현대성을 분리하여 그의 작품에 조건부 인위적인 성격을 부여했습니다. 가장 중요한 것은 국민 억압에 기초한 고전 시대의 사회 정치 체제가 사람들 간의 자연스럽고 정상적인 관계에 대한 합리적인 개념과 어떤 식으로도 일치하지 않는다는 것입니다. 이러한 불일치는 깨달은 절대주의 대신 가장 자유로운 전제주의가 지배했던 18세기 독재 농노 러시아에서 특히 날카롭게 느껴졌습니다. 따라서 Cantemir의 풍자에 의해 우연히 시작되지 않은 러시아 고전주의에서 비난적이고 비판적인 주제와 모티프가 집중적으로 발전하기 시작했습니다.

이는 18세기 후반에 특히 강력한 영향을 미쳤습니다. - 농노제를 더욱 강화하고 캐서린 2세 황후가 이끄는 농노 소유 귀족들의 독재적 독재가 이루어지는 시기입니다.

불법, 폭정, 폭력에 대한 비판적 태도는 러시아 사회 전반의 정서와 이해관계에 부합했습니다. 문학의 사회적 역할은 점점 더 커지고 있습니다. 세기의 마지막 3분의 1은 18세기 러시아 문학 발전에서 가장 번성한 시기이다. 30~50년대 작가들을 한 손에 꼽을 수 있다면 지금은 수십 명의 새로운 문학가들이 등장하고 있다. 고귀한 작가들이 지배적인 위치를 차지합니다. 그러나 하층계층, 심지어 농노 출신의 작가들도 많이 있습니다. 캐서린 2세 황후 자신도 문학의 중요성이 커졌다고 느꼈습니다. 그녀는 글쓰기에 매우 적극적으로 참여하기 시작했으며 이러한 방식으로 여론을 확보하고 문학의 발전을 직접 관리하려고 노력했습니다. 그러나 그녀는 실패했습니다. 그녀의 편을 들었던 작가는 거의 없었고 대부분 중요하지 않았습니다. 거의 모든 주요 작가, 러시아 계몽의 인물 - N. I. Novikov, D. I. Fonvizin, 젊은 I. A. Krylov, A. N. Radishchev, 코미디 "Yabeda"V. V. Kapnist의 저자 및 기타 많은 사람들이 반동적 문학 진영에 맞서 대담하고 정력적인 투쟁에 참여했습니다. 캐서린과 그녀의 하인. 이 투쟁은 매우 어려운 상황에서 진행되었습니다. 여왕이 싫어하는 작가들의 작품은 검열에 의해 금지되었으며 때로는 "사형집행인의 손에 의해" 공개적으로 불태워졌습니다. 그 저자들은 잔혹한 박해를 받고 투옥되었으며 사형을 선고받고 시베리아로 추방되었습니다. 그러나 그럼에도 불구하고 그들의 작업을 가득 채운 진보된 아이디어는 점점 더 사회의 의식에 침투했습니다.

주로 진보적인 작가들의 활동으로 인해 문학 자체가 눈에 띄게 풍성해졌습니다. 새로운 문학 장르와 유형이 창조되고 있습니다. 이전 시기에는 문학 작품이 거의 전적으로 운문으로 작성되었습니다. 이제 예술적 산문의 첫 번째 예가 나타나고 있습니다. 드라마가 빠르게 발전하고 있어요. 풍자 장르(유형)의 발전은 특히 광범위한 범위를 확보하고 있습니다. 풍자는 운문뿐만 아니라 산문, 풍자 우화, 소위 아이로코믹, 패러디 시, 풍자 코미디, 코믹 오페라 등에서도 집중적으로 작성됩니다. 18세기 가장 위대한 시인의 작품. Derzhavin의 풍자적 시작은 칭찬하고 엄숙한 노래에도 침투합니다.

18세기 풍자가. 여전히 고전주의의 규칙을 따르고 있습니다. 그러나 동시에 그들의 작업은 점점 더 실제 생활의 사진과 이미지를 반영합니다. 그들은 더 이상 소위 고전주의의 고급 장르(시, 비극)처럼 전통적으로 추상적인 성격을 띠지 않고 현대 러시아 현실에서 직접 가져온 것입니다. 비평 작가들(Novikov, Fonvizin, Radishchev)의 작품은 19세기 러시아 비판적 현실주의 창시자들의 작품의 직접적인 전임자였습니다. -푸쉬킨, 고골.

18세기 풍자. 여전히 정치적으로 제한적이다. 농민들을 잔인하게 대하는 사악한 지주들을 날카롭게 비난하면서도, 풍자가들은 일부 사람들이 다른 사람들을 그들의 일하는 가축으로 소유할 권리의 잔인성과 부조리에 반대하지 않았습니다. 이 나라를 지배하는 폭정, 폭력, 뇌물 수수, 불의를 채찍질하면서 풍자가들은 그들을 이 모든 것을 야기한 독재적인 농노제와 연결시키지 않았습니다. 뛰어난 러시아 평론가인 도브롤류보프(Dobrolyubov)의 말에 따르면, 그들은 "우리 개념의 남용은 그 자체로 이미 악하다"고 비난했습니다. 처음으로 러시아 최초의 혁명 작가 Radishchev는 개인의 학대뿐만 아니라 독재와 농노제의 모든 악을 분개하여 공격했습니다.

에게고전주의. 유럽 ​​전역의 현상, 프랑스의 복합물(시리즈 17) 삶의 모든 시대를 정돈합니다. 규율이 혼돈을 대체했습니다. 이성과 의무의 명령에 기초한 새로운 조화. 공통 특성을 지닌 사람: 영웅-악당, 영웅-인색. 유형론자, 분류, 명확성, 편의성, 규범, 규칙. 미학의 3가지 범주: 이성, 모델, 취향 스타일 교리, 장르 계층 구조 규범적 감상주의 시대는 끝났습니다. 낭만주의– 19년 첫 10년, 개인의 예술적 의식의 시대, 세상의 중심에 있는 사람들, 개성, 자급자족, 개인의 자유, 꿈과 행동의 갈등 로맨틱 이중 세계: 행동. 그리고 꿈(아이디어의 세계) 시간은 역사와 사람, 자기 가치, 개인의 시대적 특성을 움직이는 과정이다. 작가-창조자의 문제, 작가-성격, 새로운 글쓰기 스타일. 발라드: the 환상의 혼돈, 허구, 신비의 시, 그 너머, 아이러니한 시.

고전주의 (정말로. 고전주의, 에서 위도 고전적인- 예시) - 유럽 미술의 예술적 스타일과 미학적 방향 XVII-19세기

고전주의는 사상을 바탕으로 한다 이성론, 이는 철학과 동시에 형성되었습니다. 데카르트. 예술 작품, 고전주의의 관점에서 볼 때 엄격한 표준을 기반으로 구축되어 우주 자체의 조화와 논리를 드러내야합니다. 고전주의의 관심은 오직 영원하고 불변적인 것입니다. 각 현상에서 그것은 무작위적인 개별 특성을 버리고 본질적인 유형학적 특징만 인식하려고 노력합니다. 고전주의 미학이 선사하는 훌륭한 가치예술의 사회적, 교육적 기능. 고전주의는 고대 예술에서 많은 규칙과 표준을 취합니다. 아리스토텔레스, 호레이스).

고전주의는 엄격한 기준을 세운다. 장르의 계층, 이는 높은 ( 오 예, 비극, 서사시) 및 낮음 ( 코메디, 풍자,우화). 각 장르에는 엄격하게 정의된 특성이 있으며, 이를 혼합하는 것은 허용되지 않습니다.

17세기 프랑스에서 어떤 방향이 어떻게 형성되었는지. 프랑스 고전주의는 인간을 종교와 교회의 영향에서 해방시켜 개성을 존재의 가장 높은 가치로 단언했습니다. 러시아 고전주의는 서유럽 이론을 채택했을 뿐만 아니라 이를 민족적 특성으로 풍부하게 했습니다.

고전주의 시학의 창시자는 프랑스인으로 간주됩니다. 프랑수아 말헤르브(1555-1628) 프랑스어와 운문을 개혁하고 시적 정경을 발전시킨 사람. 연극에서 고전주의를 대표하는 대표적인 인물은 비극작가였다. 코르네유그리고 라신(1639-1699), 그의 창의성의 주요 주제는 공적 의무와 개인적 열정 사이의 갈등이었습니다. “낮은” 장르도 높은 발전을 이뤘다 - Fable (J. 라퐁텐), 풍자( Boileau), 코미디( 몰리에르 1622-1673).

Boileau는 유럽 전역에서 "입법가"로 유명해졌습니다. 문단", 시적 논문에서 자신의 견해를 표현한 고전주의의 가장 큰 이론가 " 시적 예술" 영국의 시인들도 그에게서 영향을 받았습니다. 존 드라이든그리고 알렉산더 포프영시의 주요 형식을 이룬 알렉산드린. 고전주의 시대의 영어 산문 ( 애디슨, 빠른)은 또한 라틴어화되어 있는 것이 특징입니다. 통사론.

18세기 고전주의는 사상의 영향을 받아 발전했다. 계발. 창조 볼테르 (1694 -1778 )은 종교적 광신주의, 절대주의적 억압에 반대하며 자유의 비애로 가득 차 있습니다. 창의성의 목표는 세상을 더 나은 방향으로 변화시키고 고전주의 법칙에 따라 사회 자체를 건설하는 것입니다. 영국인은 고전주의의 관점에서 현대 문학을 검토했습니다. 사무엘 존슨, 수필가를 포함하여 같은 생각을 가진 사람들의 화려한 서클이 형성되었습니다. 보스웰, 역사가 긴팔원숭이그리고 배우 개릭.

러시아에서는 고전주의가 18세기에 시작되었습니다. 피터 1세. 로모노소프러시아 운문의 개혁이 이루어졌고 이론이 개발되었습니다. "세 가지 진정", 이는 본질적으로 프랑스어 고전 규칙을 러시아어에 적용한 것입니다. 고전주의의 이미지에는 개별적인 특징이 없습니다. 주로 시간이 지나도 지속되지 않고 사회적 또는 영적 힘의 구체화 역할을 하는 안정적인 일반적인 특성을 포착하도록 설계되었기 때문입니다.

러시아의 고전주의는 다음과 같은 영향을 받아 발전했습니다. 계발-평등과 정의에 대한 아이디어는 항상 러시아 고전 작가들의 관심의 초점이었습니다. 따라서 러시아 고전주의에서는 역사적 현실에 대한 작가의 의무적 평가가 필요한 장르가 크게 발전했습니다. 코메디 (D. I. 폰비진), 풍자 (A. D. 칸테미르), 우화(A. P. 수마로코프, I. I. 켐니처), 오 예 (로모노소프, G. R. 데르자빈).

선언된 내용과 관련하여 루소 18세기 후반 고전주의에서는 자연과 자연스러움에 대한 친밀감을 요구하면서 위기 현상이 커지고 있습니다. 이성의 절대화는 부드러운 감정의 숭배로 대체됩니다. 감상주의. 고전주의에서 고전주의로의 전환 낭만주의 이전그 시대의 독일 문학에 가장 분명하게 반영되었습니다. 스텀 앤 드랑", 이름으로 표현 J. W. 괴테(1749-1832) 그리고 F. 쉴러 (1759 -1805 ), 그는 루소를 따라 예술을 사람을 교육하는 주요 힘으로 여겼습니다.

G.N.Pospelov // LP 소개

문학적 방향. 고전주의

이와 관련하여 전환점이 17세기에 주로 프랑스 문학에서 일어나기 시작했습니다. 그리고 이것은 우연이 아니었습니다. XVII 및 XVIII 세기 일반적으로 사회적으로 발전한 유럽 민족의 삶에서 진보되고 자연 과학적, 철학적, 정치적 사고가 이전보다 훨씬 더 근본적이되고 축적 된 지식을 분류하는 합리적 원칙이 큰 성공을 거둔시기였습니다. 이로 인해 자연과 사회의 생명에 대한 형이상학적 이해가 지배하게 되었습니다.

엥겔스는 이에 대해 이렇게 썼습니다. “형이상학자에게 사물과 그들의 정신적 반성, 개념은 분리되고, 변하지 않으며, 동결되어 있으며, 주어진 모든 대상에 대해 차례로 연구되고 서로 독립적으로 연구됩니다. 그는 연속적이고 직접적인 반대의 관점에서 생각합니다. 그에게 사물은 존재하거나 존재하지 않으며, 마찬가지로 사물은 그 자체일 수 없으며 동시에 다를 수 없습니다.” (3, 21).

형이상학 적 사고의 일반적인 분위기는 소설, 특히 그에 상응하는 정치적 상황이 이에 기여한 프랑스에서 영향을 미쳤습니다. 여기에서 두 특권 계급 (귀족과 부르주아지)의 삶에서 구심성, 국가적 경향이 자발적으로 우세했으며, 그 지수는 정치적 절대주의에 도달 한 왕권이었습니다. 한 세기에 걸쳐 루이 13세와 14세의 통치 기간 동안 이 권력은 국가의 "조직화 및 문명화 중심지"(마르크스)가 되었으며 어느 정도 국가적 진보적 중요성을 지녔습니다.

이러한 조건 하에서 귀족의 넓은 집단과 부분적으로 일반 지식인의 상응하는 세계관이 발전하여 부르주아 발전의 길을 따라 국가를 움직이기 위해 여전히 소심하게 노력하고 있지만 본질적으로 보수 봉건적 인 기존 시스템을 이념적으로 확인했습니다. . 그 목적을 고려할 때, 새로운 세계관은 합리주의적일 수밖에 없습니다.

이러한 세계관을 바탕으로 프랑스에서는 고전주의라고 불리는 매우 강력한 문학 운동이 나타났습니다. 역사상 처음으로 전체 작가 그룹이 자신의 창작 원칙에 대한 인식 수준에 올랐습니다.

이 운동의 강점은 그 지지자들이 매우 완전하고 뚜렷한 시민-도덕적 신념 체계를 갖고 있으며 이를 자신들의 작업에서 일관되게 표현했다는 사실에 있습니다. 따라서 그들은 이에 상응하는 문학 프로그램을 만들었습니다. 프랑스 고전주의 발전 초기에 그 창의적인 "입법자"는 F. Malherbe였으며, 17세기 후반에는 N. Boileau가 뛰어난 이론가가 되었습니다.

Malherbe는 엄숙한 송시를 썼습니다. 그는 전체 국가를 대신하여 사회 전체에 이익을 가져다 준 것으로 추정되는 왕권과 시민 활동을 높이 평가하여 평화로운 번영의 가능성을 열어주었습니다. Malherbe에 따르면 이러한 권력 활동은 마음의 보편적인 인간 법칙의 표현이었고 이를 수행하고 이에 기여한 모든 사람은 사악하고 이기적이며 반사회적인 모든 것에 반대하는 합리적인 도덕적 시민 의식에서 나왔습니다.

시는 또한 이러한 합리적인 목적을 달성해야 합니다. 그 자체에는 합리성의 원칙, 즉 사고의 엄격함과 명확성, 구성의 조화, 말의 순수성이 스며들어야 합니다. 사회에 대한 도덕적 의무, 공무원 봉사, 예술적 창의성의 합리적인 조직에 대한 동일한 아이디어는 Boileau의 시적 논문 “Poetic Art”(“L"art poe-tique,” ​​1674)에서 이론적으로 매우 명확하게 표현되었습니다. 이는 프랑스 고전주의의 선언문이 되었습니다.

Boileau에게 특히 중요한 것은 문학의 "장르의 순수성", 즉 "높음"(시, 시, 비극) 또는 "낮음"(풍자, 우화, 코미디)에 대한 문제였습니다. 그의 생각으로는 각 장르는 고유한 이념적, 정서적 지향과 이에 상응하는 예술적 형식을 가져야 한다고 생각합니다. 이러한 전체적 장르 체계를 발전시키는 데 있어서 프랑스 시인과 극작가는 고대 문학의 창조적 업적에 의존해야 한다고 생각합니다. Homer, Pindar, Sophocles 또는 Horace, Phaedrus, Aristophanes의 작품은 각 장르의 작품을 만들기 위한 특정 "규칙"이 파생될 수 있는 고전 모델이 되어야 합니다. 창의성에 대한 그러한 합리주의적 구체화에 대한 열망은 고전주의의 전체 이론적 프로그램, 전체 미학의 매우 특징적이었습니다.

프랑스 고전주의자들은 고대 작가들을 모방할 준비가 되어 있었지만, 물론 같은 방식으로 글을 쓸 수는 없었습니다. 그들은 완전히 다른 사회 발전 단계에서 자연스럽게 발생하는 다른 세계관과 다른 창의성 문제를 가지고있었습니다. 그들은 영웅에게 고대 의상을 입힐 수 있었지만 작가의 합리주의적 사고에 완전히 복종한 이 영웅들은 고대 그리스인과 로마인처럼 행동하지 않고 깨달은 절대주의 시대의 프랑스인처럼 행동했습니다.

Boileau 자신은 대부분 풍자를 만들었습니다. 그러나 그의 창작 프로그램의 주요 조항은 다른 작가, 특히 프랑스 고전주의 극작의 유명한 창작자 인 P. Corneille, J. Racine, J. Moliere에 의해 어느 정도 공유되었습니다. 무대로 구현된 드라마는 일반적으로 시민의 미덕의 위대함과 시민의 악덕의 파괴성을 관객에게 직접 보여주는 가장 좋은 수단이었습니다. 그 중요성을 감안할 때 해당 창의적 "규칙"을 가장 신중하게 개발해야 했습니다.

그 당시 특히 중요한 것은 드라마 작품이 시간, 장소, 행동의 통일성을 포함해야 한다는 요구 사항이었습니다. 이는 극에서 단일 갈등이 전개되어야 하고, 줄거리에서의 갈등 전개가 시간(캐릭터의 삶에서 하루 이상 차지하지 않음)과 공간(완전히 한 도시 또는 한 집에서도). 이 플롯 구성 원칙은 고전 극작가 연극의 이념적 내용과 완전히 일치했습니다. 결국 그들은 영웅의 캐릭터에서 시민의 미덕이나 악덕만을 드러내고 영웅의 심리적, 일상적인 세부 사항에서 크게 산만 해졌습니다. 살고 있다. 갈등의 통일성과 줄거리의 좁은 시공간적 틀은 등장 인물의 성격에 대한 이해와 도덕주의 작가가 그들에게 명확한 "문장"을 부과하는 데 전적으로 기여했습니다.

그러나이 모든 것이 고전 주의자들의 극작에서 사실주의 발전에 기여하지 못했습니다. 그들의 영웅들은 각각 작가가 추상적으로 이해한 미덕이나 악덕을 자신 안에 드러내기 위해 무대에서 말하고 행동했기 때문에 그의 생각과 경험의 살아있는 과정은 크게 빈곤하고 일방적인 이성적 내용을 얻었으며 종종 언론 오리엔테이션.

갈등의 발전은 동일한 경향의 의미를 받았습니다. 작가의 합리주의적 사고에 따르면 무대에서 일어나는 사건은 분명히 선을 승리로, 악을 처벌로 이끌어야 한다. 한 영웅의 마음 속에 이러한 원칙이 충돌할 가능성은 대개 합리적인 의미만을 가졌습니다. 극작가는 적어도 외부 세력의 예상치 못한 개입을 통해 항상 갈등에서 필요한 결과를 만들어냈습니다. 고대 로마인들은 이 기술을 “기계에서 나온 신”(“deus ex machina”)이라고 불렀습니다.

고전주의 극작의 이러한 교훈적인 성격은 코르네유와 라신이 쓴 민사 비극의 "고급" 장르에서 더 크게 드러났습니다. Corneille의 "The Cid"와 "Horace", Racine의 "Iphigenia in Aulis"등 많은 작품은 시민의 의무와 주인공의 마음 속에있는 개인적인 감정의 갈등을 바탕으로 만들어졌습니다.

그러나 고전 극작가들은 다른 유형의 비극을 창조했습니다. 그들에게서 그들은 사회의 이익이 아니라 잔인한 자의성과 개인적인 열정을 위해 자신의 권력을 사용하는 나쁜 통치자들을 폭로했습니다. 예를 들어 Corneille의 "Rodogunda"와 "Heraclius", Racine의 "Andromache", "Athaliah", "Britannicus"가 있습니다. 후자는 그의 형제 브리타니쿠스를 사랑하는 율리아의 호의를 구하는 로마 황제 네로를 묘사합니다. Nero는 아첨하는 연설과 불길한 위협으로 소녀에게 영향을 미치고 목표를 달성하지 못한 채 법정 잔치에서 그의 형제를 독살합니다.

현대 사회의 악덕을 폭로한 몰리에르의 희극에서는 인물의 묘사가 더욱 구체적이었다. 그러나 그들 속에서도 시민 도덕적 사고의 추상화, 고전주의 극작의 '규칙'의 심각성이 생명 재생산의 현실적인 원칙보다 우세한 경우가 많았습니다. 따라서 코미디 "Tartuffe"에서 위선과 위선의 도움으로 자신의 목표를 달성 한 직업가이자 호기심 많은 주인공의 성격에서 이러한 특성은 다른 모든 사람에게 해를 끼치는 특별한 힘으로 드러납니다. 이미지 개략도. 갈등의 비난도 경향이 있는데, 이미 자신의 재산을 빼앗기 위해 단순한 오르공을 자신의 그물로 유인한 타르튀프가 갑자기 왕의 명령에 의해 체포되어 처벌받은 악의의 예가 되는 것입니다. 그리고 Moliere의 다른 코미디 ( "The Miser", "The Bourgeois in the Nobility", "The Imaginary Invalid")에서 이러한 창의성의 교훈은 그다지 강력하지 않게 나타납니다.

17세기 프랑스 고전주의의 요람이었다. 다른 유럽 국가에서도 국가 문학의 단계적 공동체로 인해 발생했지만 계몽 절대주의의 국가적 진보의 발전과 정도에 따라 덜 명확하고 나중에 형성되었습니다.

따라서 당시 작은 주로 분열되어 있던 독일에서는 봉건 정부의 국가적 진보성이 미미했습니다. 그러나 18세기 초. 프랑스 작가들을 따라 독일 작가들은 고전주의에 대한 자신만의 이론적 프로그램을 만들려고 노력했습니다. 이것은 고트쉐드(Gottsched)의 "독일인을 위한 비평 시 경험"(1730)으로 동시대 사람들의 예술적 의식에 큰 영향을 미쳤지만 의미 있는 문학 작품을 창작하도록 영감을 주지는 못했습니다.

러시아에서는 국가적으로 매우 중요한 피터 1세의 개혁이 귀족 사회에서 서유럽 문화에 대한 관심과 동화하려는 열망을 불러일으켰습니다. 이미 XVIII 세기 20 대에 있습니다. Cantemir의 작업에서는 진보적인 고귀한 국가의 이상에 기초한 새롭고 세속적인 세계관이 지금까지 풍자와 송시(“메시지”) 장르에서만 표현되었습니다. 그리고 40년대 말에는 이 세계관을 바탕으로 Sumarokov(그의 편지 - "서신" "러시아어에 관한" 및 "러시아 시에 관한", 1748)와 Lomonosov(그의 "수사학")의 노력을 통해 , Boileau 논문의 주요 조항을 여러면에서 반복하는 러시아 고전주의 프로그램이 만들어졌습니다. 다음 30년 동안 러시아 문학은 가사(Lomonosov, Sumarokov, 초기 Derzhavin), 드라마(Sumarokov, Fonvizin, Knyazhnin) 및 시적 서사시(Trediakovsky, Kheraskov)에서 나타나는 내용과 형식의 해당 특징을 적극적으로 발전시켰습니다.

유럽 ​​문학의 전반적인 발전에 있어서 고전주의의 중요성은 매우 컸습니다. 삶의 예술적 재현에 대한 합리주의적 추상에도 불구하고 고전주의에는 매우 중요한 이점이 하나 있었습니다. 즉, 중세 초기와 르네상스 작품에서는 종종 부족했던 고도의 창의성 훈련이 필요했습니다. 창의적 사고의 완전성, 단일 아이디어를 지닌 작품의 전체 형상 체계의 침투, 이데올로기적 내용과 예술적 형식의 깊은 일치 - 이러한 고전주의의 "증거"는 이후 최고의 작가들에 의해 받아 들여졌습니다. 역사적 시대, 기타 문학적 경향.

따라서 문학 운동은 높은 창의적 의식과 원칙 준수를 달성한 특정 국가와 시대의 작가들의 작품이며, 이는 그들의 이데올로기적이고 창의적인 열망에 부합하는 미적 프로그램의 창설에서 나타납니다. 표현하는 '매니페스토'다.

의식적인 미적 원칙의 존재는 대개 작가의 창의성에 긍정적인 영향을 미치며 더 큰 완성도를 달성하는 데 도움이 됩니다. 이는 다른 나라의 고전주의자들이 최선을 다해 모방한 프랑스 고전주의의 시인과 극작가들의 작품이었습니다. 하지만 17세기 프랑스 문학에서는요. 내용과 형식의 다른 속성을 지닌 작품도 등장했고, 그 작가는 그에 상응하는 미적 프로그램을 만드는 수준에 이르지 못하여 다른 문학 운동을 만들지 않았습니다. 예를 들어, 이것은 여러 단편 소설 시(“동화”)와 짧은 산문 소설의 저자인 Jean La Fontaine이 이끄는 여러 시인이 만든 “가벼운 시”(프랑스 poesie legere)였습니다. “프시케와 큐피드의 사랑.” 이 작품에서 La Fontaine은 고전주의자의 창의성의 모방성과 합리주의적 규율에 반대하여 창의성의 독립성과 삶의 자유로운 향유(사랑, 예술, 자연의 아름다움)를 확인합니다. 그의 시의 가볍고 세련되며 유쾌한 형식은 고전주의적인 송가와 비극의 진지하고 엄숙한 어조와 대조를 이룹니다. 러시아에서는 국가 문학의 단계적 공통성으로 인해 I. Bogdanovich의 작품, 주로 La Fontaine의 소설에서 빌린 음모에 쓰여진 그의시 "Darling"이 비슷한 장소를 차지합니다.

프랑스 고전주의는 예술적 창의성의 새롭고 더 높은 수준의 역사적 발전을 나타내는 최초의 대규모 완전히 확립된 문학 운동이었습니다. 그 이후로 창의성의 프로그램적 성격은 유럽의 사회적으로 발전한 국가의 국가 문학 생활의 주요 원칙이 되었습니다. 국가 문헌에서는 이념적, 창의적 원칙이 다른 경향이 형성되기 시작했고 그들 사이에서 의식적인 프로그램 논쟁이 시작되었습니다.

건축과 도시 계획의 고전주의.

고전주의 건축의 주요 특징은 조화, 단순성, 엄격함, 논리적 명확성 및 기념비성의 표준으로서 고대 건축의 형태에 대한 호소였습니다. 전체적으로 고전주의 건축은 레이아웃의 규칙성과 체적 형태의 명확성이 특징입니다. 고전주의 건축 언어의 기초는 고대에 가까운 비율과 형태의 순서였습니다. 고전주의는 대칭적인 축 구성, 장식 장식의 제한, 규칙적인 도시 계획 시스템이 특징입니다.

고전주의의 건축 언어는 르네상스 말기에 베네치아의 위대한 거장 Palladio와 그의 추종자 Scamozzi에 의해 공식화되었습니다.

베네치아인들은 고대 사원 건축의 원리를 빌라 카프라(Villa Capra)와 같은 개인 저택 건설에 적용할 정도로 절대화했습니다. 이니고 존스(Inigo Jones)는 팔라디아주의를 북쪽으로 영국으로 가져왔고, 그곳의 현지 팔라디아 건축가들은 18세기 중반까지 다양한 충실도로 팔라디아 원칙을 따랐습니다.

베네치아에서 교회의 의뢰를 받은 팔라디오는 여러 프로젝트를 완료하고 여러 교회를 지었습니다(1558년 카스텔로의 산 피에트로, 산타 마리아 델라 카리타 교회 회랑(현재 아카데미아 박물관), 산 프란체스코 교회 정면 della Vigna, 1562, 같은 섬의 San Giorgio Maggiore, 1565 [V. Scamozzi가 1610년에 완성], "Il Redentore", 즉 Giudecca 섬의 구세주 [교회], 1576-1592; 산타 마리아 델라 프레젠테(Santa Maria della Presentatione) 또는 "Le Citelle"; 산타 루치아(Santa Lucia)는 19세기 중반 건설 중에 해체되었습니다. 기차역). Palladio의 빌라 전체가 형태의 조화와 평온함의 인상으로 통합된다면 그의 교회에서 가장 중요한 것은 형태의 역 동성, 때로는 흥분된 파토스입니다.

로버트 아담(형제 제임스와 협력)은 영국에서 가장 인기 있는 건축가가 되었습니다. 아름다움의 감정가들은 그가 이전에 양립할 수 없다고 여겨졌던 고전적 요소들을 결합한 자유로움에 감탄했습니다. 친숙한 건축 기법(열창, 세를리아노)의 배열에 대한 새로운 접근 방식은 고대 예술의 본질에 대한 아담의 깊은 침투를 입증했습니다. 건물: Kedleston Hall, Syon House, Register House, Osterley Park.

회화의 고전주의.

아고스티노 카라치(Agostino Carracci)의 몇몇 그림(그 중 최고는 안니발레 형제와 함께 제작한 로마 파르네세 궁전의 프레스코화, 볼로냐 피나코테카에 있는 "성 제롬의 영성체", "성모 승천"입니다)은 다음과 같습니다. 그림의 정확성과 가볍고 밝은 색상으로 구별됩니다.

Agostino는 그의 형제 Annibale보다 더 유명한 조각사였습니다. Cornelis Cort를 모방하여 그는 조각 기술에서 큰 높이를 달성했습니다. 그의 판화 중 가장 유명한 것은 "십자가 처형"(틴토레토 공저, 1589), "아이네이아스와 안키세스"(바로키오 공저, 1595), "성모와 아이"(코레조 공저), "성 베드로의 유혹"이다. 앤서니", "세인트. Jerome"(틴토레토와 함께)과 그의 작품에서 나온 일부 판화도 있습니다.

클로드 로랭(Claude Lorrain)은 하루 중 다양한 시간에 나타나는 태양 광선, 아침의 상쾌함, 한낮의 더위, 황혼의 우울한 깜박임, 따뜻한 밤의 시원한 그림자, 고요하거나 약간 흔들리는 물의 빛을 뛰어난 기술로 묘사했습니다. , 깨끗한 공기의 투명성과 옅은 안개로 뒤덮인 거리. 그의 작품에는 두 가지 스타일이 구별됩니다. 그의 활동 초기로 거슬러 올라가는 그림은 강렬하고 두껍고 따뜻한 색상으로 칠해져 있습니다. 나중에 - 더 부드럽고 차가운 톤으로. 그의 풍경이 일반적으로 애니메이션화되는 인물.

Poussin과 달리 Lorrain은 형이상학적(학술적 읽기) 풍경을 뛰어 넘었습니다. 그의 작업에서는 빛이 항상 중요하다. 그는 아침과 저녁에 태양광 조명 문제를 최초로 연구한 사람입니다. 분위기와 빛의 채도에 진지하게 관심을 갖게 된 첫 번째 사람입니다. 그의 작품은 유럽 풍경화, 특히 윌리엄 터너(William Turner)의 발전에 영향을 미쳤습니다.

음악의 고전주의

고전 시대의 음악 또는 고전주의 음악은 대략 1730년에서 1820년 사이의 유럽 음악 발전 기간을 의미합니다(이를 구별하는 것과 관련된 문제에 대한 자세한 내용은 "클래식 음악 발전의 시대 프레임" 참조). 프레임). 음악의 고전주의 개념은 비엔나 고전이라고 불리며 음악 작곡의 발전 방향을 결정한 하이든, 모차르트, 베토벤의 작품과 확고하게 연관되어 있습니다.

모차르트 작품의 특징은 엄격하고 명확한 형태와 깊은 감성의 놀라운 조합입니다. 그의 작품의 독특함은 그가 그 시대에 존재했던 모든 형식과 장르를 썼을 뿐만 아니라, 각각의 작품에서 지속적인 의미를 지닌 작품을 남겼다는 점에 있다. 모차르트의 음악은 다양한 민족 문화(특히 이탈리아 문화)와의 많은 연관성을 드러내지만, 그럼에도 불구하고 이 음악은 비엔나라는 민족의 땅에 속하며 위대한 작곡가의 창의적인 개성을 담고 있습니다.

모차르트는 가장 위대한 멜로디 연주자 중 한 명입니다. 그 멜로디는 오스트리아와 독일 민요의 특징과 이탈리아 칸틸레나의 선율을 결합합니다. 그의 작품은 시와 미묘한 우아함으로 구별된다는 사실에도 불구하고 종종 극적인 파토스와 대조되는 요소를 갖춘 남성적인 멜로디를 포함하고 있습니다. 가장 인기 있는 오페라는 '피가로의 결혼', '돈 조반니', '마술피리'였습니다.

질문과 과제:

1) 고전주의(프랑스 고전주의, 라틴어 고전주의 - 예시) - 17~19세기 유럽 예술의 예술적 스타일과 미학적 방향.

고전주의의 발전에는 17세기라는 두 단계가 있습니다. 그리고 XVIII - 초기 XIX V. 18세기에

고전주의는 데카르트 철학의 동일한 사상과 동시에 형성된 합리주의 사상을 기반으로합니다. 고전주의의 관점에서 예술 작품은 엄격한 규범을 바탕으로 만들어져 우주 자체의 조화와 논리를 드러내야합니다. 고전주의의 관심은 오직 영원하고 불변적인 것입니다. 각 현상에서 그것은 무작위적인 개별 특성을 버리고 본질적인 유형학적 특징만 인식하려고 노력합니다. 고전주의의 미학은 예술의 사회적, 교육적 기능을 매우 중요하게 생각합니다. 고전주의는 고대 예술(아리스토텔레스, 호레이스)에서 많은 규칙과 표준을 취합니다.

고전주의는 높은 장르(시, 비극, 서사시)와 낮은 장르(코미디, 풍자, 우화)로 구분되는 엄격한 장르 계층 구조를 확립합니다. 각 장르에는 엄격하게 정의된 특성이 있으며, 이를 혼합하는 것은 허용되지 않습니다.

17세기 프랑스에서 어떤 방향이 어떻게 형성되었는지. 프랑스 고전주의는 인간의 성격을 존재의 가장 높은 가치로 확인하여 인간을 종교적, 교회적 영향으로부터 해방시켰습니다.

회화, 조각, 건축, 문학, 음악 등 고전주의가 표현됩니다.

2) 기념물 건물에서 특정한 사회적 기능을 표현하는 건물로 오는데, 그러한 기능들의 통일성이 도시 유기체를 만들고, 그 구조는 이러한 기능들의 조화이다. 사회적 조정은 합리성의 원칙을 기반으로 하기 때문에 도시 계획은 더욱 합리적이 됩니다. 즉, 넓고 직선적인 거리, 넓은 정사각형 또는 원형 영역으로 구성된 명확한 직사각형 또는 방사형 기하학적 패턴을 따릅니다. 인간 사회와 자연 사이의 관계에 대한 아이디어는 넓은 녹지 지역의 도입으로 도시에서 표현되며, 대부분 혁명 후 국유가 된 이전 수도원의 궁전이나 정원 근처에 공원이 있습니다. 건축을 도시계획 업무의 이행으로만 축소하는 것은 형태의 단순화와 유형화를 수반한다.

3) 고전주의의 건축가는 바로크 양식의 휘핑 크림을 거부하고 조화, 엄격함, 논리적 명확성 및 기념비성의 기준을 주장합니다. 사실 그에게는 예술이 객관적인지 아닌지에 대한 의문의 여지가 없었습니다. 물론 객관적으로는 그렇지만 그 자신은 영원과 불변의 모든 것을 섬기고 있습니다. 따라서 주문 시스템, 레이아웃의 규칙성 및 대칭에 중점을 둡니다. 우리가 기억하는 것처럼 이것은 자랑스럽게 들립니다. 그리고 규칙성과 명확성은 바로 인간의 창조와 자연의 자발적인 비대칭성을 구별하는 것입니다. 건물과 공원의 경우, 이 모든 것은 원근감 있게 뻗어 있는 기둥 행, 완벽하게 손질된 덤불, 수십 미터의 완벽한 조각품의 모습을 의미했습니다. 그리고 컬, 건축학적 주름 및 주름 장식은 사악한 것입니다. 고전주의의 건축가는 대부분 관광객이었고 이탈리아와 그리스를 여행하여 유적지, Palladio, Scamozzi의 작품 및 Piranesi의 그림을 살펴본 다음이 지식을 자신의 나라로 가져갔습니다. 특히 영국에 고전주의를 도입한 이니고 존스(Inigo Jones)와 스코틀랜드의 얼굴을 바꾼 로버트 아담(Robert Adam)에게 이런 일이 일어났습니다. 파르테논 신전의 아름다움에 열광한 독일인 레오 폰 클렌체(Leo von Klenze)와 카를 프리드리히 싱켈(Karl Friedrich Schinkel)은 웅장한 박물관과 기타 공공 건물을 통해 신그리스 정신으로 뮌헨과 베를린을 건설했습니다.

프랑스의 Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux 및 Etienne-Louis Boullé는 자신만의 고전주의 버전을 만들었습니다. 첫 번째 사람은 건물 주변 공간을 점점 더 마스터했고 Ledoux와 Boullé는 형태의 급진적인 기하학에 매료되었습니다. 모든 유럽인 중에서 프랑스인(그리고 그 다음으로 러시아인)은 로마 제국의 사치에 가장 민감한 것으로 밝혀졌으며 주저하지 않고 개선문과 기둥을 복사했습니다.

4) 질문 #3을 참조하세요.

5) 모차르트 작품의 특징은 엄격하고 명확한 형식과 깊은 감성의 놀라운 조합입니다. 그의 작품의 독특함은 그가 그 시대에 존재했던 모든 형식과 장르를 썼을 뿐만 아니라, 각각의 작품에서 지속적인 의미를 지닌 작품을 남겼다는 점에 있다. 모차르트의 음악은 다양한 민족 문화(특히 이탈리아 문화)와의 많은 연관성을 드러내지만, 그럼에도 불구하고 이 음악은 비엔나라는 민족의 땅에 속하며 위대한 작곡가의 창의적인 개성을 담고 있습니다.

6) 니콜라 푸생.망치질과 리드미컬한 작곡의 대가입니다. 그는 지역색의 기념비성을 가장 먼저 인식한 사람 중 한 명이었습니다.

노르망디에서 태어난 그는 고국에서 처음으로 예술 교육을 받은 후 파리에서 Quentin Varenne와 J. Lallemand의 지도를 받으며 공부했습니다. 1624년에 이미 꽤 유명한 예술가였던 푸생은 이탈리아로 가서 로마에서 시인 마리노와 친한 친구가 되었습니다. 마리노는 그에게 이탈리아 시인을 연구하는 것에 대한 사랑을 심어주었고, 그의 작품은 푸생에게 그의 작곡을 위한 풍부한 자료를 제공했습니다. 마리노가 죽은 후, 푸신은 어떤 지원도 없이 로마에 있게 되었습니다. 그의 상황은 프란체스코 바르베리니 추기경과 Cavalier Cassiano del Pozzo의 후원자를 찾은 후에야 개선되었으며, 그를 위해 The Seven Sacraments를 썼습니다. 일련의 뛰어난 그림들 덕분에 푸생은 1639년 리슐리외 추기경의 초대를 받아 루브르 미술관을 장식하게 되었습니다. 루이 13세는 그를 그의 첫 번째 화가라는 칭호로 승격시켰습니다. 파리에서 Poussin은 많은 주문을 받았지만 이전에 루브르 박물관 장식에 참여했던 예술가 Vouet, Brequier 및 Mercier의 인물로 반대 파티를 구성했습니다. 특히 여왕의 후원을 누렸던 Vue 학교는 그에게 흥미로 웠습니다. 따라서 1642년에 푸생은 파리를 떠나 로마로 돌아와 그곳에서 죽을 때까지 살았습니다.

Poussin은 특히 풍경에 강했습니다. 볼로냐 학교와 이탈리아에 거주하는 네덜란드인이 이러한 유형의 그림에서 얻은 결과를 활용하여 그는 대중의 균형 잡힌 분포 규칙에 따라 배열되는 소위 "영웅적인 풍경"을 만들었습니다. 그 유쾌하고 장엄한 형태는 그에게 목가적인 황금기를 묘사하는 무대 역할을 했습니다. 푸생의 풍경에는 ​​진지하고 우울한 분위기가 물씬 풍긴다. 인물을 묘사하면서 그는 고대 유물을 고수했으며 이를 통해 프랑스 회화 학교가 그를 따라갈 추가 경로를 결정했습니다. 역사 화가로서 Poussin은 그림에 대한 깊은 지식과 구성에 대한 재능을 가지고 있었습니다. 그림에서 그는 스타일과 정확성의 엄격한 일관성으로 구별됩니다.

“스키피오의 관대함”, “아르카디아의 목자들”, “탄크레드와 에르미니아”.

스키피오의 관대함.

제2차 포에니 전쟁 당시 스페인의 거점인 뉴 카르타고(현 카르타헤나)를 점령한 것을 바탕으로 한 그림으로, 스키피오가 수많은 보물, 스페인 부족의 인질, 대량의 식량 공급과 함께 이곳을 점령했습니다. 그런데 하루만에 캡쳐해버렸네요.

실제로 스키피오의 관대함은 인질을 구출하고 집으로 보내는 조직을 조직했으며 또한 로마 편으로 넘어간 많은 스페인 사람들의 우정과 호의를 얻은 스페인 부족의 고귀한 소녀들의 명예를 보존했다는 사실에 있습니다.

No. 21 교육 문화의 세계관 기반. 유럽과 미국의 계몽주의

새로운 이념의 형성은 새로운 사회 계층의 형성과 연결됩니다. 합리주의의 아이디어를 확신하고 교육을 받았습니다. 귀족이 아닙니다. 그들은 사람들의 빈곤과 굴욕, 상류층의 분해에 주목하고 대중 분위기에 영향을 미칠 수 있는 과학적 세계관을 사용하여 상황을 변화시키려는 목표를 스스로 설정했습니다. (그들은 말썽꾸러기이고 노예이다)

그들은 개인의 권리 인정을 옹호하며 이것이 바로 자연법 교리가 나타나는 방식입니다. 이는 18세기 홉스, 로크, 그로티우스의 가르침에 등장합니다. 홉스의 자연법에 대한 원래 생각은 인간의 본성이 사악하고 이기적이라는 것입니다. “인간은 인간에게 늑대이다”, 자연상태는 “만인에 대한 만인의 전쟁”이다. 이 전쟁에서 인간은 자연법, 즉 힘의 법칙에 따라 인도됩니다. 자연법은 인간의 합리적 도덕원리인 자연법에 반대된다. 자기 보존과 욕구 만족의 법칙. 만인에 대한 만인의 전쟁은 인류를 자멸로 위협하기 때문에 자연상태를 시민적 상태로 전환할 필요가 있다. 사회계약을 체결해야 합니다. 사람들은 자발적으로 자신의 권리와 자유 중 일부를 국가에 양도하고 법률을 준수하는 데 동의합니다. 그리하여 자연력의 법칙은 자연법과 민법의 조화로 대체됩니다. 따라서 국가는 필요한 조건문화. 로크는 사회생활의 진실은 국가에 있는 것이 아니라 인간 자신에게 있다고 믿었습니다. 사람들은 개인의 자연권을 보장하기 위해 사회에서 단결합니다. 로크에 따르면 이것이 바로 생명, 재산, 노동에 대한 권리이다. 노동과 재산은 사람들에게 자유와 평등을 제공합니다. 국가는 개인의 자유로운 사생활을 보호할 의무가 있다. 자연법론은 처음부터 법의 자연적 기원을 강조하면서 반교회적, 반봉건적 성향을 띠고 있었다. 이는 종교가 봉건국가와 사회적 불평등의 근원이라는 신권론에 반대한다. 깨달음이라는 용어는 Aviary에서 처음으로 사용되었습니다. 교육 발전의 우선 순위는 프랑스에 있습니다. 그리고 Herder는 Voltaire와 함께 깨달음이라는 모자를 생각해 냈습니다. 칸트는 계몽은 개인이 자신의 자유 의지에 따라 존재하는 소수 상태에서 벗어나는 길이라고 썼습니다. 자신의 자유 의지에 따른 미성년자는 이성의 결함이 아니라 다른 사람의 지도 없이 그것을 사용할 결단력과 용기가 부족한 데 그 원인이 있는 미성년자입니다. 칸트에 따르면 계몽의 모토는 자신의 마음을 사용할 용기를 갖는 것입니다.

계몽주의 사상은 합리주의 사상에 기초를 두고 있다. 문학과 예술이 인간 마음의 힘인 이성을 찬양하는 것은 우연이 아닙니다. 이것은 낙관적 인 세계관입니다. 인간 정신의 힘에 대한 믿음. 포비용 - “인간 정신의 경이로움”. 계몽주의 인간 개념의 중심에는 자연인이라는 사상이 있는데, 그 형성에는 자연상태의 인간인 다니엘 디포의 소설 『로빈슨 크루소』가 큰 역할을 했다. 이것은 야만에서 문명으로의 길을 건너온 인류의 삶에 대한 이야기이다. 로빈슨을 교육하는 것은 자연상태이다. J.-J.가 그에게서 지휘봉을 이어받았습니다. 루소. 과학과 예술에 대한 추론에 관한 논문에서 그는 자연인은 깨달음을 얻었지만 전제군주가 사람들의 저항을 깨뜨리는 데 필요한 과학과 예술을 통해서는 깨달음을 얻지 못했다고 보고했습니다. 문명은 오직 행복한 노예만을 만들어낼 수 있었는데, 루소는 그들을 미국의 야만인과 대조합니다. 사냥에만 의존하면 무적이다. 필요가 없는 사람에게는 멍에를 메울 수 없습니다. 루소는 또한 사람들 사이의 불평등의 기원과 기초, 그리고 사회 계약에 관한 논문에서 자연인의 개념을 발전시켰습니다. 불평등의 기원은 역사적으로 설명됩니다. 볼테르와 몽테스키외는 성직자의 신성한 힘에 대한 생각을 날카롭게 비판했습니다. 오랫동안 과두제들이 사람들을 속이고 그들의 권력을 강화하기 위해 그의 이름을 사용했기 때문에 하나님은 자신을 불신하게 만드셨습니다. 그런 다음 계몽자들은 사회적 유토피아 개발에 노력했습니다.

먼저 사회의 재건이 이루어지고, 그 다음에는 보편사회론이 세워진다. 모든 사람은 물질적 복지의 사회적 현실에서 볼 수 있는 인간의 자연 상태를 결정하려고 노력했습니다. 루소는 물질적 안녕과 부의 상태에서 인간의 능력이 발달하고, 생각이 확장되고, 감정이 고상해지고, 영혼이 고양된다고 믿었습니다.

클로드 헬베티우스(Claude Helvetius)는 미덕의 개념을 공식화했는데, 미덕은 기독교 도덕에서와 마찬가지로 자기 부정이 아니라 유용성으로 측정됩니다. 즉, 사람은 삶을 즐겨야 하며 그리스도인의 극기적 특성으로 하나님을 섬겨서는 안 됩니다. 이 아이디어는 미덕이 사회의 공익을 고려하여 개인적인 이익에 기반을 두어야 한다고 믿었던 영국 교육자 Bentham에 의해 뒷받침되었습니다. 이렇게 시작됩니다 새로운 무대전체적으로 진화를 거친 깨달음의 발전에서 : 깨달음의 개념을 확립하려는 산발적 시도에서 깨달음 세력의 통일에 이르기까지; Walter의 이신론에서 Denis Diderot의 무신론까지. 계몽군주제 사상부터 영국 체제에 대한 열정, 프랑스 사회 체제의 혁명적 변화 전개, 공화국 사상 확립, 평등 원칙까지. 가장 중요한 슬로건은 “자유, 평등, 박애”입니다. 일반적으로 교육자들은 낙관적이기 때문에 세상에 대한 조화로운 그림을 만듭니다. 보편성, 세계문화라는 사상이 형성되고 있다. 가장 유명한 사람은 요한 헤르더(Johann Herder)였습니다. 그는 다양한 민족과 시대의 문화가 평등하다는 것을 확인합니다. 동시에 유럽중심주의의 발전을 위한 기반이 나타난다. 오랫동안 유럽인들은 외국 문화를 몰랐고 미국과 호주 민족을 정복했을 때 정복자 역할을했습니다. 그들은 적의 문화를 무시했습니다. 그러나 보편성이라는 개념이 발전하면서 문화를 동등하게 비교하면서 자신의 문화가 다른 사람의 문화보다 더 중요하고 우월하다는 것이 밝혀졌습니다. 프랑스 혁명에 의한 루소 사상의 발전은 인간에 대한 새로운 태도를 입증했기 때문에 사회적 측면에서 노예 제도의 사상과 모순되는 사상이 나타나기 시작했습니다.

토마스 펜의 『인간의 권리』는 1791년에 출판되었습니다.

Ounstonecraft의 "여성 권리 옹호", 1792년. 덴마크는 노예제도를 최초로 금지한 국가이다. 그러다가 1794년 프랑스에서 이를 금지했습니다. 1807년 대영제국에서는 노예제도가 폐지되었습니다. 계몽주의 사상은 미국 문화의 발전을 결정했습니다. 필라델피아는 미국 교육의 중심지가 되었으며, 미국 최초의 도서관과 최초의 법률 저널이 이곳에서 창간되었습니다. 부르주아 도덕의 고전적 원리를 공식화한 벤저민 프랭클린의 교육 활동인 최초의 의과대학과 병원이 이 도시와 연관되어 있다. 현대의 영웅은 모든 것을 자신에게만 빚진 사람입니다. 그는 물질적 기쁨과 함께 냉철한 마음, 합리성, 실제 생활에 대한 집중이 특징입니다. 부르주아 문화와 부르주아 도덕에 대해 많은 격언이 "시간은 돈이다", "절약과 일은 부로 이어진다"고 말하는 것은 그에게 있습니다.

교육 문화는 Cottan Mather와 Jonathan Edwards의 아이디어를 기반으로 합니다.

계몽사상은 교육의 발전에 기여하였다. 계몽주의자들은 현대 과학, 현대 지식의 정신에 따른 교육이 사람들의 삶을 개선할 수 있다고 믿습니다. 설명 사전또는 과학, 예술 및 공예 백과사전.

점차적으로 미국에서는 구세계보다 교육을 받기에 더 유리한 상황이 발전하고 있습니다. 이것은 공화국 건국의 아버지들의 모습을 설명합니다.

독립선언문의 저자 토머스 제퍼슨. 그는 로크의 가르침을 미국에서 해석하는 사람이 되었습니다. 그는 국가의 목적이 인권, 즉 생명권, 재산권, 자유, 행복권을 보호하는 것이라고 보았습니다. 국민이 국가를 전복시킬 수 있다. 가장 중요한 것은 전력을 올바르게 분배하는 것입니다. 자유는 책임과 얽혀 있습니다.

깨달음의 이상에 대한 실망은 깨달음의 사상에 대한 풍자 인 Jonathan Swift의 소설 걸리버 여행기에서 표현되었습니다. Swift는 과학적 진보를 의심했습니다.

계몽주의 시대는 약 100년 동안 지속되었으며, 그 후 프랑스 혁명의 결과에 대한 반응이 나타났습니다. 유럽 ​​인류의 사고 부분은 르네상스 문화에 의해 형성된 인간의 이상이 현실과 일치하지 않는다고 느꼈습니다.

22,23 문화 패러다임으로서의 낭만주의, 유럽의 낭만주의

18 세기에 낭만주의 이전이 형성되었으며, 그 형성에서 특별한 역할은 주로 유명한 고백과 함께 J.-J. Rousseau가 담당했습니다. 이성의 시대는 감정의 우선 순위, 각 사람의 독창성에 대해 이야기했습니다. 독일에서는 낭만주의가 문학 및 사회 운동인 "Storm and Drang"의 사상에 힘입어 촉발되었습니다. 초기 괴테, 쉴러의 작품. 중요한 출처에는 창조적 자유를 절대화하는 피히테의 철학이 포함됩니다. 그리고 Arthur Schopenhauer는 자신의 의지에 따라 세상을 창조하는 맹목적이고 불합리한 의지에 대한 아이디어를 가지고 있습니다. 현실은 불리하고 때로는 끔찍해 보였고 이는 이성적으로 바로 잡을 수 없었습니다. 낭만주의자들의 세계관은 비합리적이다. 다른 세상 세력의 존재에 대한 생각은 환상의 산물이지 깨달음의 마음에 의해 통제되지 않습니다. 이러한 경향은 스페인 예술가 프란시스코 고야(Francisco Goya)의 작품에서 나타났습니다. 그것은 새로운 주제를 반영하고, 인간의 이성적 원리에 대한 숭배와 원래 인간성에 대한 믿음에 의문을 제기합니다. 인간 문제는 이전 주장에 깊은 의문을 제기했습니다. 고야는 삶을 옳고 그름, 높고 낮음으로 나누기를 거부합니다. 경험 새로운 시대, 혁명과 전쟁에 흔들린 그는 어둠의 원칙과 빛의 원칙이 양립할 수 없다는 생각을 반박했습니다. 삶은 더욱 복잡해졌고 사람, 역사, 사람, 꿈, 환상과 함께 존재하는 모든 것이 지속적인 변화와 형성 과정에 참여하고 있습니다. 한편으로 고야는 용기, 인내, 영혼의 위대함을 보여주는 반면, 범죄와 비인간성을 보여주는 방법을 알고 있습니다. 낭만주의는 프랑스 혁명과 이성의 숭배에 대한 반응으로 발생합니다. 그리고 그 발전의 이유도 민족해방운동 때문이다. 처음에 낭만주의라는 용어는 독일-로마 민족의 문학에서 사용되었으며 나중에는 음악과 시각 예술을 포괄했습니다. 이중 세계, 즉 실제 세계와 묘사된 세계의 비교와 대조라는 개념은 낭만주의 예술의 기본이 되었습니다. 현실의 삶이나 삶의 산문은 영성과 공리주의가 결여되어 현실 세계에 반대되는 인간에게 합당하지 않은 환상으로 간주됩니다. 적어도 꿈에서 실현된 현실로서 아름다운 이상의 발전을 긍정하는 것이 낭만주의의 주요 특징이다. 현대 현실은 모든 악의 저장소로 거부되므로 낭만주의는 그것에서 도망칩니다. 탈출은 다음 방향으로 수행됩니다.

1. 자연 속으로 들어가면 자연은 정서적 경험의 소리굽쇠, 진정한 자유의 구체화, 시골에 대한 관심, 도시에 대한 비판입니다. 민속, 고대 신화, 이야기, 서사시에 대한 관심.
2. 낭만주의자들이 생각하는 이국적인 나라, 훼손되지 않은 부르주아 문명으로의 탈출.
3. 실제 비행 영토 주소가 없으면 상상 속에서 발명되고 구성됩니다.
4. 다른 시간으로 탈출하세요. 무엇보다 낭만주의는 중세로의 탈피를 추구한다. 거기에는 아름다운 기사적 이상이 있습니다.

낭만주의자들이 외부 세계의 무자비함과 반대되는 것을 보는 것은 마음의 삶에서입니다. 그림에서는 낭만적인 초상화, 자화상이 발전합니다. 초상화의 영웅들은 특별합니다 창의적인 성격. 남다른 내면세계를 지닌 시인, 작가. 내면 세계의 이미지가 지배적이 됩니다. 자유로운 성격의 첫 번째 이미지 중 하나는 작가이자 시인인 Byron의 "Chaid Harold의 여정과 순례"에 의해 구현되었습니다. 자유로운 성격의 이미지를 바이런적 영웅이라고 불렀습니다. 그는 외로움과 자기 중심성과 같은 특성이 특징입니다. 사회에서 벗어난 이 영웅은 불행합니다. 그에게는 위로와 평화보다 독립이 더 소중합니다. 외로움이라는 주제는 Caspar David Friedrich의 작품에 반영되어 있습니다. 인간의 모습자연을 배경으로. 헥터 베를리오즈(Hector Berlioz)가 프랑스어의 창시자가 됩니다. 그런 점에서 그것은 환상적인 교향곡이 된다. 짝사랑으로 고통받는 외롭고 알아볼 수없는 도망자 시인 서정적 영웅의 내면 세계를 반영한 ​​것은 환상적입니다. 낭만적인 세계관은 두 가지 버전으로 표현되었습니다. 1) 세상은 끝이 없고 얼굴 없는 우주적 주관성처럼 보였고, 정신의 창조적 에너지는 세계 조화 창조의 시작이었습니다. 이것은 세계에 대한 범신론적 이미지, 낙천주의, 숭고한 감정이 특징입니다. 2) 외부세계와 충돌하는 인간의 주관성을 고려한다. 이러한 태도는 비관주의가 특징입니다.

공통된 특징이 있다면 국가적 형태의 낭만주의는 독창적입니다. 그래서 독일의 낭만주의는 진지하고 신비롭습니다. 독일에서는 낭만주의 이론과 미학이 구체화되었습니다 (Fichte, Schopenhauer). 동시에 자기 심화를 목표로 음악과 문학의 걸작이 이곳에서 탄생합니다. 프랑스 낭만주의는 성급하고 자유를 사랑합니다. 우선 풍속화에서 나타났다. 역사화와 일상화, 초상화 장르, 소설주의에서. 감상적이고 감각적인 영국 소설주의는 세계, 아이러니, 그로테스크를 묘사하는 환상적, 우화적, 상징적 형태를 사용했습니다.

프랑스 낭만주의의 창시자는 테오도르 제리코(Theodore Géricault)입니다. 그는 고전주의의 영향을 극복하고, 그의 작품은 자연의 다양성을 반영한다. 인간의 삶을 구성에 도입하는 Gericault는 개인의 내면 경험과 감정을 가장 생생하게 공개하기 위해 노력합니다. 일반화에 대한 고전주의적 갈망과 영웅적 이미지를 유지하면서 제리코는 프랑스 회화에서 처음으로 세계의 갈등에 대한 예리한 감각을 구현했습니다. 그는 현대성의 극적인 현상과 강한 열정을 구현합니다. Geriot의 초기 작품은 나폴레옹 전쟁의 영웅적 행위를 반영했습니다. "황실 근위대 기마 순찰대 장교가 공격에 나섰습니다." "부상을 입은 흉갑기병이 전장을 떠나고 있습니다." 역동적인 구성과 색상. Gericault의 주요 작품 중 하나는 "The Raft of Medusa"입니다. 잃어버린 호위함 "메두사"에 관한 화제의 이야기를 썼습니다. Gericault는 사적인 사건에 역사적, 상징적 의미를 부여합니다. 이 작품은 복잡한 감정을 드러낸다. 완전한 절망에서 완전한 무관심과 구원에 대한 열정적인 희망으로. 자유롭고 독립적인 사람, 감정이 깊은 사람으로서의 낭만적인 예술가에 대한 생각. Géricault는 그의 초상화 시리즈에서 이것을 표현했습니다. (20세 들라크루아의 초상)과 자화상. 정신질환을 앓는 사람들의 초상화 시리즈는 의미심장하다. Géricault의 전통은 Eugene Delacroix에 의해 계승되었습니다. "Dante and Virgil"또는 "Dante 's Boat") 모든 폭력에 대한 동일한 열정과 항의가 그의 후기 작품에 표시되었습니다. "요사 대학살"또는 "메살롱가 폐허의 그리스") 터키 침공으로부터 그리스인을 방어하는 사건을 반영합니다. "바리케이드 위의 자유"는 현대 사건을 주제로 작성되었습니다. 그 낭만적이고 혁명적인 상징주의는 발전하는 지식을 손에 쥐고 있는 자유의 우화적인 모습으로 표현됩니다. 많은 작품이 북아프리카 여행에서 영감을 받았습니다. “방에 있는 알제리 여성들”, “모로코의 유대인 결혼식”, “모로코의 사자 사냥”. 들라크루아는 경주와 말을 좋아했습니다. 들라크루아는 작곡가(쇼팽, 파가니니)의 초상화를 그립니다. 독일 회화에서 낭만주의 표현은 K.D. 프리드리히(Friedrich)의 작품이었습니다. 이미 그의 초기 작품에서 그의 예술의 완전한 신비로운 분위기가 결정되었습니다. 이들은 "눈 속의 훈족 무덤", "산의 십자가", "바다의 수도사"와 같은 그림입니다. 그는 관객을 풍경을 무심히 관조하는 인물로 묘사한다. 이 명상가에게는 신비롭고 고요한 본성이 드러납니다. 초자연적 존재의 다양한 상징. (바다 지평선, 산봉우리, 배, 먼 도시, 여행용 십자가, 십자가, 묘지) 프리드리히에게 자연은 깊은 종교적 경험을 전달하는 존재입니다. 풍경은 깊은 감정적 경험을 표현하는 수단으로 사용되었습니다. 프로그래밍 작업에는 네 가지 삶의 시대가 있습니다. 황량한 북극 해안과 해안에 접근하는 네 척의 배에 다양한 연령대의 사람들의 모습이 그려져 있습니다. 이것이 작가가 시간의 흐름, 시간의 흐름, 인간의 운명적인 죽음을 묘사한 방법입니다. 노을을 배경으로 한 장면 자체가 예리한 우울한 향수를 불러일으킨다. 또 다른 작품의 제목은 '희망의 붕괴'다. 라파엘 전파는 영국 예술가들의 형제단입니다. (로제티, 밀스, 헌트). 1840년대의 경제 위기와 혁명은 영국에 영향을 미치지 않았습니다. 이것은 영국 자본주의의 전성기입니다. 영국의 미학적 명령. Pre-Raphaelites라는 이름은 사회 구성원이 Pre-Cinquecento의 예술을 숭배했다는 사실 때문에 나타났습니다. 그들은 주로 Quattrocento와 Trecento에 의존합니다. 라파엘 전파 회화는 부르주아 세계의 실용주의에 대한 반작용이 되었고, 아름다움의 관점에서 자본주의에 대한 비판이 되었습니다. 이는 영적, 육체적, 사회적 조화를 바탕으로 더 나은 현실을 창조하려는 시도입니다. 이상적인 아름다움의 신성한 의미, 존재의 보편적 의미, 높은 영성은 인간을 둘러싼 자연과 일상생활에서 드러난다. 중세 시대에 대한 관심은 종교적 쇄신에 대한 열망에서 비롯되었습니다. “신부” – 로제티, 여성스러운 이미지가 나타난다. 헌트의 그림에는 상징주의가 스며들어 있다. “고용된 목자” 죽음의 머리는 보복의 상징이고, 사과는 유혹의 상징입니다. "Woke Shame" 헌트. “세상의 등불”은 걸어가는 그리스도를 묘사합니다. "희생양"은 사막에서 그리스도를 비유한 것입니다. 밀스는 "부모 집에 있는 그리스도"라는 그림을 "목수의 작업장"이라고도 불렀습니다. 미국의 낭만주의는 유럽 문화의 영향을 받아 탄생했습니다. 최고의 발전을 향한 길로 제시되고 미국을 세계 진보의 선두에 두었던 미국 혁명을 낭만화하는 경향이 있었습니다. 따라서 미국 경로의 독점성이 주장되었습니다. 전기 장르가 발전하고 있습니다. 워싱턴은 최초의 영웅이 되었습니다. 미국 전기의 아버지는 Gerard Sparks입니다. 그는 워싱턴에서 12권, 프랭클린에서 10권을 만들었습니다. 북부 지역의 급속한 산업화는 전통을 파괴하고 있었습니다.

제24호 산업사회의 가치체계와 문화

민주주의 원칙 사회 구조, 실험과학의 발전과 산업화. 이것은 17세기에 만들어졌습니다. 산업혁명의 결과는 산업사회의 출현이었다. 그 이상은 노동, 생산, 과학, 교육, 민주주의입니다. 생시몽은 산업가와 과학자들이 이끄는 거대한 공장처럼 조직된 사회를 꿈꾼다. 이때 공장은 제조소를 변경하여 사회적 노동 생산성이 유례없이 증가했습니다. 기술 혁신의 도입은 기업의 통합과 대량의 표준화된 제품 생산으로의 전환을 동반했습니다. 대량생산은 도시화를 가져왔다. (도시 성장) 미국은 자본주의의 가속화된 발전 전망을 보여주었습니다. 그 과정은 모든 것을 포괄하고 더욱 동질화되었으며, 역사는 세계사로 전환되었습니다. 통일성, 국가 문화의 다양성 및 예술 학교로서의 문화 형성. 일본 등 전통적인 국가도 이 과정에 포함된다. 문화적 대화의 문제는 특별한 풍미를 얻습니다. 새로운 가치체계가 등장하고 있다. 감성은 이익, 번영, 편안함을 기반으로합니다. 진보는 경제적 진보와 동일시됩니다. 동시에 이익의 원칙은 진리의 개념을 변화시킵니다. 본질은 편리하고 유용한 것입니다. 에티켓은 실용적인 성격을 띠고 있습니다. 구매 및 판매 수단을 통한 자유 파트너 간의 관계 규제. 판매자는 정중하고 정중해야 하지만 구매자는 그렇지 않습니다. 유용한 사람들에게만 관심이 집중됩니다. 관계가 공식화되었습니다.

저자: N. T. Pakhsaryan(일반 작품, 문학), T. G. Yurchenko(문학: 러시아 고전주의), A. I. Kaplun(건축 및 미술), Yu. K. Zolotov(건축 및 미술: 유럽 미술), E. I. Gorfunkel(극장) ), P. V. Lutsker (음악)저자: N. T. Pakhsaryan(일반 작품, 문학), T. G. Yurchenko(문학: 러시아 고전주의), A. I. Kaplun(건축 및 미술); >>

CLASSICISM(라틴어 classicus에서 유래 - 모범적), 스타일 및 아티스트. 문학, 건축, 예술 방향 17 – 시작. 19세기 K.는 시대와 지속적으로 연관되어 있다. 르네상스; 바로크 양식과 함께 17세기 문화에서 중요한 위치를 차지했습니다. 계몽시대에도 발전을 이어갔다. 미적분학의 기원과 확산은 절대 군주제 강화, R. 데카르트 철학의 영향, 정밀 과학의 발전과 관련이 있습니다. 합리주의를 기반으로 합니다. K.의 미학 - 예술의 균형, 명확성 및 논리에 대한 열망. 표현(주로 르네상스 미학에서 따옴); 역사적 대상이 아닌 보편적이고 영원한 존재에 대한 확신. 예술의 규칙을 바꾸다 창의성은 기술, 숙달로 해석되며 자발적인 영감이나 자기 표현의 표현이 아닙니다.

아리스토텔레스로 거슬러 올라가는 자연의 모방으로서 창의성이라는 개념을 받아들인 고전주의자들은 자연을 고대 거장과 작가들의 작품에 이미 구현된 이상적인 규범으로 이해했습니다. 불변의 예술 법칙에 따라 변형되고 질서가 잡혀 고대 모델의 모방과 심지어 그들과의 경쟁까지 제안되었습니다. "아름답다", "편리하다"등의 영원한 범주를 기반으로 한 합리적인 활동으로 예술의 아이디어를 개발하는 K.는 다른 예술가보다 더 많습니다. 방향은 아름다움의 일반화 과학으로서 미학의 출현에 기여했습니다.

센터. K.의 개념(진실성)은 경험적 데이터의 정확한 재현을 의미하지 않았습니다. 현실: 세상은 있는 그대로가 아니라 그래야 하는 대로 재창조됩니다. 특별하고 무작위적이며 구체적인 모든 것에 '기인'된 보편적 규범을 선호하는 것은 K.가 표현한 절대주의 국가의 이데올로기에 해당하며, 여기서 개인적이고 사적인 모든 것이 논쟁의 여지가 없는 국가 의지에 종속됩니다. 당국. 고전주의자는 특정한 개인의 성격이 아닌, 보편적이고 비역사적인 상황 속의 추상적인 인물을 묘사했다. 도덕적 갈등; 따라서 고전주의자들은 세계와 인간에 대한 보편적 지식의 구체화로서 고대 신화를 지향합니다. 윤리적 K. 의 이상은 한편으로는 개인의 일반에 대한 종속, 의무에 대한 열정, 이성, 존재의 변덕에 대한 저항을 전제로합니다. 반면에 감정 표현의 억제, 절제 준수, 적절성 및 기쁘게하는 능력.

K. 장르 스타일 계층의 규칙에 따라 창의성을 엄격하게 종속시켰습니다. "높은"(예: 서사시, 비극, 송가 - 문학, 역사, 종교, 신화 장르, 초상화 - 회화) 장르와 "낮은"(풍자, 코미디, 우화, 회화의 정물) 장르가 구분되었습니다. , 특정 스타일, 테마 및 영웅 범위에 해당합니다. 비극과 희극, 숭고함과 기본, 영웅적인 것과 평범한 것 사이의 명확한 구분이 규정되었습니다.

Ser에서. 18 세기 K.는 점차 새로운 트렌드로 대체되었습니다. 감상주의 , 낭만주의 이전, 낭만주의. 결국 K. 의 전통. 19 – 시작 20세기 에서 부활했다 신고전주의 .

고전(모범적인 작가) 개념으로 거슬러 올라가는 '고전주의'라는 용어는 1818년 이탈리아인에 의해 처음 사용됐다. 비평가 G. 비스콘티. 고전주의와 낭만주의 논쟁에서 널리 사용되었으며, 낭만주의(J. de Staël, V. Hugo 등) 사이에서는 부정적인 의미를 내포하고 있었습니다. 고전주의와 고대를 모방한 고전은 혁신적인 낭만주의에 반대했습니다. 리터. 문학과 예술비평에서 'K'라는 개념은 다음과 같다. 과학자들의 연구 이후 활발히 사용되기 시작했습니다. 문화 역사 학교그리고 G. Wölflin.

문체 17세기와 18세기와 유사한 경향은 다른 시대의 일부 과학자들에게도 나타납니다. 이 경우 개념은 "K"입니다. 확장된 형태로 해석됩니다. 의미는 문체를 나타냅니다. 다양한 프로그램에서 주기적으로 업데이트되는 상수 예술과 문학의 역사 단계(예: "고대 K.", "르네상스 K.")

문학

조명의 유래. K. - 규범적 시학(Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro 등) 및 이탈리아어. 장르 체계가 탄생한 16세기 문학은 언어 스타일 체계와 연관되어 있으며 고대 사례에 초점을 맞췄습니다. K. 의 가장 높은 개화는 프랑스와 관련이 있습니다. 리트로이 17세기 K. Poetics의 창시자는 문학의 규제를 수행한 F. Malherbe였습니다. 실시간 음성을 기반으로 한 언어; 그가 수행한 개혁은 프란츠에 의해 통합되었습니다. 학원. 가장 완전한 형태의 Lit. K.는 예술가를 요약한 N. Boileau(1674)의 논문 "Poetic Art"에 명시되어 있습니다. 동시대 사람들의 관행.

고전작가들은 문학을 '즐기면서 교육'하는 방법으로 자연과 이성의 요구를 말로 구현하고 독자에게 전달하는 중요한 사명으로 여긴다. K. 의 문학은 중요한 생각, 의미(“... 의미는 항상 내 창조물에 존재합니다”-F. von Logau)를 명확하게 표현하기 위해 노력하지만 그녀는 문체를 거부합니다. 정교함, 수사학 장식물 고전주의자들은 장황한 말보다 간결함과 은유를 선호했습니다. 복잡성 - 단순성과 명확성, 사치스러운 - 괜찮습니다. 그러나 확립된 규범을 따른다고 해서 고전주의자들이 현학적인 행위를 장려하고 예술가의 역할을 무시했다는 의미는 아닙니다. 직관. 창의성을 제한하는 방법으로 규칙이 고전 주의자들에게 제시되었지만. 이성의 경계 내에서의 자유, 그들은 직관적인 통찰력의 중요성을 이해하고, 재능이 적절하고 예술적으로 효과적이라면 규칙에서 벗어나는 것을 용서했습니다.

K의 등장인물은 하나의 지배적인 특성을 식별하는 데 기반을 두고 있으며, 이는 그들을 보편적인 인간 유형으로 변화시키는 데 도움이 됩니다. 가장 좋아하는 충돌은 의무와 감정의 충돌, 이성과 열정의 투쟁입니다. 고전주의자들의 작품의 중심에는 영웅적인 것이 있다. 성격이면서 동시에 자신의 성격을 극복하기 위해 금욕적으로 노력하는 잘 자란 사람. 열정과 감정을 억제하거나 적어도 실현하기 위해 (J. Racine의 비극의 영웅처럼). 데카르트의 “나는 생각한다, 고로 존재한다”는 K 캐릭터의 세계관에서 철학적, 지적 역할을 할 뿐만 아니라 윤리적 역할도 한다. 원칙.

조명을 기준으로 합니다. K. 이론 - 계층 적. 장르 시스템; 분석적 다양한 작품, 심지어 예술적인 작품에 따라 번식합니다. 세계, "높음" 및 "낮음" 영웅 및 테마는 "낮음" 장르를 고상하게 만들려는 욕구와 결합됩니다. 예를 들어, 조악한 풍자극, 희극, 우스꽝스러운 특징(Molière의 "고급 코미디")에 대한 풍자를 제거합니다.

Ch. 세 가지 통일의 법칙에 기초한 드라마는 K의 문학에서 한 자리를 차지했다(참조. 세 가지 통일 이론). 주요 장르는 비극이었으며 가장 높은 성과는 P. Corneille과 J. Racine의 작품이었습니다. 첫 번째 비극은 영웅적 성격을 띠고 두 번째 비극은 서정적 성격을 띠게 됩니다. 성격. 박사. "고급" 장르는 문학에서 훨씬 작은 역할을 합니다. 과정 (서사시 장르에서 J. Chaplin의 실패한 실험은 이후 Voltaire에 의해 패러디되었으며 F. Malherbe와 N. Boileau는 엄숙한 송시를 썼습니다). 동시에 뜻도 있습니다. "낮은" 장르가 발전하고 있습니다. 풍자시풍자(M. Renier, Boileau), 우화(J. de Lafontaine), 코미디. 작은 교훈적인 장르가 육성되고 있습니다. 산문 - 격언(격언), "문자"(B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de Labruyère); 웅변적인 산문(J.B. Bossuet). K. 의 이론은 진지한 비판을 받을 만한 장르 시스템에 소설을 포함시키지 않았지만. 이해력, 심리적 M. M. Lafayette의 걸작 "The Princess of Cleves"(1678)는 고전주의의 예로 간주됩니다. 소설.

사기에서. 17 세기 문학이 쇠퇴했습니다. K. 그러나 고고학적입니다. 18세기 고대에 대한 관심, 헤르쿨라네움 발굴, 폼페이, I.I. 빙켈만이상적인 그리스인의 이미지 "고상한 단순함과 차분한 위대함"으로서의 고대는 계몽주의 시대에 새로운 부상을 가져왔습니다. Ch. 새로운 문화의 대표자는 볼테르였으며, 그의 작업에서 합리주의와 이성의 숭배는 절대주의 국가의 규범이 아니라 교회와 국가의 주장으로부터 자유로울 개인의 권리를 입증하는 데 기여했습니다. 깨달음 K., 다른 조명과 적극적으로 상호 작용합니다. 시대의 방향은 '규칙'이 아닌 대중의 '계몽적 취향'에 기초합니다. 고대로의 전환은 프란츠의 영웅주의를 표현하는 방법이 됩니다. 18세기 혁명 A. Chenier의시에서.

17세기 프랑스에서. K는 강력하고 일관된 아티스트로 성장했습니다. 시스템은 바로크 문학에 눈에 띄는 영향을 미쳤습니다. 독일에서 시는 다른 유럽 문학에 걸맞은 '올바른', '완벽한' 시를 창조하려는 의식적인 문화적 노력으로 탄생했습니다. 반대로 학교 (M. Opitz)는 바로크 양식에 익사했으며 그 스타일은 비극에 더 일치했습니다. 30년 전쟁 시대; 1730~40년대 I. K. Gottsched의 뒤늦은 시도. 보내 고전주의의 길을 따라 문학 루. 대포는 격렬한 논쟁을 불러일으켰고 일반적으로 거부되었습니다. 자급자족합니다. 미적인 현상은 바이마르 고전주의 J. W. 괴테와 F. 쉴러. 영국에서는 초기 K.가 J. Dryden의 작업과 관련이 있습니다. 그 발전은 계몽주의에 맞춰 진행되었습니다(A. Pope, S. Johnson). K콘. 17 세기 이탈리아의 K.는 Rococo와 병행하여 존재했으며 때로는 그것과 얽혀있었습니다 (예를 들어 Arcadia 시인의 작품-A. Zeno, P. Metastasio, P. Y. Martello, S. Maffei). 교육용 K.는 V. Alfieri의 작업으로 대표됩니다.

러시아에서는 1730년대~1750년대에 문화가 확립되었습니다. 서유럽인들의 영향을 받아 K. 와 계몽주의 사상; 동시에 바로크와의 연관성을 분명히 보여줍니다. 구별해 드립니다. 러시아어의 특징 K. – 뚜렷한 교훈, 비난, 사회적 비판. 오리엔테이션, 국가 애국심. 파토스, 사람에 대한 의존. 창의성. 러시아어 K. 의 첫 번째 원칙 중 하나입니다. 토양은 A.D. Cantemir에 의해 옮겨졌습니다. 풍자에서 그는 N. Boileau를 따랐지만 인간의 악에 대한 일반화 된 이미지를 만들어 조국에 적용했습니다. 현실. Kantemir는 러시아어로 소개되었습니다. 새로운 시의 문학. 장르: 시편, 우화, 영웅의 필사본. 시(“Petrida”, 미완성). 첫 번째 고전적인 예입니다. V.K.에 의해 칭찬할만한 찬사가 만들어졌습니다. 트레디아코프스키(“그단스크시의 항복에 관한 엄숙한 찬가”, 1734), 이론가가 동행했습니다. "일반적인 송가에 대한 담론"(둘 다 Boileau를 따름). M. V. Lomonosov의 송시는 바로크 시학의 영향으로 표시됩니다. 가장 완전하고 일관된 러시아어. K.는 A.P. Sumarokov의 작업으로 대표됩니다. 기본적인 내용을 정리한 후 고전의 조항 Boileau의 논문 "Epistole on Poetry"(1747)를 모방하여 작성된 교리, Sumarokov는 그의 작품에서 이를 따르려고 노력했습니다. 비극은 프랑스 작업에 초점을 맞췄습니다. 17세기 고전주의자. 그리고 Voltaire의 극작가가 그것들로 전환되었습니다. 국가행사에 역사; 부분적으로-코미디에서 Moliere의 작업 모델이되었습니다. 풍자와 우화를 통해 그에게 '북부 라 퐁텐'이라는 명성을 안겨주었습니다. 그는 또한 Boileau가 언급하지 않았지만 Sumarokov 자신이 시적 노래 목록에 포함시킨 노래 장르를 개발했습니다. 장르. 끝까지 18 세기 1757년 수집된 작품의 서문인 "러시아어로 된 교회 서적의 사용에 관하여"에서 로모노소프가 제안한 장르 분류는 그 중요성을 유지했습니다. 세 가지 스타일 이론특정 장르에서는 영웅적인 것과 높은 "평온함"을 연관시킵니다. 시, 송시, 엄숙한 연설; 평균-비극, 풍자, 비가, eclogue; 낮은 – 코미디, 노래, 에피그램. Irocomic시의 샘플은 V. I. Maikov ( "Elisha 또는 the Irritated Bacchus", 1771)에 의해 만들어졌습니다. 첫 번째로 완성된 영웅. M. M. Kheraskov(1779)의 "Rossiyada"는 서사시가 되었습니다. 사기에서. 18 세기 고전주의의 원리 극작법은 N. P. Nikolev, Ya. B. Knyazhnin, V. V. Kapnist의 작품에서 나타났습니다. 18~19세기 초. K. 는 점차 새로운 문학 트렌드로 대체되고 있습니다. 그러나 낭만주의 이전 및 감상주의와 관련된 발전은 한동안 그 영향력을 유지합니다. 그 전통은 1800년대~20년대로 거슬러 올라갑니다. Radishchev 시인 (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev)의 작품에서 in lit. 문학적 미학의 비평 (A.F. Merzlyakov). 프로그램과 장르 스타일. A. S. Pushkin의 초기 작품에서 Decembrist 시인의 실천.

건축과 미술

K. 유럽의 동향. 이미 하반기부터 소송이 나오기 시작했다. 16 세기 이탈리아 - 건축에서. A. Palladio의 이론과 실제, 이론. G. da Vignola, S. Serlio의 논문; 더 일관되게 - J. P. Bellori(17세기)의 글과 미학적 글에서. 학업 기준 볼로냐 학교. 그러나 17세기. K. 는 급성 논쟁으로 발전했습니다. 바로크 양식과의 상호 작용은 프랑스어로만 가능합니다. 아티스트 문화는 일관된 스타일 시스템으로 발전했습니다. 예비. 프랑스에서는 K. 18도 형성되었습니다. 범유럽 양식이 된 19세기(외국 미술사에서는 후자를 흔히 신고전주의라고 부른다). K. 미학의 근간을 이루는 합리주의 원칙이 예술관을 결정했습니다. 감각적 삶의 혼돈과 유동성을 이기고 이성과 논리의 산물인 작품. 합리적인 원칙과 지속적인 사례에 대한 초점은 K.의 미학과 예술 규제의 규범적 요구 사항도 결정했습니다. 규칙에 따라 장르의 엄격한 계층 구조가 묘사됩니다. 예술('하이' 장르에는 신화 및 역사적 주제에 대한 작품뿐만 아니라 '이상적인 풍경' 및 의식 초상화가 포함됩니다. '로우' 장르에는 정물, 일상 장르 등이 포함됩니다). 이론의 통합 K.의 교리는 파리에 설립된 왕립 아카데미(회화와 조각(1648) 및 건축(1671))의 활동을 통해 촉진되었습니다.

건축K., 극적인 스타일의 바로크 양식과는 대조적입니다. 조화와 내부의 원리를 바탕으로 형태의 충돌, 볼륨과 공간 환경의 활발한 상호 작용. dep로서의 완전성. 건물과 앙상블. 이 스타일의 특징은 전체의 명확성과 통일성, 대칭과 균형, 가소성의 확실성에 대한 욕구입니다. 차분하고 엄숙한 리듬을 만들어내는 형태와 공간적 간격; 여러 정수 비율을 기반으로 하는 비례 시스템(모양 형성 패턴을 결정하는 단일 모듈). 고대 건축물의 유산에 대한 K.의 주인의 끊임없는 호소는 해당 부서의 사용뿐만 아니라 의미합니다. 동기와 요소뿐만 아니라 건축학의 일반 법칙에 대한 이해도 포함됩니다. 건축의 기초. 언어 K는 건축 순서, 이전 시대의 건축물보다 고대에 더 가까운 비율과 형태; 건물에서는 구조의 전체 구조를 모호하게 하지 않고 미묘하고 절제된 동반이 되는 방식으로 사용됩니다. K의 인테리어는 공간 분할의 명확성과 색상의 부드러움이 특징입니다. 기념비적이고 장식적인 그림에서 원근법 효과를 널리 사용하는 K. 마스터는 환상의 공간과 현실을 근본적으로 분리했습니다.

카자흐스탄 건축의 중요한 위치는 문제에 속합니다 도시 계획. “이상적인 도시”를 위한 프로젝트가 개발되고 있으며, 새로운 유형의 정규 절대주의 거주 도시가 만들어지고 있습니다(베르사유). K. 는 고대와 르네상스의 전통을 이어가기 위해 노력하며 인간에 대한 비례 원칙과 동시에 건축가가 제공하는 규모에 대한 결정의 기초를 마련합니다. 이미지에는 영웅적으로 고양된 사운드가 있습니다. 그리고 수사적이지만. 궁전 장식의 화려 함은 이러한 지배적 경향과 충돌하며 K.의 안정적인 형상 구조는 역사적 과정에서 아무리 다양한 변형이 있어도 스타일의 통일성을 유지합니다. 개발.

프랑스어로 K. 형성. 건축은 J. Lemercier 및 F. Mansart의 작품과 관련이 있습니다. 건물의 모양이 건물을 짓는 것입니다. 기술은 처음에는 16세기 성의 건축과 유사합니다. L. Levo의 작업에서 결정적인 전환점이 발생했습니다. 주로 Vaux-le-Vicomte의 궁전과 공원 앙상블을 만들고 궁전 자체의 엄숙한 포위, C. Le Brun의 인상적인 그림 및 가장 새로운 원칙의 특징적인 표현 - A. Le Nôtre의 정규 공원. 카자흐 건축의 프로그래밍 작업은 동양이었습니다. C. Perrault의 계획에 따라 (1660년대부터) 실현된 루브르 박물관의 외관(특징적으로 J. L. Bernini와 바로크 스타일의 다른 프로젝트는 거부되었습니다). 1660년대. L. Levo, A. Le Nôtre 및 C. Lebrun은 K.의 아이디어가 특히 완전하게 표현되는 베르사유 앙상블을 만들기 시작했습니다. 1678년부터 베르사유 건설은 J. Hardouin-Mansart가 주도했습니다. 그의 프로젝트에 따르면 궁전은 중앙에 크게 확장되었습니다 (날개 추가). 테라스는 내부의 가장 대표적인 부분인 거울 갤러리로 개조되었습니다. 그는 또한 그랑 트리아농 궁전(Grand Trianon Palace)과 기타 건물도 건설했습니다. 베르사유 앙상블은 보기 드문 문체적 특징이 특징입니다. 무결성: 분수의 물줄기도 기둥과 같은 고정된 모양으로 결합되었으며 나무와 덤불은 기하학적 모양으로 다듬어졌습니다. 수치. 앙상블의 상징주의는 "태양왕" 루이 14세의 영광에 종속되지만, 그 예술적이고 비유적인 기초는 자연 요소를 강력하게 변형시키는 이성의 신격화였습니다. 동시에 강조된 인테리어의 장식성은 베르사유와 관련하여 "바로크 고전주의"라는 스타일 용어의 사용을 정당화합니다.

하반기. 17 세기 유기적인 환경을 제공하는 새로운 계획 기법이 등장하고 있습니다. 산의 연결 자연 환경의 요소를 이용한 개발, 거리나 제방과 공간적으로 합쳐지는 개방형 공간의 생성, 산의 핵심 요소에 대한 앙상블 솔루션. 구조물 (Place Louis the Great, 현재 Vendôme 및 Place des Victories; 건축 앙상블 장애인 주택, 모두 - J. Hardouin-Mansart), 개선문 아치(N. F. Blondel이 디자인한 Saint-Denis 문, 모두 - 파리).

18세기 프랑스의 K. 전통. 거의 중단되지 않았지만 상반기에. 수세기 동안 로코코 스타일이 널리 퍼져 있었습니다. 모든 R. 18 세기 K. 의 원칙은 계몽주의 미학의 정신으로 변형되었습니다. 건축에서 "자연성"에 대한 호소는 내부 구성의 순서 요소에 대한 건설적인 정당성에 대한 요구 사항, 즉 편안한 주거용 건물을 위한 유연한 레이아웃을 개발할 필요성을 제시합니다. 집의 이상적인 환경은 조경(정원 및 공원) 환경이었습니다. 18세기에 큰 영향을 미쳤다. 그리스어에 대한 지식이 급속히 발전했습니다. 그리고 로마 유물(헤르쿨라네움, 폼페이 등의 발굴); I. I. Winkelman, J. V. Goethe 및 F. Milizia의 작품은 미적분학 이론에 기여했습니다. 프랑스어 K. 18세기 새로운 건축가가 확인되었습니다. 유형: 우아하고 친밀한 맨션(“호텔”), 공식적인 모임. 건물, 메인을 연결하는 열린 공간. 도시의 고속도로 (파리의 루이 15세 광장, 현재 콩코르드 광장, 건축가 J. A. 가브리엘, 그는 또한 베르사유 공원에 쁘띠 트리아농 궁전을 건설하여 형태의 조화로운 명확성과 디자인의 서정적 정교함을 결합했습니다). J. J. Souflo는 자신의 프로젝트를 구현했습니다. c. 클래식의 경험을 바탕으로 파리의 Sainte-Genevieve를 만나보세요. 건축학

프란츠 이전 시대. 18세기 혁명, 엄격한 단순성에 대한 열망과 새롭고 질서 없는 건축물의 기념비적인 기하학에 대한 대담한 탐구가 건축에 나타났습니다(C. N. Ledoux, E. L. Bullet, J. J. Lequeu). 이러한 검색(또한 G.B. Piranesi의 건축 에칭의 영향으로 표시됨)은 Cartoon - French의 후기 단계의 출발점이 되었습니다. 웅장한 대표성이 증가하는 엠파이어 스타일(19세기 1/3)(C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin).

17세 – 시작. 18세기 K.는 네덜란드 건축(J. van Kampen, P. Post)에서 형성되었으며, 이로 인해 특히 제한된 버전이 탄생했습니다. 프랑스인과의 교차 연결. 그리고 골. K.는 초기 바로크 양식과 마찬가지로 17세기 후반 스웨덴 건축에서 K.의 짧은 전성기에 영향을 미쳤습니다. 18세기 (N. Tessin the Younger). 18세 – 시작. 19세기 K.는 또한 이탈리아(G. Piermarini), 스페인(X. de Villanueva), 폴란드(J. Kamsetzer, H. P. Aigner) 및 미국(T. Jefferson, J. Hoban)에서도 설립되었습니다. 그를 위해. 아키텍처 K. 18 – 1층. 19세기 Palladian F. W. Erdmansdorff의 엄격한 형태, K. G. Langhans, D. 및 F. Gilly의 "영웅적인"헬레니즘, L. von Klenze의 역사주의가 특징입니다. K.F. 싱켈이미지의 가혹한 기념비성은 새로운 기능적 솔루션에 대한 검색과 결합됩니다.

K 씨. 19 세기 K의 주역은 사라진다. 그들이 그를 대신하고 있어 역사적인스타일(또한보십시오 네오그리스 스타일, 절충주의). 동시에 예술가는 K.의 전통은 20세기 신고전주의 시대에 생생하게 살아납니다.

미술K. 규범적인; 그 비유적인 구조는 사회적 유토피아의 분명한 징후를 가지고 있습니다. K. 의 도상학은 고대 전설, 영웅이 지배합니다. 행위, 역사적 음모, 즉 "권력의 해부학"에 대한 인간 공동체의 운명에 대한 관심입니다. 단순히 "자연을 묘사하는 것"에 만족하지 않고 K. 예술가는 특정 개인을 뛰어 넘어 보편적으로 중요한 의미를 갖기 위해 노력합니다. 고전주의자들은 예술에 대한 자신들의 생각을 옹호했습니다. Caravaggio의 자연주의와 일치하지 않는 진실 작은 네덜란드인. K의 예술에 담긴 합리적인 행동과 밝은 감정의 세계는 불완전한 일상을 넘어 존재의 조화에 대한 꿈의 구현으로 솟아 오른다. 고상한 이상을 향한 지향은 또한 "아름다운 자연"을 선택하게 만들었습니다. K는 무작위적이고, 일탈적이고, 기괴하고, 무례하고, 혐오스러운 것을 피합니다. 지각 고전적인 선명도 건축은 조각과 회화의 명확한 계획 묘사에 해당합니다. 성형 수술은 원칙적으로 고정을 위해 설계되었습니다. 관점에서는 형태의 부드러움으로 구별됩니다. 인물의 포즈에서 움직이는 순간은 일반적으로 가소성을 방해하지 않습니다. 고립감과 차분한 조각상. K. 메인 그림에서. 형태의 요소 - 선과 명암; 지역색은 대상과 경관 계획을 명확하게 식별하므로 그림의 공간 구성이 풍경의 구성에 더 가까워집니다. 사이트.

17세기의 창시자이자 가장 위대한 거장. 프랑스인이었어 얇은 N. Poussin의 그림은 철학과 윤리의 숭고함으로 표시됩니다. 내용, 조화, 리듬. 구조와 색상. 17세기 K. 회화의 높은 발전. 인류의 "황금 시대"에 대한 고전 주의자들의 꿈을 구현 한 "이상적인 풍경"(N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguay)을 받았습니다. 대부분의 의미입니다. 프랑스 거장 K. 조각품 17 – 시작. 18세기 P. Puget (영웅적 주제), F. Girardon (형태의 조화와 간결함 검색)이있었습니다. 하반기. 18 세기 프랑스 국민 조각가들은 다시 사회적으로 중요한 주제와 기념비적인 해결책으로 눈을 돌렸습니다(J.B. Pigalle, M. Clodion, E.M. Falconet, J.A. Houdon). 시민 파토스와 서정이 신화로 결합되었습니다. J. M. Vien의 그림, Y. Robert의 장식 풍경. 이른바 회화 프랑스의 혁명적 K.는 역사적인 J. L. David의 작품으로 대표됩니다. 그의 초상화 이미지는 용감한 드라마로 표시됩니다. 프랑스어 후기. K. 그림, 부서의 모습에도 불구하고. 메이저 마스터(J.O.D. Ingres), 공식적인 사과문으로 전락. 또는 살롱 아트 .

국제 센터 K. 18 – 시작. 19세기 학자들이 예술을 지배했던 로마가 되었습니다. 학문주의에서는 드물지 않은 형태의 고귀함과 차갑고 추상적인 이상화가 결합된 전통입니다(화가 A. R. Mengs, J. A. Koch, V. Camuccini, 조각가 A. Canova 및 B. Thorvaldsen). B가 묘사하겠습니다. 그 안에 소송. 명상적인 K.는 신화적인 A.와 V. Tishbein의 초상화를 돋보이게합니다. A. Ya. Carstens의 판지, I. G. Shadov, K. D. Rauch의 플라스틱; 장식 및 응용 예술 분야 - D. Roentgen의 가구. 영국에서는 J. Flaxman의 그래픽과 조각품, 장식 및 응용 예술 분야에서 J. Wedgwood의 도자기와 Derby 공장의 장인이 K 근처에 있습니다.

러시아 문화의 전성기는 18세기 후반~19세기 1/3까지 거슬러 올라가지만 이미 시작되었습니다. 18 세기 유명한 크리에이티브 도시계획가에게 호소하세요. 프랑스 경험 K. (상트페테르부르크 건설 시 대칭 축 계획 시스템의 원리). 러시아. K.는 범위와 이념적 내용면에서 러시아에 전례가 없는 새로운 역사적 개념을 구현했습니다. 러시아의 전성기 세속 문화. 초기 러시아어 K. 건축학(1760~70년대; J.B. 월렌-델라모트, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi)는 여전히 가소성을 유지합니다. 바로크와 로코코 고유의 형태의 풍부함과 역동성.

카자흐스탄 성숙기(1770~90년대, V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, I.E. Starov)의 건축가들이 고전을 창조했습니다. 국가 귀족 영지의 광범위한 건설과 도시의 새로운 의식 개발의 모델이 된 대도시 궁전 부동산 및 편안한 주거용 건물 유형. 시골 공원 부지의 앙상블 예술은 러시아인의 주요 공헌입니다. K. 세계 예술. 문화. 러시아어는 부동산 건설에서 발생했습니다. Palladianism의 변형 (N. A. Lvov), 새로운 유형의 방 궁전이 나타났습니다 (C. Cameron, G. Quarenghi). 러시아어의 특징 K. - 전례 없는 규모의 국가. 도시 계획: 400개 이상의 도시에 대한 정기 계획이 개발되었으며 Kaluga, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl 등 중심지의 앙상블이 형성되었습니다. 산을 "규제"하는 관행. 계획은 원칙적으로 자본주의 원칙과 역사적으로 확립된 늙은 러시아 도시의 계획 구조를 일관되게 결합했습니다. 18~19세기의 전환기. 가장 큰 도시 계획으로 표시됩니다. 두 수도 모두에서 성과를 거두었습니다. 상트 페테르부르크 중심의 장대 한 앙상블이 형성되었습니다 (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. F. Thomas de Thomon, 나중에 K. I. Rossi). 다른 곳에서는 그가 도시를 건설할 것이다. 처음에는 1812년 화재 이후 복원 과정에서 아늑한 인테리어를 갖춘 작은 저택으로 지어진 "고전적인 모스크바"가 형성되었습니다. 여기서 규칙성의 원칙은 도시 공간 구조의 일반적인 회화적 자유에 일관되게 종속되었습니다. 모스크바 후기의 가장 유명한 건축가. K. – D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev. 19세기 1/3의 건물. 러시아 스타일에 속합니다. 엠파이어 스타일(때때로 알렉산더의 고전주의).

B가 묘사하겠습니다. art-ve 개발 rus. K. 는 상트페테르부르크와 긴밀하게 연결되어 있습니다. AH(1757년 설립). 조각품은 "영웅적인" 기념비적이며 장식적인 가소성으로 표현되어 시민으로 가득 찬 건축과 세심하게 조화를 이룹니다. 애가가 물씬 풍기는 기념물이 있는 파토스. 묘비 계몽, 이젤 플라스틱 (I. P. Prokofiev, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Shchedrin, V. I. 데무트-말리노프스키, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). 회화에서 K.는 역사 작품에서 자신을 가장 분명하게 드러냈습니다. 그리고 신화적인 장르 (A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, I.A. Akimov, A.I. Ivanov, A.E. Egorov, V.K. Shebuev, 초기 A.A. Ivanov; 무대 구성-창의성 P. di G. Gonzago). K.의 일부 특징은 F. I. Shubin의 조각 초상화, 그림-D. G. Levitsky, V. L.의 초상화에도 내재되어 있습니다. 보로비코프스키, F. M. Matveev의 풍경. 러시아어로 된 장식 및 응용 예술. K.는 예술가로서 두각을 나타냅니다. 건축, 청동 제품, 주철, 도자기, 크리스탈, 가구, 다마스크 직물 등의 모델링 및 조각 장식

극장

연극 영화의 형성은 1630년대 프랑스에서 시작되었습니다. 이 과정에서 활성화하고 조직하는 역할은 문학에 속했으며, 덕분에 극장은 "고급" 예술 분야로 자리매김했습니다. 프랑스인은 이탈리아에서 연극 예술의 예를 보았습니다. 르네상스의 "과학 극장". 궁정 사회는 취향과 문화적 가치의 설정자 였기 때문에 무대에 올랐습니다. 스타일은 궁정 예식과 축제, 발레, 리셉션의 영향도 받았습니다. 연극 극장의 원리는 파리 무대에서 개발되었습니다. G. Mondori가 이끄는 Marais 극장(1634), Richelieu 추기경이 건축한 Palais Cardinal(1641, 1642 Palais Royal)에서 그 구조는 다음과 같은 높은 요구 사항을 충족했습니다. 이탈리아. 풍경화 기술; 1640년대에 Burgundy Hotel은 극장 극장의 장소가되었습니다. 중앙을 향해 점차적으로 동시 장식. 17세기에는 그림처럼 아름답고 통일된 원근법 장식(궁전, 사원, 집 등)으로 대체되었습니다. 공연 시작과 끝 부분에 오르락내리락하는 막이 등장했다. 그 장면은 그림처럼 액자에 담았습니다. 게임은 프로시니엄에서만 진행되었습니다. 공연은 여러 주인공 인물을 중심으로 이루어졌습니다. 건축가. 배경, 단 하나의 액션 장면, 연기와 화보의 결합, 전체적인 입체적인 미장센이 사실감의 환상을 만들어내는 데 기여했다. 무대에서 K. 17세기 '제4의 벽'이라는 개념이 있었습니다. F. E. d'Aubignac은 배우에 대해 이렇게 썼습니다(“Practice of the Theatre”, 1657). “마치 청중이 전혀 존재하지 않는 것처럼 그의 캐릭터는 마치 왕인 것처럼 행동하고 말합니다. 몬도리와 벨레로즈가 아니라, 마치 로마의 호레이스 궁전에 있는 것처럼, 파리의 부르고뉴 호텔에 있는 것처럼, 무대에 있는 사람들(즉 묘사된 장소)만이 보고 듣는 것처럼 말입니다.”

K. (P. Corneille, J. Racine)의 높은 비극에서 A. Hardy의 연극의 역학, 엔터테인먼트 및 모험 플롯 (1/3에서 V. Leconte의 최초 영구 프랑스 극단의 레퍼토리를 구성함) 17 세기) 영웅의 영적 세계, 그의 행동 동기에 대한 정적 및 심층적 인 관심으로 대체되었습니다. 새로운 극작법은 공연예술의 변화를 요구했다. 배우는 윤리의 구체화가되었습니다. 그리고 미학적 그의 연극을 통해 현대인의 클로즈업 초상화를 창조하는 시대의 이상; 고대 양식의 그의 의상은 현대에 해당합니다. 패션, 플라스틱 예술은 고귀함과 우아함의 요구 사항을 따릅니다. 배우는 웅변가의 애정, 리듬감, 음악성(여배우 M. Chanmele의 경우 J. Racine이 역할 대사에 대해 메모를 썼음), 설득력 있는 몸짓의 기술, 댄서의 기술을 가져야 했습니다. , 심지어 신체적 능력까지. 힘. K. 의 극작술은 무대 연극 학교의 출현에 기여했습니다. 전체 공연 기술 (읽기, 몸짓, 표정)을 통합하고 기초가 된 선언. 표현할 것이다. 프랑스어의 뜻 배우. A. Vitez는 17세기 선언을 불렀습니다. "운율적 건축". 성능은 논리적인 방식으로 구축되었습니다. 독백의 상호 작용. 말의 도움으로 감정을 불러일으키고 조절하는 기술이 실천되었다. 공연의 성공은 목소리의 강도, 음파, 음색, 색상 및 억양의 숙달에 달려 있습니다.

연극 장르를 "높음"(부르고뉴 호텔의 비극)과 "낮음"(몰리에르 시대 Palais Royal의 코미디)으로 나누는 역할의 출현은 계층 구조에 의해 통합되었습니다. K 극장의 구조 '고귀한' 자연의 경계 안에 머물면서 연기 패턴과 이미지의 윤곽은 대배우들의 개성에 따라 결정되었는데, 과도한 포즈를 취하는 것보다 J. 플로리도르의 낭송 방식이 더 자연스러웠다. 벨레로즈; M. Chanmele는 웅장하고 선율적인 "낭송"이 특징이며 Montfleury는 열정의 영향에 있어서 동등하지 않았습니다. 표준 제스처로 구성된 연극 K. 의 캐논에 대한 이후 개발 된 아이디어 (놀라움은 손을 어깨 높이로 올리고 손바닥을 청중을 향한 상태로 묘사했으며 혐오감-머리를 오른쪽으로 돌리고 손으로 물체를 밀어내는 모습) 경멸 등)은 스타일이 쇠퇴하고 퇴보하는 시대를 의미합니다.

20세기에는 프랑스 국민 감독의 극장은 유럽 극장과 무대 극장에 가까워졌습니다. 스타일은 국가적 성격을 잃었습니다. 세부 사항. 그럼에도 불구하고 의미합니다. 프랑스어 이벤트 20세기 극장 J. Copo, J. L. Barrault, L. Jouvet, J. Vilar의 공연, Vitez의 17세기 고전 실험, R. Planchon, J. Desart의 제작 등 중국의 전통과 일치합니다.

18세기에 패했습니다. 프랑스에서 지배적 인 스타일의 중요성을 깨닫고 K. 는 다른 유럽에서 후계자를 찾았습니다. 국가. J. W. 괴테는 자신이 이끄는 바이마르 극장에서 영화의 원리를 일관되게 소개했습니다. 독일의 배우이자 기업가인 F. K. Neuber 및 배우 K. Eckhoff, 영어. 배우 T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons는 K.를 홍보했지만 개인적인 창의력에도 불구하고 그들의 노력을 기울였습니다. 성과는 효과가 없는 것으로 판명되어 결국 거부되었습니다. 풍경화 K. 는 독일인과 그 뒤를 이어 러시아인 덕분에 범유럽 논란의 대상이 되었습니다. 연극 이론가들은 '가짜 고전 연극'이라는 정의를 받았습니다.

뮤지컬 비극 2 층 17 – 전반전. 18세기 (작가 F. Kino와 작곡가 J.B. Lully의 창의적인 협력, J.F. Rameau의 오페라 및 오페라 발레) 및 이탈리아어. 뮤지컬과 연극영화 사이에서 선두적인 위치를 차지하고 있는 오페라 세리아. 18세기 장르 (이탈리아, 영국, 오스트리아, 독일, 러시아). 프랑스인의 부상 음악 비극은 민족 국가를 위한 투쟁 중 영웅주의와 시민권의 이상이 축제와 의식의 정신, 사치와 세련된 쾌락주의 경향으로 대체되는 절대주의 위기가 시작될 때 발생했습니다. 신화의 맥락에서 전형적인 K. 감정과 의무의 갈등의 심각성. 또는 뮤즈의 기사 전설적인 음모. 비극이 감소했습니다(특히 연극의 비극과 비교하여). 영화의 규범과 관련된 것은 장르의 순수성(코미디와 일상 에피소드의 부재), 액션의 통일성(흔히 장소와 시간의 부재), 그리고 "고전적인" 5막 구성(종종 프롤로그 포함)의 요구 사항입니다. 센터. 음악에서의 위치 극작술은 합리주의에 가장 가까운 요소인 암송이 차지합니다. 언어-개념 논리. 억양으로 영역은 자연과 관련된 영역이 지배적입니다. 인간의 말은 선언적이고 한심합니다. 공식 (의문, 명령 등)과 동시에 수사적 공식은 제외됩니다. 그리고 상징적인 바로크 오페라의 전형적인 모습. 환상적인 공연과 함께 광범위한 합창과 발레 장면. 그리고 목가적이다. 주제, 엔터테인먼트 및 엔터테인먼트에 대한 일반적인 지향(결국 지배적이 됨)은 고전주의 원칙보다 바로크 전통과 더 일치했습니다.

이탈리아의 전통은 노래의 기량을 키우고 오페라 세리아 장르에 내재된 장식 요소를 발전시키는 것이었습니다. 로마의 일부 대표자들이 제시한 K.의 요구에 따라. 북부 이탈리아 아카데미 "Arcadia". 초기 문학가 18 세기 (F. Silvani, G. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene)는 진지한 오페라에서 만화를 추방했습니다. 그리고 일상적인 에피소드, 초자연적이거나 환상적인 개입과 관련된 줄거리 모티프. 힘; 주제의 범위는 역사적, 역사적, 전설적인 주제로 제한되었으며 도덕적, 윤리적 주제가 전면에 등장했습니다. 문제가 있는. 예술가의 중심에 있습니다. 초기 오페라 세리아의 개념 - 숭고한 영웅적. 군주의 이미지, 덜 자주 국가. 인물, 예의, 서사시. 긍정을 보여주는 영웅. 이상적인 성격의 특성: 지혜, 관용, 관대함, 의무에 대한 헌신, 영웅적. 열광. 전통적인 이탈리아 스타일이 보존되었습니다. 오페라는 3막 구조(5막 드라마는 실험으로 남아 있음)를 가졌으나, 등장인물의 수가 줄어들고, 억양이 음악에 전형적으로 나타나게 되었다. 표현할 것이다. 서곡과 아리아의 형태, 보컬 부분의 구조를 의미합니다. 뮤즈에 전적으로 종속되는 일종의 극작법입니다. P. Metastasio가 (1720년대부터) 개발한 작업으로, 그의 이름은 오페라 세리아 역사의 정점 무대와 관련이 있습니다. 그의 이야기에서 고전주의적 파토스는 눈에 띄게 약화되었습니다. 일반적으로 장기간의 "오해"로 인해 갈등 상황이 발생하고 심화됩니다. 행위자들의 이익이나 원칙 사이의 실제 갈등으로 인한 것이 아닙니다. 그러나 엄격한 합리적 정당화와는 거리가 멀지 만 인간 영혼의 고귀한 충동에 대한 이상화 된 감정 표현에 대한 특별한 선호로 인해 이것이 배제되었습니다. Metastasio 대본의 인기는 반세기가 넘었습니다.

음악 발전의 정점. 계몽주의 시대(1760~70년대)의 문화는 창의적이 되었습니다. K.V. Gluck과 대본가 R. Calzabigi의 협력. 글룩의 오페라와 발레에서는 윤리에 대한 강조가 강조된 고전주의적 경향이 표현되었다. 문제, 영웅주의와 관대함에 대한 아이디어 개발 (파리 시대의 음악 드라마에서-의무와 감정이라는 주제를 직접적으로 언급함). K. 의 규범은 장르의 순수성과 극대화에 대한 열망에도 부합했습니다. 행동의 집중이 거의 극적으로 축소되었습니다. 충돌, 엄격한 선택이 표현됩니다. 특정 드라마의 목적에 따라 자금을 지원합니다. 상황, 장식적 요소의 궁극적 한계, 노래의 거장 원칙. 이미지 해석의 교육적 성격은 감상주의의 영향을 반영하여 고전주의 영웅 고유의 고귀한 특성과 감정 표현의 자연스러움 및 자유를 결합하는 데 반영되었습니다.

1780년대~90년대. 프랑스어 음악 혁명적 경향은 연극에서 표현됩니다. K., 프란츠의 이상을 반영합니다. 18세기 혁명 이전 단계와 유전적으로 관련이 있으며 Chap. 도착. 작곡가 세대 - Gluck의 오페라 개혁 추종자 (E. Megul, L. Cherubini), 혁명적. K. 는 우선 이전에 P. Corneille과 Voltaire의 비극의 특징이었던 시민적이고 폭군과 싸우는 파토스를 강조했습니다. 결의가 비극적인 1760~70년대 작품들과는 달리. 1780~1790년대의 작품에서는 갈등을 달성하기가 어려웠고 외부 세력(“deus ex machina”의 전통 - 라틴어 “기계의 신”)의 개입이 필요했습니다. 영웅적인 행위를 통한 비난이 특징이되었습니다. 밝고 효과적인 긴장 완화를 만들어낸 행위(복종 거부, 항의, 종종 보복 행위, 폭군 살해 등). 이런 종류의 드라마가 장르의 기초를 형성했습니다. '구원의 오페라', 1790년대에 등장했다. 고전주의 오페라와 사실주의 전통의 교차점에서. 부르주아 드라마 .

러시아에서는 음악이 있습니다. 극장에서는 K.의 원래 표현이 격리됩니다 (F. Araya의 오페라 "Cephalus and Procris", E. I. Fomin의 멜로 드라마 "Orpheus", V. A. Ozerov, A. A. Shakhovsky 및 A. N. Gruzintseva의 비극을위한 O. A. Kozlovsky의 음악) .

관련하여 희가극, 연극 활동과 관련이없는 18 세기 기악 및 성악을 "K"라는 용어로 사용합니다. 수단으로 적용됩니다. 적어도 조건부로. 때때로 확장에 사용됩니다. 고전낭만주의의 초기 단계를 가리키는 의미이다. 시대, 용감하고 고전적인 스타일 (Art. 비엔나 클래식 학교, 음악 속의 고전), 특히 판단을 피하기 위해(예를 들어 독일어 용어 "Klassik"을 번역할 때 또는 18세기 후반~19세기 초의 모든 러시아 음악에 적용되는 "Russian classicism"이라는 표현을 번역할 때) 세기. ).

19세기에 K. 음악 속 연극은 낭만주의로 바뀌었지만 dep. 고전주의 미학의 특징이 산발적으로 부활합니다 (G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev 등). 20세기에는 고전주의 예술가 신고전주의에서는 원칙이 다시 부활했습니다.