Essaythemen zum Silbernen Zeitalter. Ein Essay darüber, was mich am Silbernen Zeitalter fasziniert? Poesie des Silbernen Zeitalters. Ein Wendepunkt in der russischen Kultur und Kunst

„Gedichte über eine schöne Dame“ – früh

Morgendämmerung - diese Träume und Nebel,

mit dem die Seele zu kämpfen hat

das Recht zu leben

Einsamkeit, Dunkelheit, Stille – ein Buch mit sieben Siegeln

Genesis... alles da... besticht durch Unzugänglichkeit...

Alexander Blok

Frühes Werk von Alexander Blok. Seine erste Sammlung – „Gedichte über die schöne Dame“. Es spiegelte die Gedanken, die Stimmung und die Einstellung eines 22-jährigen Jugendlichen wider. Schauen Sie sich einfach das Foto aus dem Jahr 1904 an. Was für eine allgemeine Traurigkeit in den Augen! „Der tragische Tenor der Ära“ nannte Alexander Blok Anna Achmatowa.

Die erste Sammlung von A. Blok sammelte Gedichte, die oft gegensätzliche Weltanschauungen enthielten.

Wladimir Solowjow hatte großen Einfluss auf den Dichter und sein Werk. Die Idee der Dualität, des weiblichen Prinzips ließ Blok nicht los.

Früh lyrische Werke spiegelte den Wunsch des Dichters wider, die Welt zu verstehen. Das weibliche Prinzip regiert die Welt, es ist ewig, unvergänglich. Laut Blok bricht eine Person in einem Zustand der Liebe durch höhere Sphären Sein. Die Liebe eines Dichters ist eine ständige Erwartung.

In der ersten Sammlung - Bewunderung und Schicksalsdienst für die ewige schöne Dame und die Erwartung der Liebe. Aber mit der Zeit kommt die Erkenntnis, dass es unmöglich ist, die Harmonie der Welt zu erreichen, die das Universum besitzt. Es gibt eine Kluft zwischen dem Dichter und der Dame, die der Dichter nur mit Mühe überwinden kann. Ein heller Traum wird durch Hoffnungslosigkeit und Unverständlichkeit ersetzt. Es erscheinen Symbole wie ein Schneesturm, ein Wirbelsturm, ein Schneesturm. Das flackernde Licht der Laterne symbolisiert die lokale Welt, weiße Länder, Morgendämmerungen, azurblaue – andere Orte und hinterlässt die frühen Texte von A. Blok. Es treten blutige, rote, purpurrote Töne auf. Die Stadt erscheint in mystischer Gestalt vor den Augen des Lesers. Die Ritterrüstung des Helden wird durch ein Harlekinkostüm ersetzt. Anstelle eines sich verneigenden Mönchs gibt es einen lachenden Narren, eine fantastische, gespenstische Vision: „Ein schwarzer Mann rannte durch die Stadt ...“ Blok hat ein gewöhnliches, Das alltägliche Leben verflochten mit dem Mystischen, Unwirklichen.

Aber trotz der Widersprüchlichkeit der Gedanken, Hauptmotive und Ansichten der frühen Gedichte von A. Blok blieben sie im gesamten Werk des Dichters erhalten. Der Gedichtzyklus über die schöne Dame ist ein Versuch, die individuelle Seele des Dichters mit der Seele der Welt zu verschmelzen.

Die Sammlung „Gedichte über die schöne Dame“ besteht aus drei Abschnitten, die intern miteinander verbunden sind; durch sie vollzieht sich sozusagen die dramatische Bewegung des schöpferischen Denkens des Dichters: das sind Abschnitte-Kapitel – „Stille“, „Kreuzung“, „Schaden“.

Der erste Abschnitt, „Stillness“, enthält Verse, die direkt an die schöne Dame gerichtet sind. Der Titel wurde ähnlich wie das Gedicht von V. Solovyov „Armer Freund!“ verbreitet. Der Weg hat dich erschöpft...“:

Tod und Zeit herrschen auf Erden, -

Sie nennen sie nicht Meister;

Alles wirbelt, verschwindet im Nebel,

Nur die Sonne der Liebe ist bewegungslos.

und das Konzept der „Unbeweglichkeit“ Blok hat eine tiefe philosophische Bedeutung, und es hat viele Schattierungen in seiner poetischen Allegorie. Der zweifelsohneste von ihnen drückt die Idee von Beständigkeit, Treue und ritterlichem Dienst aus und drückt das Wichtigste aus, „verborgen und unaussprechlich“.

Oh Heiliger, wie sanft sind die Kerzen,

Wie erfreulich sind Deine Gesichtszüge!

Ich höre weder Seufzer noch Reden,

Aber ich glaube: Schatz – Du.

„Stillness“ ist ein poetischer Prolog zu Bloks Gesamtwerk. Hier wird die Geschichte der aufopfernden Liebe des Ritters zur schönen Dame erzählt, und gleichzeitig ist es eine wahre Geschichte, eine reale, irdische Geschichte von A. Bloks Liebe zu L. D. Mendeleeva. In „Stillness“ wird ein für Blok heiliges Thema geboren: der Dichter und sein Ideal des Schönen (die Verschmelzung von Gut, Schönheit, Wahrheit), dem er sein ganzes Leben lang treu blieb.

Die Liebesgeschichte des Ritters und der schönen Dame ist von Anfang bis Ende dramatisch. Im Mittelpunkt der Handlung des ersten Buches steht die anfängliche und immer stärker werdende Dramatik, die in der Natur der Charaktere und vor allem in der Figur der schönen Dame liegt. Ihr Aussehen ist veränderlich, sie ist unverständlich. Dieses Motiv wurde im zweiten Gedicht der Sammlung „I Anticipate You ...“ sofort identifiziert:

Aber ich habe Angst: Du wirst dein Aussehen verändern.

Dieses prophetische Gedicht ist eine Stimmgabel für alle Texte. Darin wird nicht nur der zukünftige „Schaden“ der schönen Dame „vorhergesagt“ –

Dreistigkeit erregt Verdacht,

Ersetzen der üblichen Funktionen am Ende, -

sondern auch der zukünftige unvermeidliche Weg des lyrischen Helden:

Oh, wie ich falle – sowohl traurig als auch demütig,

Ich habe tödliche Träume nicht überwunden!

Das Gedicht endet mit einem Couplet, das die tragische Widersprüchlichkeit von Bloks Helden zum Ausdruck bringt:

Wie klar ist der Horizont!

Und der Glanz ist nahe.

Aber ich habe Angst: Du wirst dein Aussehen verändern.

Das Gedicht „Ich habe sie in der Kapelle von John aufbewahrt ...“ wurde am Tag geschrieben, nachdem L. D. Mendeleeva zugestimmt hatte, Bloks Frau zu werden. „... Was noch nie passiert ist, worauf ich vier Jahre lang gewartet habe ...“ – schrieb Blok in sein Tagebuch.

Und dann erstrahlten die Gewölbe im Abendlicht.

Sie gab mir die königliche Antwort.

Im zweiten Abschnitt der Sammlung, den Blok „Crossroads“ nannte, ändern sich Tonalität und Rhythmus dramatisch, Bloks Petersburg, seine Stadt, erscheint. In „Stillness“ fällt die außergewöhnliche Verschmelzung des Dichters mit der Natur auf. Diese Verschmelzung ähnelt der Weltanschauung von I. Bunin.

„Crossroads“ spiegelte eine scharfe Wende in Bloks Texten wider.

Der Abschnitt „Crossroads“ beginnt mit einem bedeutungsvollen und ehrlich gesagt kühnen Gedicht „Deception“, weit entfernt von der Strahlkraft des ersten Teils der Sammlung. Statt rosafarbener Morgenröte, Fabrikdämpfen fällt eine rote Farbe ins Auge: ein roter Zwerg, eine rote Mütze, eine rote Sonne: „Rote Steinschleudern werden über die Straßen gelegt. Die Soldaten schlagen...“

Die folgenden Gedichte entwickeln zunehmend das Thema der Täuschung, das Thema der Stadt, in der sich Laster und Tod konzentrieren. Die Rottöne intensivieren sich noch mehr: die blutige Sonne, die roten Grenzen der Stadt, der rote Hausmeister, das betrunkene scharlachrote Wasser. In dem Gedicht „Die Stadt in den roten Grenzen ...“, das seinem besten Freund Jewgeni Iwanow gewidmet ist, der ebenfalls eine schmerzliche Hassliebe für die Stadt Peter empfand, übertreibt Blok so sehr, dass wir keine Stadt mehr haben. sondern ein „grauer Steinkörper“ mit einem „toten Gesicht“, eine Glocke mit einer „blutigen Zunge“.

Die Gedichte dieses Abschnitts „Alle schrien an den runden Tischen ...“, „Das Licht im Fenster schwankte ...“, „Ich ging in die Nacht hinaus ...“ nehmen Blok, den Dichter, vorweg. gruselige Welt". Hier tauchen die tragischen Themen der Kabine, des Harlekins und der Doppelzüngigkeit auf.

Ich glaube nicht an Bewunderung

Mit Dunkelheit - eins -

An der nachdenklichen Tür

Der Harlekin lachte.

Blok erklärt, dass Dualität, also die Spaltung der menschlichen Seele, Scheidewege, Scheidewege, aus einem genauen Verständnis der tragischen Dialektik des Lebens um die Jahrhundertwende herrührt. „Kreuzung“, „Kreuzung“, „Kreuzung“ sind auch gleichbedeutend mit dem historischen Meilenstein – dem Ende des 19. und dem Beginn des neuen 20. Jahrhunderts.

In einem seiner letzten Briefe sagte Blok für ihn prophetische Worte, die gleichermaßen auf seine Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, auf sein ganzes Leben angewendet werden können: „... Kunst ist dort, wo Schaden, Verlust, Leid und Kälte sind . Dieser Gedanke hütet immer. Der Titel des letzten Abschnitts des Zyklus „Gedichte über die schöne Dame“ – „Schaden“ – enthält genau diese Bedeutung, die im Brief erwähnt wurde.

Das erste Gedicht, das den letzten Abschnitt des Buches eröffnet, ist „Ekklesias“. Dies ist eine offene Geschichte über die Unvermeidlichkeit einer Katastrophe. Das Epigraph des Gedichts wurde von Blok aus der Bibel übernommen.

Alle wilde Angst ist verwirrt.

Überfüllt in einem Haufen Menschen, Tiere.

Und vergebens die Türen schließen

Bis dahin schaue ich aus dem Fenster.

Das Gedicht „Ich stand im Glanz auf ...“ ist eine Geschichte über den tragischen Tod einer Frau.

Mama tut nicht weh, rosa Kinder,

Mama legte sich selbst auf die Schienen.

Guter Mann, dicker Nachbar,

Danke Danke. Mama hat nicht geholfen.

Es scheint, dass hier die schöne Dame verschwindet und der Heldin des harten, dramatischen Alltagslebens der Stadt Platz macht. Doch die Elegie „Wenn ich mich von den Zeiten ausruhe ...“ lässt dieses magische Bild nicht in Vergessenheit geraten. Wenn wir außerdem das Werk von A. Blok als Ganzes betrachten, wird dieses Gedicht als Vorbote von Bloks Elegie „Über Tapferkeit, über Heldentaten, über Ruhm ...“ wahrgenommen, die das lyrische Buch „Nachtstunden“ eröffnet.

Die Sammlung endet mit dem Gedicht „Die Ferne ist blind, die Tage sind ohne Zorn ...“ Dieses Gedicht ähnelt in seinem Ton dem Gedicht aus dem Zyklus „Gebete“, das Blok am Ende des ersten Abschnitts von „Immobilität“ platziert hat. - „Wächter am Eingang zum Turm ...“ Es greift die letzten Zeilen „Gebete“ auf:

Fesseln Sie schweigend unsere Hände

Lass uns in den Himmel fliegen.

In diesen Zeilen erklingt nun das Motiv des ewigen Kampfes, Bloks Unruhe:

Was sind Momente der Ohnmacht?

Die Zeit ist ein leichter Rauch ...

Wir werden unsere Flügel wieder ausbreiten

Lass uns wieder fliegen!

Und wieder, in einer gedankenlosen Verschiebung

das Firmament zerlegen,

Treffen Sie einen neuen Wirbelsturm von Visionen

Lasst uns Leben und Tod begegnen!

Das „Silberne Zeitalter“ ist eine literarische Ära des frühen 20. Jahrhunderts, die im Gegensatz zu Puschkins „Goldenem Zeitalter“ (der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts) benannt wird und durch eine Vielzahl von Richtungen, Strömungen und philosophischen Schulen gekennzeichnet ist. Die Hauptidee besteht darin, der Literatur die Funktion der Kunst zurückzugeben und nicht die eines Spiegels der Realität. Während das „goldene Zeitalter“ sowohl für die Poesie als auch für die Prosa charakteristisch war, spiegelte sich das „silberne Zeitalter“ eher in der dichterischen Kreativität wider.

Literarische Stile wurden in zwei große Gruppen eingeteilt: Realismus und Modernismus. M. Gorki, L. Andreev, I. Bunin, I. Schmelev, B. Zaitsev arbeiteten realistisch. Dies ist jedoch nicht mehr der „klassische“ Realismus des 19. Jahrhunderts. Die Autoren stellen sich nicht die Aufgabe, gesellschaftliche Phänomene zu typisieren und zu verallgemeinern, sie spiegeln die Stimmungen und Farben der sie umgebenden Realität wider.

Der Modernismus war ein völlig neues Phänomen in der russischen Literatur, das aus Frankreich entlehnt war. Es zeichnet sich durch viele unterschiedliche Strömungen aus. Zuerst kam der Symbolismus, der in den Jahren 1890-1910 existierte. In symbolistischen Werken siegen Eindrücke, Träume, Fantasien über die Realität. Jedes Bild hat übertragene Bedeutung, entsteht durch Hinweise, Bezüge, Korrespondenzen mit anderen Phänomenen. Die Idee der Dualität kam von der Romantik zur Symbolik: die Aufteilung des Seins in das Reale, Fehlerhafte und Unvollkommene und das Ideale, Ewige und Unzerstörbare. Symbolistische Poesie ist ohne Vorbereitung schwer zu lesen, sie enthält Hinweise auf religiöse, esoterische und magische Werke. „Senior Symbolists“ traten in den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts in die Literatur ein (V. Bryusov, K. Balmont, D. Merezhkovsky), sie tendierten zum Ästhetizismus, die Hauptsache in ihrer Arbeit ist ein Bruch mit den Ideen der vergangenen Literatur. Die „jüngeren“, die im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts geschaffen wurden (A. Bely, A. Blok, V. Ivanov), brachten die Symbolik in die Position einer ganzen religiösen und philosophischen Lehre.

1910 befand sich die Symbolik in einer Krise und wurde bald von neuen Trends verdrängt – Akmeismus und Futurismus. Der Akmeismus forderte eine Reform der Symbolik, widersprach ihr in seinen wesentlichen Bestimmungen: Jetzt seien die Bilder nicht abstrakt und unverständlich, sondern genau und substanziell. Akmeisten (N. Gumilyov, A. Akhmatova, G. Adamovich, O. Mandelstam) gaben die Mystik auf und versuchten, einen Dialog zwischen ihrer Poesie und der Welt herzustellen und nicht wie die Symbolisten die Poesie mit der Welt der Geister.

Der Futurismus entwickelte sich parallel zum Akmeismus, widersprach ihm jedoch völlig. Wie im Gegensatz zu allem. Futuristen (V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, B. Pasternak, I. Severyanin) brachen die Beziehungen zum Erbe der Vergangenheit ab, das sie schaffen wollten neue Kultur und wisch das Alte vom Erdboden. In dieser Richtung dominierten revolutionäre Stimmungen, die Ästhetik des Urbanismus und der Rebellion, neue Wörter und Additionsregeln wurden geschaffen, es gab keine Einschränkungen bei der Wahl der Themen und Ausdrucksmittel (daher verachteten die Futuristen obszöne Ausdrücke nicht).

In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts gab es viele Krisen und soziale Umwälzungen, die die ganze Welt erschütterten. Und es hat sich verändert, ebenso wie die Kunst. Es zeigte sich darin mehr Freiheit, immer weniger wurde es durch Religion, Moral und Gesetze eingeschränkt. Aus diesem Grund sind so viele neue Ausdrucksmöglichkeiten entstanden. Die Literatur spiegelte die wichtigsten Trends in der Kunst wider und veränderte sich daher auch. Das „Silberne Zeitalter“ brachte viele neue Namen hervor, viele von ihnen werden für immer in der Schatzkammer der russischen und Weltliteratur bleiben. Wenn man die Dichter dieser Zeit liest, versteht man, dass all diese unterschiedlichen Stile, Programme und Einstellungen nicht das Wichtigste sind. Die Hauptsache ist, dass ein ewiges und unerschütterliches Gefühl bleibt, dass das Herz aufgrund des Gelesenen in einem Schraubstock steckt. Denn um jahrhundertelang bestehen zu bleiben, muss man ein talentierter Schriftsteller sein, das Programm ist nicht wichtig, entscheidend ist, ob das Geschriebene die Seele berührt.

POESIE DES „SILBEREN ZEITALTERS“

HAUPTSTRÖMUNGEN UND ANSICHTEN ÜBER SIE.

“Das Silberne Zeitalter der „russischen Poesie“ – dieser Name hat sich für die Bezeichnung russischer Poesie des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts etabliert. Es wurde in Analogie zum Goldenen Zeitalter gegeben – so nannten sie es Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, Puschkins Zeit. Es gibt eine umfangreiche Literatur über die russische Poesie des „Silbernen Zeitalters“ – sowohl inländische als auch ausländische Forscher haben viel darüber geschrieben, darunter so prominente Wissenschaftler wie V.M. Zhirmunsky, V. Orlov, L.K. Dolgopolov, schreiben Sie weiter an M.L. Gasparov, R.D. Timenchik, N.A. Bogomolov und viele andere. Über diese Zeit wurden zahlreiche Memoiren veröffentlicht – zum Beispiel V. Mayakovsky („Auf dem Parnassus des Silbernen Zeitalters“) und Odoevtseva („An den Ufern der Newa“), dreibändige Memoiren von A. Bely; Das Buch „Memories of the Silver Age“ wurde veröffentlicht.

Als wesentlicher Teil davon entstand die russische Poesie des „Silbernen Zeitalters“ in der Atmosphäre eines allgemeinen kulturellen Aufschwungs. Es ist charakteristisch, dass gleichzeitig so klügste Talente wie A. Blok und V. Mayakovsky, A. Bely und V. Khodasevich in ein und demselben Land schaffen konnten. Diese Liste geht weiter und weiter. In der Geschichte der Weltliteratur war dieses Phänomen einzigartig.

Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. In Russland ist dies eine Zeit des Wandels, der Unsicherheit und der düsteren Vorzeichen, dies ist eine Zeit der Enttäuschung und des Gefühls des nahenden Todes des bestehenden gesellschaftspolitischen Systems. All dies konnte nur Auswirkungen auf die russische Poesie haben. Damit ist die Entstehung der Symbolik verbunden.

Der Symbolismus war ein heterogenes Phänomen, das in seinen Reihen Dichter mit den widersprüchlichsten Ansichten vereinte. Einige der Symbolisten, wie N. Minsky, D. Merezhkovsky, begannen ihre Karriere als Vertreter der bürgerlichen Poesie und begannen sich dann auf die Ideen der „Gottesbildung“ und der „religiösen Gemeinschaft“ zu konzentrieren. Die „älteren Symbolisten“ leugneten scharf die umgebende Realität, sie sagten „Nein“ zur Welt:

Ich sehe unsere Realität nicht

Ich weiß nicht, wie alt wir sind...

(V.Ya.Bryusov)

Das irdische Leben ist nur ein „Traum“, ein „Schatten“. Die Realität steht im Gegensatz zur Welt der Träume und der Kreativität – einer Welt, in der der Mensch völlige Freiheit erlangt:

Es gibt nur ein ewiges Gebot – leben.

In Schönheit, in Schönheit, egal was passiert.

(D. Merezhkovsky)

Das wirkliche Leben wird als hässlich, böse, langweilig und bedeutungslos dargestellt. Besonderes Augenmerk legten die Symbolisten auf künstlerische Innovation – die Transformation der Bedeutung eines poetischen Wortes, die Entwicklung von Rhythmus, Reim usw. die „älteren Symbolisten“ schaffen noch kein Symbolsystem; Sie sind Impressionisten, die danach streben, die subtilsten Nuancen von Stimmungen und Eindrücken zu vermitteln. Das Wort als solches verlor für die Symbolisten seinen Wert. Wertvoll wurde es erst als Klang, als Musiknote, als Bindeglied im gesamten melodischen Aufbau eines Gedichts.

Die neue Periode in der Geschichte der russischen Symbolik (1901-1904) fiel mit dem Beginn eines neuen revolutionären Aufschwungs in Russland zusammen. Pessimistische Stimmungen, inspiriert von der Ära der Reaktion in den 1980er bis frühen 1890er Jahren. und die Philosophie von A. Schopenhauer weichen Vorahnungen „unerhörter Veränderungen“. „Junior Symbolists“ betreten die literarische Arena – Anhänger des idealistischen Philosophen und Dichters Vl. Solovyov. alte Welt am Rande der völligen Zerstörung, dass die göttliche Schönheit (ewige Weiblichkeit, die Seele der Welt) in die Welt kommt, die „die Welt retten“ soll und den himmlischen (göttlichen) Anfang des Lebens mit dem irdischen, materiellen, erschaffenden verbindet das „Reich Gottes auf Erden“:

Wisse das: Ewige Weiblichkeit ist jetzt

Er kommt in einem unvergänglichen Körper auf die Erde.

Im Licht der unvergänglichen neuen Göttin

Der Himmel verschmolz mit dem Abgrund des Wassers.

(Vl. Soloviev)

Besonders attraktiv ist die Liebe – Erotik in all ihren Erscheinungsformen, angefangen bei rein irdischer Wollust bis hin zur romantischen Sehnsucht nach der schönen Dame, der Dame, der ewigen Weiblichkeit, dem Fremden ... Erotik ist unweigerlich mit mystischen Erlebnissen verbunden. Auch symbolistische Dichter lieben die Landschaft, aber nicht als solche, sondern wiederum als Mittel, als Mittel, um ihre Stimmung zu offenbaren. Deshalb kommt in ihren Gedichten so oft der russische, träge traurige Herbst vor, wenn es keine Sonne gibt und wenn ja , dann mit traurigen verblassten Strahlen, die fallenden Blätter rascheln leise, alles ist in einen Dunst eines leicht wogenden Nebels gehüllt. Das Lieblingsmotiv der „Junior-Symbolisten“ ist die Stadt. Eine Stadt ist ein Lebewesen mit einer besonderen Form, einem besonderen Charakter, oft ist es eine „Vampirstadt“, ein „Oktopus“, eine satanische Besessenheit, ein Ort des Wahnsinns, des Grauens; Die Stadt ist ein Symbol für Seelenlosigkeit und Laster. (Blok, Sologub, Bely, S. Solovyov, größtenteils Bryusov).

Die Jahre der ersten russischen Revolution (1905–1907) veränderten das Gesicht der russischen Symbolik erneut erheblich. Die meisten Dichter reagieren auf revolutionäre Ereignisse. Blok schafft Bilder der Menschen der neuen, populären Welt. V. Ya. Bryusov schreibt das berühmte Gedicht „Die kommenden Hunnen“, in dem er das unausweichliche Ende der alten Welt verherrlicht, zu dem er jedoch sich selbst und alle Menschen der alten, sterbenden Kultur zählt. In den Jahren der Revolution erstellt F.K. Sologub den Gedichtband „Mutterland“ (1906), K.D. Balmont – eine Sammlung von „Songs of the Avenger“ (1907), veröffentlicht in Paris und verboten in Russland usw.

Noch wichtiger ist, dass die Jahre der Revolution die symbolische künstlerische Weltanschauung neu aufbauten. Wurde Schönheit früher als Harmonie verstanden, wird sie heute mit dem Chaos des Kampfes, mit den Elementen des Volkes in Verbindung gebracht. An die Stelle des Individualismus tritt die Suche nach einer neuen Persönlichkeit, bei der das Aufblühen des „Ich“ mit dem Leben der Menschen verbunden ist. Auch die Symbolik verändert sich: Früher hauptsächlich mit der christlichen, antiken, mittelalterlichen und romantischen Tradition verbunden, wendet sie sich nun dem Erbe des alten „nationalen“ Mythos (V.I. Ivanov), der russischen Folklore usw. zu Slawische Mythologie(A. Blok, M. M. Gorodetsky) Auch die Stimmung des Symbols wird anders. Eine immer wichtigere Rolle spielen dabei seine irdischen Bedeutungen: sozial, politisch, historisch.

Am Ende des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts befand sich die Symbolik als Schule im Niedergang. Es erscheinen einzelne Werke symbolistischer Dichter, aber sein Einfluss als Schule ist verloren gegangen. Alles Junge, Lebensfähige, Kräftige ist bereits außerhalb von ihm. Die Symbolik gibt keine neuen Namen mehr.

Der Symbolismus hat sich selbst überlebt, und dieses Überleben hat sich in zwei Richtungen entwickelt. Einerseits führte die Forderung nach obligatorischer „Mystik“, „Enthüllung von Geheimnissen“, „Begreifen“ des Unendlichen schließlich zum Verlust der Authentizität der Poesie; Es stellte sich heraus, dass das „religiöse und mystische Pathos“ der Koryphäen der Symbolik durch eine Art mystische Schablone, Vorlage, ersetzt wurde. Andererseits führte die Leidenschaft für die „musikalische Grundlage“ des Verses zur Entstehung von Gedichten ohne jede logische Bedeutung, in denen das Wort nicht auf die Rolle eines musikalischen Klangs, sondern eines klingelnden Blechschmuckstücks reduziert wird .

Dementsprechend folgten die Reaktion gegen den Symbolismus und anschließend der Kampf gegen ihn denselben beiden Hauptlinien.

Einerseits wandten sich die „Acmeisten“ gegen die Ideologie des Symbolismus. Andererseits traten zur Verteidigung des Wortes als solches die „Futuristen“ auf, die ebenfalls dem Symbolismus in der Ideologie feindlich gegenüberstanden.

Ich werde eine andere Seele finden

Alles, was neckte, fesselnd.

Ich segne das Goldene

Der Weg vom Wurm zur Sonne.

(N.S. Gumilyov)

Und die Kuckucksuhr der Nacht freut sich

Jeder kann ihre klare Konversation hören.

Ich schaue durch die Ritze: Pferdediebe

Sie zünden ein Feuer unter dem Hügel an.

(A.A. Achmatowa)

Aber ich liebe Casinos in den Dünen

Weitblick durch ein nebliges Fenster

Und ein dünner Balken auf einer zerknitterten Tischdecke.

(O. E. Mandelstam)

Diese drei Dichter sowie S. M. Gorodetsky, M. A. Zenkevich, V. I. Naburt nannten sich im selben Jahr Akmeisten (vom griechischen Akme – der höchste Grad von etwas, Blütezeit). Akzeptanz der irdischen Welt in ihrer sichtbaren Konkretheit, ein scharfer Blick auf die Details des Seins, ein lebendiges und direktes Gefühl für Natur, Kultur, das Universum und die materielle Welt, die Idee der Gleichheit aller Dinge – das war es vereinte damals alle sechs. Fast alle von ihnen waren zuvor von den Meistern des Symbolismus ausgebildet worden, doch irgendwann entschieden sie sich, das für die Symbolisten charakteristische Streben nach „anderen Welten“ und die Missachtung der irdischen, objektiven Realität abzulehnen.

Ein charakteristisches Merkmal der Poesie des Akmeismus ist ihre materielle Realität, Objektivität. Der Akmeismus liebte die Dinge mit der gleichen leidenschaftlichen, selbstlosen Liebe, wie der Symbolismus „Entsprechungen“, Mystik und Mysterium liebte. Für ihn war alles im Leben klar. Er war weitgehend derselbe Ästhetizismus wie der Symbolismus, und in dieser Hinsicht steht er zweifellos in seiner Nachfolge, aber der Ästhetizismus des Akmeismus ist von einer anderen Art als der Ästhetizismus des Symbolismus.

Acmeisten leiteten ihre Genealogie gerne vom Symbolisten Joh ab. Annensky, und damit haben sie zweifellos Recht. In. Annensky ragte unter den Symbolisten heraus. Nachdem er dem frühen Dekadentismus und seinen Stimmungen Tribut gezollt hatte, spiegelte er in seinem Werk fast nicht die Ideologie des späten Moskauer Symbolismus wider, und während Balmont und nach ihm viele andere symbolistische Dichter sich in „verbalen Balanceakten“ verloren, – in der treffenden Ausdruck von A. Bely, ertrunken im Strom der Formlosigkeit und dem „Geist der Musik“, der die symbolische Poesie überflutete, fand er in sich die Kraft, einen anderen Weg zu gehen. Die Poesie von In. Annensky markierte eine Revolution vom Geist der Musik und ästhetischen Mystik zur Einfachheit, Prägnanz und Klarheit der Verse, zur irdischen Realität der Themen und einer irdischen amistischen Schwere der Stimmung.

Die Klarheit und Einfachheit des Aufbaus von In. Annenskys Vers wurde von den Akmeisten gut beherrscht. Ihre Verse erlangten klare Umrisse, logische Kraft und materielles Gewicht. Der Akmeismus war eine scharfe und deutliche Wende der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts hin zum Klassizismus. Aber nur durch Wendung, nicht durch Vollendung – das muss man sich stets vor Augen halten, denn der Akmeismus trug noch viele Züge der romantischen Symbolik in sich, die noch nicht ganz überlebt waren.

Im Allgemeinen war die Poesie der Akmeisten ein Vorbild, das der Symbolik in den meisten Fällen unterlegen war, aber dennoch von sehr hohem Können. Diese Handwerkskunst trug im Gegensatz zur Feurigkeit und Ausdruckskraft der besten Errungenschaften der Symbolik einen Hauch einer in sich geschlossenen, raffinierten Aristokratie in sich, meist (mit Ausnahme der Poesie von Achmatowa, Narbut und Gorodetsky) kalt und ruhig und teilnahmslos.

Unter den Akmeisten entwickelte sich besonders der Kult um Theophile Gauthier, und sein Gedicht „Kunst“, beginnend mit den Worten „Kunst ist umso schöner, je leidenschaftsloser das aufgenommene Material“, klang wie eine Art poetisches Programm für die ältere Generation der „Dichterwerkstatt“.

Genau wie die Symbolik hat auch der Akmeismus viele unterschiedliche Einflüsse aufgenommen und in seinem Umfeld wurden verschiedene Gruppierungen umrissen.

Es vereinte alle Akmeisten in ihrer Liebe zur objektiven, realen Welt – nicht zum Leben und seinen Erscheinungsformen, sondern zu Objekten, zu Dingen. Diese Liebe manifestierte sich bei verschiedenen Akmeisten auf unterschiedliche Weise.

Unter den Akmeisten sehen wir zunächst Dichter, deren Haltung gegenüber den sie umgebenden Gegenständen und deren Bewunderung den Stempel derselben Romantik trägt. Diese Romantik ist jedoch nicht mystisch, sondern objektiv, und darin liegt ihr grundlegender Unterschied zur Symbolik. Das ist Gumilyovs exotische Haltung gegenüber Afrika, dem Niger, dem Suezkanal, Marmorgrotten, Giraffen und Elefanten, persischen Miniaturen und dem Parthenon, der in den Strahlen der untergehenden Sonne gebadet wird ... Gumilyov ist in diese exotischen Objekte der umgebenden Welt verliebt , rein auf irdische Weise, aber diese Liebe ist durch und durch romantisch. Objektivität trat in seinem Werk an die Stelle der Mystik des Symbolismus. Es ist charakteristisch, dass er in der letzten Phase seines Schaffens, in Dingen wie „Die verlorene Straßenbahn“, „Der betrunkene Derwisch“ und „Der sechste Sinn“, wieder der Symbolik nahe kommt.

Es gibt etwas im äußeren Schicksal des russischen Futurismus, das an das Schicksal der russischen Symbolik erinnert. Das gleiche wütende Nichterkennen bei den ersten Schritten, der Lärm bei der Geburt (bei den Futuristen, nur viel stärker, der sich in einen Skandal verwandelt). Es folgte eine rasche Anerkennung der fortgeschrittenen Schichten der Literaturkritik, ein Triumph, große Hoffnungen. Plötzlicher Zusammenbruch und Sturz in den Abgrund in einem Moment, als die Möglichkeiten und Horizonte der russischen Poesie beispiellos erschienen.

Dass der Futurismus eine bedeutende und tiefgreifende Strömung ist, steht außer Zweifel. Auch sein bedeutender äußerer Einfluss (insbesondere Majakowski) auf die Form der proletarischen Poesie in den ersten Jahren ihres Bestehens ist unbestritten. Aber ebenso sicher ist, dass der Futurismus die ihm gestellten Aufgaben nicht ertragen konnte und unter den Schlägen der Revolution völlig zusammenbrach. Die Tatsache, dass die Arbeit mehrerer Futuristen – Mayakovsky, Aseev und Tretyakov – in letzten Jahren von revolutionärer Ideologie durchdrungen, spricht nur vom revolutionären Charakter dieser einzelnen Dichter: Als Sänger der Revolution verloren diese Dichter weitgehend ihr futuristisches Wesen, und der Futurismus als Ganzes rückte dadurch der Revolution nicht näher, Ebenso wenig wurden Symbolismus und Akmeismus revolutionär, weil Mitglieder der RCP und Bryusov, Sergei Gorodetsky und Vladimir Narbut Sänger der Revolution wurden oder weil fast jeder symbolistische Dichter ein oder mehrere revolutionäre Gedichte schrieb.

Im Grunde war der russische Futurismus eine rein poetische Bewegung. In diesem Sinne ist er ein logisches Glied in der Kette dieser PoesieströmungenXXJahrhunderte, die rein ästhetische Probleme an die Spitze ihrer Theorie und ihres poetischen Schaffens stellten. Im Futurismus war das rebellische formelle revolutionäre Element stark, was einen Sturm der Empörung auslöste und „die Bourgeoisie schockierte“. Aber dieses „Schockieren“ war ein Phänomen von derselben Art wie das „Schockieren“, das die Dekadenten zu ihrer Zeit hervorriefen. In der „Rebellion“ selbst, in der „Schockierung der Bourgeoisie“, in den skandalösen Schreien der Futuristen steckten mehr ästhetische Emotionen als revolutionäre Emotionen.

Ausgangspunkt der technischen Recherchen der Futuristen ist die Dynamik des modernen Lebens, sein rasantes Tempo, der Wunsch nach maximaler Kosteneinsparung, „Abneigung gegen eine geschwungene Linie, gegen eine Spirale, gegen ein Drehkreuz, eine Tendenz zur geraden Linie.“ Abneigung gegen Langsamkeit, gegen Kleinigkeiten, gegen ausführliche Analysen und Erklärungen. Liebe zur Geschwindigkeit, zur Reduktion, zur Zusammenfassung und zur Synthese: „Erzähl es mir kurz und bündig!“ Daher - die Zerstörung der allgemein akzeptierten Syntax, die Einführung der „drahtlosen Vorstellungskraft“, d. „telegraphische Bilder“, „Bewegungen in zwei, drei, vier und fünf Schritten“, Zerstörung Qualitätsadjektive, die Verwendung von Verben in unbestimmter Stimmung, das Weglassen von Konjunktionen usw. – kurz gesagt, alles zielte auf Prägnanz und eine Steigerung der „Geschwindigkeit des Stils“ ab.

Das Hauptanliegen des russischen „Kubo-Futurismus“ ist eine Reaktion gegen die „Musik des Verses“ der Symbolik im Namen des inhärenten Wertes des Wortes, aber das Wort dient nicht als Waffe zum Ausdruck eines bestimmten logischen Gedankens, wie z war bei klassischen Dichtern und Akmeisten der Fall, sondern das Wort als solches als Selbstzweck. In Verbindung mit der Anerkennung des absoluten Individualismus des Dichters (der Futuristen beigefügt). großer Wert Schon in der Handschrift des Dichters wurden handgeschriebene lithografische Bücher veröffentlicht und mit der Erkenntnis der Rolle des „Schöpfers des Mythos“ hinter dem Wort – dieser Anspruch führte zu einer beispiellosen Wortschöpfung, die letztlich zur Theorie der „transrationalen Sprache“ führte ". Ein Beispiel ist das Sensationsgedicht der Kruchennykhs:

Loch, Bull, Schyl,

Unterschlupf

skoom

Du mit Buh,

r l ez.

Die Wortschöpfung war die größte Errungenschaft des russischen Futurismus, sein zentrales Moment. Im Gegensatz zu Marinettis Futurismus hatte der russische „Kubo-Futurismus“, vertreten durch seine klügsten Vertreter, wenig mit der Stadt und der Moderne zu tun. Das gleiche romantische Element war in ihm sehr stark.

Sie wirkte im süßen, halb kindischen, sanften Murren von Elena Guro, auf die das „schreckliche“ Wort „Kubo-Futuristin“ nicht passt, und in den frühen Dingen von N. Aseev und im ausgelassenen Wolga-Können und der klingende Sonnenschein von V. Kamensky und der düstere „ Frühling nach dem Tod“ von Churilin, aber besonders stark bei V. Khlebnikov. Es ist sogar schwierig, Chlebnikow mit dem westlichen Futurismus in Verbindung zu bringen. Er selbst ersetzte hartnäckig das Wort „Futurismus“ durch das Wort „budetlyane“. Wie die russischen Symbolisten nahm er (wie Kamensky, Churilin und Bozhidar) den Einfluss früherer russischer Poesie auf, nicht jedoch die mystische Poesie von Tyutchev und Vl. Solovyov und Poesie „Die Geschichte von Igors Feldzug“ und das russische Epos Epos. Sogar die Ereignisse der unmittelbarsten, unmittelbarsten Moderne – der Krieg und die NEP – spiegeln sich in Chlebnikows Werk wider, nicht in futuristischen Gedichten wie in „1915“. Aseev und im romantisch stilisierten altrussischen Geist das wunderbare „Combat“ und „Oh, gute Leute, Kaufleute“.

Der russische Futurismus beschränkte sich jedoch nicht auf eine „Wortschöpfung“. Neben der von Khlebnikov geschaffenen Strömung gab es noch andere Elemente. Besser geeignet ist das Konzept des „Futurismus“, das mit dem russischen Futurismus und seinem westlichen Gegenstück verwandt ist.

Bevor über diesen Trend gesprochen wird, muss eine weitere Spielart des russischen Futurismus in eine besondere Gruppe eingeteilt werden – die „Ego-Futuristen“, die in St. Petersburg etwas früher auftraten als die Moskauer „Kubo-Futuristen“. I. Severyanin, V. Gnedov, I. Ignatieva K. Olimpov G. Ivnov (später Akmeist) und der zukünftige Begründer des „Imagismus“ V. Shershenevich standen an der Spitze dieses Trends.

Der „Ego-Futurismus“ hatte im Wesentlichen nur sehr wenig mit dem Futurismus gemein. Dieser Trend war eine Mischung aus Epigonismus der frühen Petersburger Dekadenz und führte zu den grenzenlosen Grenzen des „Liedes“ und der „Musikalität“ von Balmonts Versen (wie Sie wissen, rezitierte Severyanin seine Gedichte nicht, sondern sang sie bei „Poesiekonzerten“). , eine Art Salon-Parfümerie-Erotik, die sich in leichten Zynismus verwandelt, und die Behauptung eines extremen Solipsismus – extremen Egozentrismus („Egoismus ist Individualisierung, Bewusstsein, Bewunderung und Lob des „Ich“ ... „Ego-Futurismus ist das unaufhörliche Streben eines jeden Egoisten, die Zukunft in der Gegenwart zu erreichen“). Dies war verbunden mit der von Marinetti (von Severyanin und insbesondere von Shershenevich) entlehnten Verherrlichung der modernen Stadt, der Elektrizität, der Eisenbahnen, der Flugzeuge, der Fabriken und der Autos. So gab es im „Ego-Futurismus“ alles: sowohl Echos der Moderne als auch neue, wenn auch schüchterne Wortschöpfungen („Poesie“, „Dummkopf“, „Mittelmäßigkeit“, „Olilien“ usw.) und erfolgreich gefunden Neue Rhythmen für die Übertragung gemessener Schwingungen von Autofedern („Elegant Carriage“ von Severyanin) und eine seltsame, futuristische Bewunderung für die Salongedichte von M. Lokhvitskaya und K. Fofanov, aber vor allem die Liebe zu Restaurants und Boudoirs von Dubiose Wachstum, Café-Shantany, die für Severyanin zu einheimischen Elementen wurden. Außer Igor Severyanin (er gab jedoch bald den Ego-Futurismus auf) brachte dieser Trend keinen einzigen brillanten Dichter hervor.

Viel näher am Westen als Chlebnikows Futurismus und Sewerjanins „Ego-Futurismus“ war die Tendenz des russischen Futurismus, die in den Werken von Majakowski, Asejews letzter Schaffensperiode und Sergej Tretjakow zu finden ist. Indem sie auf dem Gebiet der Technik die freie Versform, neue Syntax und kühne Assonanzen anstelle der strengen Reime von Chlebnikov aufgriffen und der Wortschöpfung eine bekannte, manchmal bedeutende Hommage zollten, gaben diese Dichtergruppen in ihrem Werk einige Elemente von a wirklich neue Ideologie. Ihre Arbeit spiegelte die Dynamik, den enormen Umfang und die gigantische Kraft der modernen Industriestadt mit ihren Geräuschen, Geräuschen, Geräuschen, leuchtenden Fabriklichtern, Straßentrubel, Restaurants und sich bewegenden Massen wider.

In den letzten Jahren haben Mayakovsky und einige andere Futuristen sich von Hysterie und Angst befreit. Mayakovsky schreibt seine „Befehle“, in denen alles von Lebhaftigkeit, Stärke, Kampfaufrufen bis hin zur Aggressivität geprägt ist. Diese Stimmung kommt 1923 in der Erklärung der neu gegründeten Gruppe „Lef“ („Linke Front der Kunst“) zum Ausdruck.

Nicht nur ideologisch, sondern auch technisch ist das gesamte Werk Mayakovskys (mit Ausnahme seiner ersten Jahre) sowie die letzte Schaffensperiode Aseevs und Tretjakows bereits ein Ausweg aus dem Futurismus, ein Einstieg in den Weg des eine Art Neorealismus. Mayakovsky, der zweifellos unter dem Einfluss von Whitman begann, entwickelte in der letzten Periode ganz besondere Techniken und schuf eine Art Plakat-Hyperbol-Stil, unruhig, einen kurzen Vers herausschreiend, schlampig, „zerrissene Linien“, der es sehr erfolgreich schaffte, das zu vermitteln Rhythmus und enorme Reichweite der modernen Stadt, Krieg, Bewegung von Millionen revolutionärer Massen. Das ist eine große Leistung Majakowskis, der über den Futurismus hinausgewachsen ist, und es ist ganz natürlich, dass die proletarische Poesie in den ersten Jahren ihres Bestehens, also in der Zeit, in der die proletarischen Dichter ihre Aufmerksamkeit auf die Motive des revolutionären Kampfes richteten , Mayakovskys technische Methoden hatten einen erheblichen Einfluss.

Der Imagismus war die letzte besonders aufsehenerregende Schule der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts. Diese Richtung wurde 1919 geschaffen (die erste „Erklärung“ des Imagismus stammt vom 30. Januar), also zwei Jahre nach der Revolution, aber in aller Ideologie hatte dieser Trend keine Revolution.

Vadim Shershenevich, ein Dichter, der mit Symbolik begann, mit Gedichten, die Balmont, Kuzmin und Blok imitierten, fungierte 1912 als einer der Anführer des Ego-Futurismus und schrieb „Dichter“ im Geiste Severyanins und schuf erst in den postrevolutionären Jahren seine „imagistische“ Poesie.

Ebenso wie der Symbolismus und der Futurismus hat der Imagismus seinen Ursprung im Westen und erst von dort wurde er von Scherschenewitsch auf russischen Boden verpflanzt. Und genau wie der Symbolismus und der Futurismus unterschied er sich deutlich vom Imagismus westlicher Dichter.

Der Imagismus war eine Reaktion sowohl gegen die Musikalität der Poesie des Symbolismus als auch gegen die Materialität des Akmeismus und die Wortschöpfung des Futurismus. Er lehnte jeden Inhalt und jede Ideologie der Poesie ab und stellte das Bild in den Vordergrund. Er war stolz darauf, dass er „keine Philosophie“ und „Denklogik“ habe.

Die Imagisten verknüpften ihre Entschuldigung für das Bild mit der Geschwindigkeit des modernen Lebens. Ihrer Meinung nach ist das Bild das klarste, prägnanteste und am besten zum Zeitalter der Automobile, der Funktelegrafie und der Flugzeuge passende Bild. „Was ist ein Bild? die kürzeste Distanz mit der höchsten Geschwindigkeit. Im Namen der „Geschwindigkeit“ der Vermittlung künstlerischer Emotionen brechen die Imagisten, den Futuristen folgend, die Syntax – werfen Epitheta, Definitionen, Präpositionen, Prädikate weg und ordnen Verben eine unbestimmte Richtung.

Im Wesentlichen gab es weder an den Techniken noch an ihrer „Bildsprache“ etwas besonders Neues. „Imagismus“ als eine der Techniken künstlerische Kreativität wurde nicht nur im Futurismus, sondern auch in der Symbolik weit verbreitet (zum Beispiel in Innokenty Annensky: „Der Frühling herrscht noch nicht, aber der Schneebecher wird von der Sonne getrunken“ oder in Mayakovsky: „Eine kahle Laterne zog üppig einen schwarzen Strumpf aus aus der Straße"). Neu war die Beharrlichkeit, mit der die Imagisten das Bild in den Vordergrund rückten und alles in der Poesie darauf reduzierten – Inhalt und Form.

Neben Dichtern, die mit bestimmten Schulen verbunden waren, brachte die russische Poesie des 20. Jahrhunderts eine beträchtliche Anzahl von Dichtern hervor, die sich ihnen nicht oder für eine Weile anschlossen, aber nicht mit ihnen verschmolzen und schließlich ihren eigenen Weg gingen.

Faszination der russischen Symbolik für die Vergangenheit -XVIIIJahrhundert – und die Liebe zur Stilisierung spiegelte sich in der Arbeit von M. Kuzmin wider, die Leidenschaft für die romantischen 20er und 30er Jahre – in der süßen Intimität und Behaglichkeit von Samowaren und alten Ecken von Boris Sadovsky. Die gleiche Leidenschaft für „Stilisierung“ liegt der orientalischen Poesie von Konstantin Lipskerov, Marieta Shaginyan und in den biblischen Sonetten von Georgy Shengeli, in den Safic-Strophen von Sofia Parnok und den subtilen stilisierten Sonetten aus dem Plejaden-Zyklus von Leonid Grossman zugrunde.

Faszination für Slawismen und das altrussische Liedgut, Verlangen nach „künstlerischer Folklore“, oben als charakteristisches Moment der russischen Symbolik erwähnt, widergespiegelt in den sektiererischen Motiven von A. Dobrolyubov und Balmont, in den populären Drucken von Sologub und in den Liedchen von V . Bryusov, in den altslawischen Stilisierungen von V. Ivanov und in der gesamten ersten Schaffensperiode von S. Gorodetsky füllen sie die Poesie von Lyubov Stolitsa, Marina Tsvetaeva und Pimen Karpov. Ebenso leicht lässt sich das Echo der Poesie der Symbolisten in den hysterisch ausdrucksstarken, nervösen und schlampigen, aber stark gemachten Zeilen von Ilja Ehrenburg einfangen, einem Dichter, der in der ersten Periode seines Schaffens ebenfalls zu den Reihen der Symbolisten gehörte .

Einen besonderen Platz in der russischen Lyrik des 20. Jahrhunderts nimmt die Poesie von I. Bunin ein. Beginnend mit lyrischen Gedichten, die unter dem Einfluss von Fet geschrieben wurden und die einzigen Beispiele für eine realistische Darstellung des russischen Dorfes und des Anwesens eines armen Grundbesitzers sind, wurde Bunin in der späteren Periode seines Schaffens ein großer Meister der Verse und schuf schöne Formen , klassisch klare, aber etwas kühle Gedichte, die an – wie er sein Werk selbst charakterisiert – ein mit einer Stahlklinge in einen schneebedeckten Gipfel geschnitztes Sonett erinnern. Der früh verstorbene V. Komarovsky steht Bunin in Zurückhaltung, Klarheit und etwas Kälte nahe. Das Werk dieses Dichters, dessen erste Reden aus einer viel späteren Zeit – aus dem Jahr 1912 – stammen, trägt in gewissem Teil die Züge des Akmeismus. So begann es etwa ab 1910 eine ziemlich herausragende Rolle in der Poesie des Klassizismus oder, wie es allgemein genannt wird, „Puschkinismus“ zu spielen.

Um 1910, als der Bankrott der symbolistischen Schule bekannt wurde, kam es, wie oben erwähnt, zu einer Reaktion gegen den Symbolismus. Oben wurden zwei Linien skizziert, entlang derer die Hauptkräfte dieser Reaktion gerichtet waren – Akmeismus und Futurismus. Der Protest gegen die Symbolik beschränkte sich jedoch nicht darauf. Er fand seinen Ausdruck im Werk von Dichtern, die sich weder dem Akmeismus noch dem Futurismus anschlossen, sondern sich mit ihrem Werk für die Klarheit, Einfachheit und Stärke des poetischen Stils aussprachen.

Trotz der widersprüchlichen Ansichten vieler Kritiker brachte jede dieser Bewegungen viele hervorragende Gedichte hervor, die für immer in der Schatzkammer der russischen Poesie bleiben und ihre Bewunderer bei zukünftigen Generationen finden werden.

LITERATURVERZEICHNIS

1. „Anthologie russischer Lyrik des ersten Viertels des 20. Jahrhunderts.“

IST. Ezhov, E.I. Schamurin. „Amirus“, 1991.

„Russische Poesie des 19. – frühen 20. Jahrhunderts.“

P. Nikolaev, A. Ovcharenko…

Verlag " Fiktion", 1987.

Enzyklopädisches Wörterbuch eines jungen Literaturkritikers.

Verlag „Pädagogik“, 1987.

„Methodischer Leitfaden zur Literatur für Studienbewerber.“

I.V. Velikanova, N.E. Tropkin. Verlag "Lehrer"

Die Entstehung neuer Trends, Trends, Stile in Kunst und Literatur ist immer mit einem Verständnis des Platzes und der Rolle des Menschen in der Welt, im Universum, mit einer Veränderung des Selbstbewusstseins des Menschen verbunden. Eine dieser Veränderungen ereignete sich Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. Die damaligen Künstler vertraten eine neue Vision der Realität und suchten nach Originalität künstlerische Mittel. Der herausragende russische Philosoph N. A. Berdyaev nannte diese kurze, aber überraschend helle Zeit das Silberne Zeitalter. Diese Definition bezieht sich in erster Linie auf die russische Poesie des frühen 20. Jahrhunderts. Das goldene Zeitalter ist das Zeitalter von Puschkin und den russischen Klassikern. Es wurde zur Grundlage für die Offenlegung der Talente der Dichter des Silbernen Zeitalters. In Anna Akhmatovas „Gedicht ohne Held“ finden wir die Zeilen:
Und der silberne Mond ist hell
Schwebte über das Silberne Zeitalter.
Chronologisch gesehen dauerte das Silberzeitalter eineinhalb bis zwei Jahrzehnte, aber in Bezug auf die Sättigung kann man es getrost als Jahrhundert bezeichnen. Dank des kreativen Zusammenspiels von Menschen mit seltenen Talenten war dies möglich. Das künstlerische Bild des Silbernen Zeitalters ist vielschichtig und widersprüchlich. Verschiedene künstlerische Strömungen, kreative Schulen und individuelle nicht-traditionelle Stile entstanden und verflochten sich. Die Kunst des Silbernen Zeitalters verband auf paradoxe Weise Altes und Neues, Aufgehendes und Aufstrebendes, verwandelte sich in eine Harmonie der Gegensätze und bildete eine Kultur besonderer Art. In dieser turbulenten Zeit gab es eine einzigartige Überschneidung zwischen den realistischen Traditionen des ausgehenden goldenen Zeitalters und neuen künstlerischen Trends. A. Blok schrieb: „Die Sonne des naiven Realismus ist untergegangen.“ Es war eine Zeit religiöser Suche, Fantasie und Mystik. Das Gesamtkunstwerk galt als höchstes ästhetisches Ideal. Es entstanden symbolistische und futuristische Poesie, Musik mit Anspruch auf Philosophie, dekorative Malerei, ein neues synthetisches Ballett, dekadentes Theater und der moderne Architekturstil. Die Dichter M. Kuzmin und B. Pasternak komponierten Musik. Die Komponisten Skrjabin, Rebikow und Stantschinski beschäftigten sich teils mit Philosophie, teils mit Poesie und sogar mit Prosa. Die Entwicklung der Kunst wurde mit großer „Hitze“ beschleunigt, wodurch Hunderte neuer Ideen entstanden.
Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts erklärten sich lautstark symbolistische Dichter, die später als „ältere“ Symbolisten bekannt wurden – 3. Gippius, D. Merezhkovsky, K. Balmont, F. Sologub, N. Minsky. Später entstand eine Gruppe von Dichtern „Junge Symbolisten“ – A. Bely, A. Blok, Vyach. Iwanow. Es bildete sich eine Gruppe akmeistischer Dichter – N. Gumilyov, O. Mandelstam, S. Gorodetsky, A. Akhmatova und andere. Poetischer Futurismus erscheint (A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky). Aber bei aller Unzufriedenheit und Vielfalt der Erscheinungsformen im Werk der Künstler dieser Zeit sind ähnliche Tendenzen zu beobachten. Der Wandel basierte auf gemeinsamen Wurzeln. Die Überreste des Feudalsystems zerfielen, es kam zu einer „Gärung der Geister“ in der vorrevolutionären Ära. Dadurch entstand ein völlig neues Umfeld für die Entwicklung der Kultur.
In der Poesie, Musik und Malerei des Silbernen Zeitalters war eines der Hauptthemen das Thema der Freiheit des menschlichen Geistes angesichts der Ewigkeit. Künstler versuchten, das ewige Geheimnis des Universums zu lüften. Einige gingen von einem religiösen Standpunkt aus an die Sache heran, während andere die Schönheit der von Gott geschaffenen Welt bewunderten. Viele Künstler empfanden den Tod als eine andere Existenz, als glückliche Befreiung von der Qual eines Leidens menschliche Seele. Der Liebeskult war ungewöhnlich stark, der Rausch von der sinnlichen Schönheit der Welt, den Elementen der Natur, der Lebensfreude. Der Begriff „Liebe“ wurde zutiefst gelitten. Dichter schrieben über die Liebe zu Gott, zu Russland. In der Poesie von A. Blok, Vl. Solovyov, V. Bryusov Skythische Streitwagen rasen, heidnische Rus' reflektiert auf den Leinwänden von N. Roerich, Petruschka tanzt in den Balletten von I. Strawinsky, ein russisches Märchen wird nachgebildet („Alyonushka“ von V. Vasnetsov, „Leshy“ von M. Vrubel).
Valery Bryusov wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts ein allgemein anerkannter Theoretiker und Führer der russischen Symbolik. Er war ein Dichter, Prosaschriftsteller, Literaturkritiker, Wissenschaftler und ein enzyklopädisch gebildeter Mensch. Der Beginn von Bryusovs schöpferischer Tätigkeit war die Veröffentlichung von drei Sammlungen „Russische Symbolisten“. Er bewunderte die Poesie der französischen Symbolisten, die sich in den Sammlungen Masterpieces, This Is Me, The Third Guard, To the City and the World widerspiegelte.
Bryusov zeigte großes Interesse an anderen Kulturen alte Geschichte, zur Antike, schuf universelle Bilder. In seinen Gedichten erscheint der assyrische König wie lebendig
Assargadon, die römischen Legionen und der große Feldherr Alexander der Große ziehen vorbei, das mittelalterliche Venedig, Dante und vieles mehr werden gezeigt. Bryusov leitete die große symbolistische Zeitschrift Libra. Obwohl Bryusov als anerkannter Meister der Symbolik galt, wurden die Prinzipien des Schreibens in dieser Richtung stärker von frühen Gedichten wie „Kreativität“ und „An einen jungen Dichter“ beeinflusst.
Das idealistische Denken wich bald irdischen, objektiv bedeutsamen Themen. Bryusov war der Erste, der den Beginn eines brutalen Industriezeitalters sah und vorhersagte. Er sang vom menschlichen Denken, von neuen Entdeckungen, interessierte sich für die Luftfahrt und sagte Flüge ins All voraus. Für seine erstaunliche Leistung nannte Tsvetaeva Bryusov einen „Helden der Arbeit“. Im Gedicht „Arbeit“ formulierte er seine Lebensziele:
Ich möchte die Geheimnisse erfahren
Das Leben ist weise und einfach.
Alle Wege sind außergewöhnlich
Der Weg der Arbeit ist wie ein anderer Weg.
Bryusov blieb bis zu seinem Lebensende in Russland, 1920 gründete er das Institut für Literatur und Kunst. Bryusov übersetzte die Werke von Dante, Petrarca und armenischen Dichtern.
Konstantin Balmont war als Dichter weithin bekannt, erfreute sich in den letzten zehn Jahren des 19. Jahrhunderts großer Beliebtheit und war ein Idol der Jugend. Balmonts Werk dauerte mehr als 50 Jahre und spiegelte den Übergangszustand der Jahrhundertwende, die Gärung der damaligen Geister und den Wunsch, sich in eine besondere, fiktive Welt zurückzuziehen, voll und ganz wider. Am Anfang kreative Art und Weise Balmont schrieb viele politische Gedichte, in denen er ein grausames Bild von Zar Nikolaus II. schuf. Sie wurden wie Flugblätter heimlich von Hand zu Hand weitergereicht.
Bereits in der ersten Sammlung „Under the Northern Sky“ erlangen die Gedichte des Dichters formale Eleganz und Musikalität.
Das Thema der Sonne zieht sich durch das gesamte Werk des Dichters. Das Bild der lebensspendenden Sonne ist für ihn ein Symbol des Lebens, der Tierwelt, mit der er sich schon immer organisch verbunden fühlte:
Ich bin auf diese Welt gekommen, um die Sonne zu sehen
Und blaues Sehen.
Ich bin auf diese Welt gekommen, um die Sonne zu sehen.
Und die Höhen der Berge.
Ich bin auf diese Welt gekommen, um das Meer zu sehen
Und die üppige Farbe der Täler.
Ich habe Welten geschaffen. auf einen Blick,
Ich bin der Meister...
In dem Gedicht „Non-verbose“ weist Balmont auf geniale Weise auf den besonderen Zustand der russischen Natur hin:
In der russischen Natur liegt eine müde Zärtlichkeit,
Der stille Schmerz verborgener Traurigkeit
Hoffnungslosigkeit der Trauer, Stimmlosigkeit, Grenzenlosigkeit,
Kalte Höhen, das Verlassen gab nach.
Schon der Titel des Gedichts spricht von der Abwesenheit von Handlung, vom Eintauchen der menschlichen Seele in einen Zustand weiser Kontemplation. Der Dichter vermittelt verschiedene Schattierungen von Traurigkeit, die, wenn sie wachsen, Tränen vergießen:
Und das Herz vergab, aber das Herz erstarrte,
Und weint und weint und weint unwillkürlich.
Den Dichtern des Silbernen Zeitalters gelang es, dem Inhalt von Gedichten mit leuchtenden Strichen Fülle und Tiefe zu verleihen, die den Fluss der Gefühle und Emotionen, das komplexe Leben der Seele widerspiegelten.

22.04.04 Boldyrev Maxim.

Dichter des Silbernen Zeitalters.

Die Jahrhundertwende ist eine wichtige Seite im Leben der Literatur, die mit großen Namen verbunden ist. Leo Tolstoi lebte noch, Tschechows Helden waren aktiv, aber es gab bereits verschiedene literarische Strömungen: Symbolismus, Akmeismus, Futurismus.

Der Begriff „Silberzeitalter“ entstand in Analogie zum „Goldenen Zeitalter“ – dem Zeitalter von Puschkin und Turgenjew. Die Dichter des „Silbernen Zeitalters“: Balmont, Woloschin, Bryusov, Severyanin, Annensky, Khlebnikov, Gumilev – schufen ein neues Konzept der Welt und des Menschen in dieser Welt. Sie wurden ständig von der Vorstellung heimgesucht, dass nicht alles, was der Mensch geschaffen hat, verwirklicht wird und dass es Bereiche gibt, die für die analytische Durchdringung des Geistes unzugänglich sind.

Als Kriterium des Wissens betrachteten die Symbolisten die innere, spirituelle Erfahrung. Sehr wichtig eine subjektive Grundlage erworben. Was flüchtig, schwer fassbar und geheimnisvoll war, wurde wertvoll und real. „Ich liebe das Abstrakte: Ich erschaffe Leben für sie – ich liebe alles Einsame, Implizite“, schrieb Zinaida Gippius. Symbolisten zeichneten sich durch einen Kult der Form aus, den Wunsch, tiefes Wissen in verschiedenen Bereichen zu demonstrieren – von historisch und geographisch bis hin zu philosophisch und sprachlich. In dem Gedicht „Rustle“ betonte Valery Bryusov trotzig die Form und ignorierte den Inhalt: „Rascheln in der Wildnis des Schilfs, Rascheln – das Rascheln der Gipfel, Lärm im frischen Dickicht der Mulden, übertönen das Flüstern der Seele.“

Akmeisten verkündeten die Befreiung der Poesie von der Mehrdeutigkeit und Fließfähigkeit der Bilder, die Abkehr von komplizierten Metaphern genauer Wert Wörter. Gumilyov vereinte 26 Dichter um sich und stand an der Spitze der Strömung des Akmeismus, was „einen mutigen, festen und klaren Blick auf das Leben – eine blühende Zeit“ bedeutet. Nikolai Gumilyov ist interessant für seine Fähigkeit, Hindernisse zu überwinden und sich selbst und anderen zu beweisen, dass ein Mensch ein Ziel erreichen kann: „Schnellflügelige werden von Kapitänen geführt – Entdeckern neuer Länder, für die Hurrikane keine Angst haben, die es gewusst haben.“ malsrems und gestrandet.“

Die frühe Anna Achmatowa würdigte diesen Trend in der Poesie: „Es ist fröhlich und klar – morgen wird es Morgen; Dieses Leben ist schön, Herz, sei weise.“

Einer der führenden Teilnehmer der futuristischen Bewegung war Chlebnikow, ein experimenteller Dichter, nach Majakowskis Definition „Kolumbus neuer poetischer Kontinente“.

Die absolute Ablehnung des Alltags bestimmte den Charakter von Chlebnikows Leben. Es war ein Wanderer in der russischen Poesie, aber nicht einfach, sondern verzaubert: Das Gedicht „Im Wald“ (1913) zeigt, wie er es verstand, sich beim Treffen mit Blumen und Pflanzen der Freude hinzugeben. Inmitten des Lärms und Zitterns der urzeitlichen Natur erhebt sich ein monumentaler Riese: „Und nur das Geräusch der Flusssegge und nur das Zittern des Flussgrases und eines bleichen und großen Menschen ist dasselbe wie der Eichenwald.“ Dieser von Chlebnikov bestiegene und durch poetische Übertreibungen verherrlichte Mann ist in gewisser Weise mit der berühmten Figur Kustodiev aus dem Jahr 1919 verwandt.

Die Poesie des beginnenden 20. Jahrhunderts verblüfft und überrascht durch ihre Vielfarbigkeit und Vielstimmigkeit.

Balmont stellte die Sonne in den Mittelpunkt der Welt – „die Quelle des Lichts und des Gewissens“, die Quelle des Lebens. Seine Gedichte sind musikalisch, sie enthalten das Rauschen von Frühlingsbächen, glitzernde Sonnenstrahlen, Spritzer und das schäumende Meer, Spiritualität, Traurigkeit und strahlende Hoffnung.

Die Zeilen von Andrei Bely sind erstaunlich: „Schrei, stürmisches Element, in Säulen donnernden Feuers!“ Russland, Russland, Russland, werde verrückt, wenn du mich verbrennst!“

Maximilian Woloschin besticht zunächst durch die Melodie, Leichtigkeit und Eleganz seiner Gedichte, dann durch die Tiefe seines Lebensprogramms.

Ganz Russland ist ein Feuer. Unauslöschliche Flamme

Von Ende zu Ende, von Zeitalter zu Zeitalter

Brennend, brüllend. Und der Stein bricht

Und jede Fackel ist eine Person.

Das Wichtigste in der Poesie des Silbernen Zeitalters ist ihre Einbindung in die große und tragische Ära. In den Empfindungen der Dichter klingt das Motiv ihrer Verlorenheit. „Einer aus der feindlichen Armee“, schrieb Woloschin.

Und doch ist das russische Silberzeitalter unvergesslich und einzigartig. Noch nie, weder vorher noch nachher, gab es in Russland eine solche Aufregung des künstlerischen Bewusstseins der Epoche, so intensive Suchen und Bestrebungen wie damals, zur Zeitenwende.

Das Werk der Dichter des Silbernen Zeitalters kann nicht auf den Rahmen einer einzelnen literarischen Bewegung beschränkt werden. Die Tiefe des Denkens, die Beherrschung des Wortes, die Fähigkeit, das Leben des Geistes zu begreifen, die historischen, literarischen und sozialbürgerlichen Probleme ihrer Werke charakterisieren sie viel umfassender und tiefer.

Das Licht der kreativen Einsichten der Dichter des Silbernen Zeitalters wird für immer in der Geschichte der russischen Literatur bleiben.