이 시기는 러시아 회화의 정점이자 리얼리즘의 도입으로 간주됩니다. 그 나라의 사회 현상과 혁명은 예술에 특별한 영향을 미쳤습니다. 이미 회화에 대한 검열과 비판이 있었다. 당시 당국은 화가의 작품에 중요한 각인을 남겼습니다. 거의 모든 국내 예술가는 적어도 하나의 그림을 써야했습니다. 새로운 정책그리고 새로운 사회 질서.

20 세기 러시아 회화의 주요 방향

20세기에는 회화에서 러시아 리얼리즘의 종말과 소비에트나 사회주의의 시작을 알렸다. 대전의 시기는 당과 인민의 단합된 운동으로 구별되는 특별한 시기로 여겨진다. 군사 그림은 인기를 얻었으며 현재와 관련이 있습니다. 풍경 장르의 사회주의적 흐름은 무엇보다도 영향을 덜 받았다.

러시아 전위

아방가르드(avant-garde)라는 단어는 혁신, 진보된 움직임을 의미합니다. 국내 아방가르드는 회화의 급진적인 흐름을 결합합니다. 처음에는 모더니즘, 새로운 예술, 추상화 및 기타 이름으로 불렸습니다. 방향에 대한 첫 번째 일견은 전쟁 이전에 나타났습니다. 러시아 아방가르드는 문화에서 과거에 대한 절대적인 거부와 파괴와 창조 과정의 통합과 같은 순간을 결합합니다. 그림에는 침략, 오래된 예술적 가치를 파괴하려는 열망, 완전히 다른 것을 창조하는 동시에 장소가 있습니다.

이 방향에서 우선 "화려한 삶", "볼가의 노래", "하얀 타원형", "모스크바" 그림을 그린 바실리 칸딘스키를 강조할 가치가 있습니다. 붉은 광장". 아방가르드에는 아방가르드 운동 중 하나인 슈퍼마티즘의 대표자인 카지미르 말레비치도 포함된다. 이 흐름은 예술의 마지막 단계인 오브제의 부재를 특징짓는다. 그들은 기하학적 추상화가 적용된 캔버스가 등장한 후 처음으로 그에 대해 이야기하기 시작했습니다.

사회주의 리얼리즘

혁명이 일어나고 많은 격변과 변화가 일어난 후 시각 예술에서 새로운 시대와 새로운 방향이 시작되었습니다. 당시에 해당하며 사회주의 리얼리즘이라고 불렸다. 정부와 국민이 요구한 것입니다. 사회주의 리얼리즘은 영웅주의의 존재, 지도자, 사람들, 사건, 당의 진실, 예술가 자신의 비전의 존재로 구별되었습니다. 전체주의 사회는 러시아 회화를 인정할 수 없을 정도로 변화시켰다. 당시의 역사적 사건, 국가의 영웅과 지도자, 단순한 노동자의 일상에 관한 그림으로 주로 구성되었습니다.

환상, 추측, 유치한 부주의가 없었기 때문에 많은 사람들이 그것을 "심각한 스타일"이라고 불렀습니다. 무자비한 진실만이 캔버스에 드러났습니다. 당시 영웅심은 지도자의 내적 긴장과 노력에 있었다. 사회주의 리얼리즘에서 일은 직업이었고 영웅은 개척자이자 건설자였다. 세기말 소비에트 문화의 붕괴와 함께 러시아 회화의 새로운 방향이 온다.

포스트모더니즘

러시아 회화의 새로운 방향은 사회에서 완전히 명확하지 않은 모더니즘을 대체하게되었습니다. 포스트 모더니즘은 사진 이미지가 특징입니다. 그림은 최대한 원래 모양에 가깝습니다. 스타일은 유형 학적 특징으로 구별됩니다. 먼저 완성된 형태입니다. 화가는 고전적인 이미지를 사용하지만 새로운 방식으로 해석하고 독점성을 부여합니다. 종종 포스트 모더니즘의 대표자는 여러 방향의 형태를 결합하여 이미지에 약간의 아이러니와 일종의 2 차적인 것을 제공합니다.

방향의 또 다른 특징은 규칙이 없다는 것입니다. 포스트모더니즘에서 예술가는 그의 그림을 묘사하는 형식과 방식의 선택을 완전히 통제합니다. 어떤 자유는 예술 전반에 신선한 숨을 불어넣었습니다. 설치미술과 공연이 있었습니다. 회화의 포스트 모더니즘은 또한 명확한 기술과 일반적인 세계적 인기가 없다는 특징이 있습니다. 이 방향의 전성기는 20 세기의 90 년대에 왔습니다. 가장 저명한 대표자는 A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik과 같은 예술가입니다.

연방 교육청

상태 교육 기관고등 전문 교육 "우랄 주립 경제 대학"

원격 교육 센터

테스트

징계로: " 문화학"

주제에:" 20세기 러시아 미술"

집행자:

그룹 학생: UZ-09 SR

코비아코바 나탈리아

예카테린부르크 시

2009년

소개

1. 20세기 러시아 미술

3. 20세기 전반의 시각 예술과 문학의 사실주의: 새로운 언어, 사실주의 회화의 조형적 구조

4. 소비에트 시대의 문화 형성. 전체주의 하에서의 예술 발전의 업적과 어려움

5. 지하 현상. 소비에트 미술 50-80년

6. 문화 발전 새로운 러시아소비에트 시대 이후

결론

중고 문헌 목록

소개

문화는 사회 생활에서 가장 중요한 영역 중 하나입니다. "문화"의 개념에서 문화 자체는 사람의 창조물이며 창조적 노력의 결과이기 때문에 사람과 그의 활동은 종합 기반으로 작용합니다. 그러나 인간 문화에서는 연기뿐만 아니라 변화하는 존재 그 자체이기도 하다.

이러한 이유로 20세기 예술에 대한 논의는 예술 자체를 더 깊이 고려할 수 있는 몇 가지 전제에서 시작되어야 합니다. 이 경우 20세기의 예술은 단지 낡거나 새로운 시대가 아니라 전환점의 예술이라는 주장을 전제로 하는 것이 가장 타당할 것이다. 이 작품은 원어의 사전적 의미의 위기로, 골절의 가장 높은 긴장을 표현하고 있다. 20세기의 예술에서, 비범하고 여러 면에서 결정적인 힘을 가진, 시간의 전환점에 정확하고 배타적으로 내재된 법칙이 처분됩니다. 각 중요한 시대에는 예술의 역사와 그 관계에 대한 고유한 측면이 있습니다.

통제 작업은 20 세기 러시아 문화의 비극적 인 운명, 내부 러시아 문화와 이민 문화로의 분열, 20 세기 초 예술 문화의 역사에서 러시아 전위의 현상, 주요 경향을 조사합니다. , 예술적 개념 및 대표자; 20세기 전반의 시각 예술과 문학의 사실주의; 소비에트 시대의 문화 형성. 전체주의 하에서 예술 발전의 업적과 어려움; 지하 현상; 소비에트 시대 이후의 새로운 러시아의 문화 발전.

1. 20세기 러시아 미술

1.1 XX 세기 러시아 문화의 비극적 인 운명, 내부 러시아인과 이민자로 분열

20 세기 러시아 문화의 운명의 비극, 국내 문화와 이민 문화로의 분열은 주로 다음 요인에 의해 결정되었습니다. 문맹), 중등 전문 및 고등 교육 시스템은 빠른 속도로 또는 오히려 가속화 된 속도로 발전하기 시작했습니다. 일반적으로 사회적 관계의 특성으로 "가속"이 점점 더 자주 나타나기 시작했습니다.

소비에트 과학의 발전은 1930년대 후반에 특히 두꺼워진 전체주의 국가의 억압적인 분위기에 의해 방해를 받았습니다. 사회과학은 당의 엄격한 통제 하에 놓였다. 극도로 취약한 물질적 토대에서 사회현대화과업을 중심으로 인민의 정신집합을 담보하려는 당 지도부의 염원은 사상요인의 증대로 이어졌다. 선전의 방향 중 하나는 국가 전통. 이와 관련하여 올바른 방향으로 지향되었던 역사교육, 역사연구의 역할이 커지고 있다.

문학과 예술 분야에서 더욱 비극적인 상황이 전개되었습니다. 1932년 4월, 전노조 공산당 중앙위원회는 지역에서 NEP 시대의 상대적 세계주의를 제거하는 "문예 및 예술 조직의 구조 조정에 관한" 결의안을 채택했습니다. 예술적 창의성. 수많은 문학 그룹이 단일 소련 작가 연합으로 대체되었습니다(1934년에 제1차 소비에트 작가 연합 대회가 열렸습니다). 그때부터 당은 온갖 예술적 창의성을 '사회주의 리얼리즘'의 품으로 몰아넣으려 애썼다. 1930년대의 탄압은 작가들에게도 영향을 미쳤는데, 주로 라포프 사상가(L. Averbakh, V. Kirshon, G. Gorbachev 등)가 30년대까지 살아남은 문학 그룹에 속한 50명 이상의 작가 중 3명이 탄압당했습니다. - 만델스탐, 트레차코프, 바벨. 그리고 Klyuev, Klychkov, Kasatkin, Pribludny, Vasiliev, Karpov와 같은 작가들은 후자를 제외하고 사망했습니다.

이러한 정권의 행동과 그것이 만들어낸 분위기는 이민의 물결을 일으켰다. 결과적으로 이민자 문화의 출현. 러시아 이민 문화의 고통과 고통은 Solzhenitsyn, Khlebnikov, 물리학자 Gamow, 철학자 Bulgakov, Berdyaev, Trubetskov 등의 창조적 인 경로에서 볼 수 있습니다."사회주의 리얼리즘"의 지배적 인 흐름의 틀 내에서 작품 다른 유형이 생성됩니다. Bulgakov의 "Heart of Dog", "Master and Margarita", Mayakovsky와 Blok의 시, Gorky, Ilf 및 Petrov의 소설 및 단편 소설과 같은 문학에서. 많은 공상 과학 작가의 작품, Zabolotsky, Akhmatova, Tsvetaeva, Gumilyov의시, Eisenstein, Pudovkin, Dovzhenko 및 기타 감독의 영화는 밝기로 두드러집니다 [Ibid., 92].

2. 20세기 초 예술문화사에서 나타난 현상으로서의 러시아 아방가르드

아방가르드(Avant-garde)는 20세기 예술가들의 마음을 하나로 묶은 예술 운동의 코드명으로, 예술적 실천의 급진적 갱신에 대한 열망, 확립된 원칙과 전통과의 단절, 새롭고 특이한 추구를 특징으로 합니다. 내용, 표현 수단, 작품 형식, 예술가와 삶의 관계. 20세기 아방가르드의 특징은 1905-30년대에 집중적으로 발전한 모더니즘의 여러 학파와 경향에 나타났다. (야수파, 입체파, 미래파, 표현주의, 다다이즘, 초현실주의, 추상 미술, 모더니즘의 합리주의적 경향 등). 사실 혁명을 일으킨 운동이었지만 30년대에 대중운동으로 쇠퇴하고 있다. 1939-45 년 2 차 세계 대전 이후 서구 여러 국가의 예술. 유럽 ​​및 위도. 미국은 현실적으로 "참여한" 예술의 지위가 강화되면서 전위적 경향이 부활하고 있습니다. Neo-avant-gardism이 발생하여 이제 모더니즘의 틀에 완전히 맞습니다.

러시아에서 이러한 추세의 주요 대표자는 V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender 등입니다.

2.1 러시아 아방가르드의 주요 흐름. 예술적 개념과 대표자

아방가르드의 주요 경향에는 야수파, 입체파, 추상 미술, 초현실주의, 미래파, 다다이즘, 표현주의, 구성주의, 형이상학 회화, 초현실주의, 순진한 예술, 음악의 십이각 및 알레토릭, 구체시, 구체 음악, 운동 예술이 있습니다. Picasso, Chagall, Filonov, Klee, Matisse, Modigliani, Le Corbusier, Joyce, Proust, Kafka 및 기타와 같이 일반적으로 표시된 방향에 속하지 않은 주요 인물. 더구나 개별 매개변수에 따라서만 여러 면에서 매우 다른 아방가르드 현상의 잡다한 다수의 조건부 분류만이 가능합니다.

추상화. 주요 이론가와 실무자는 W. Kandinsky, P. Mondrian이었습니다. 추상주의는 동형주의에서 시각적으로 인식되는 현실의 형태를 묘사하는 것을 거부하고 색상, 비동형 추상 색상 형태 및 수많은 조합의 표현, 연관, 공감각적 특성에만 독점적으로 초점을 맞췄습니다. 최초의 추상 작품은 1910년 Kandinsky에 의해 만들어졌습니다. 칸딘스키를 이해하는 예술가는 예술적 형식으로 구체화하는 도구인 정신적인 것의 중개자에 불과하다. 따라서 추상미술은 현대미술가의 발명이 아니라 역사적으로 자연스런 정신적 자기표현의 형식이며 그 시대에 적합하다.

제2의 방향은 온갖 기하학적 형태와 채색된 평면, 직선과 파선의 조합을 결합하여 새로운 형태의 예술적 공간을 창조하는 길을 따라 발전하였다. 그 주요 대표자는 기하학적 절대주의 시대의 Malevich였습니다. 이와 관련하여 추상주의의 많은 작품(특히 Kandinsky, Malevich, M. Rothko, 부분적으로 Mondrian의 작품)은 다른 영적 실천에서 명상의 대상과 중재자의 역할을 할 수 있습니다. 말레비치가 작품에서 러시아의 아이콘과 친밀감을 느낀 것은 우연이 아니며, 그의 검은 사각형 뒤에는 '20세기의 아이콘'이라는 명성이 더욱 굳건해졌다. 처음에 경멸적이고 아이러니한 의미로 주어진 명칭은 이 현상의 본질을 잘 표현했습니다.

우월주의는 1910년대 중반에 만들어진 추상회화의 방향 중 하나이다. K. 말레비치. 목표는 물리적 세계의 다른 모든 형태의 기초가 되는 단순한 형태(선, 사각형, 삼각형, 원)로 현실을 표현하는 것입니다. Malevich의 유명한 그림 "The Black Square"(1915)는 Suprematism의 그림 선언문이되었습니다.

구성주의. 혁명적 대중의 기술 진보와 민주적 감정의 직접적인 영향을 받아 물질주의 지향적인 예술가와 건축가 사이에서 러시아(1913-14년 이후)에서 발생한 방향. 조상은 예술가 V. Tatlin이며 러시아의 주요 대표자는 A. Rodchenko, L. Popova, V. Stepanova, Stenberg 형제, 이론가 N. Puni, B. Arvatov, A. Gan입니다. 서쪽 - Le Corbusier, A. Ozanfant, T. Van Doesburg, V. Gropius, L. Mogoly-Nagy.

이 기사에는 20세기의 주요 예술 스타일에 대한 간략한 설명이 포함되어 있습니다. 아티스트와 디자이너를 모두 아는 것이 유용할 것입니다.

모더니즘(프렌치 모던 모던에서)

예술에서 자연과 전통의 정신에 대한 집착이 지배적이지 않고 주인의 자유로운 견해가 지배적 인 새로운 형태의 창의성의 형태로 19 세기 후반에 확립 된 예술적 경향의 누적 이름 , 개인적인 인상, 내면의 아이디어 또는 신비로운 꿈에 따라 자신의 재량에 따라 가시적인 세계를 자유롭게 변경할 수 있습니다(이러한 경향은 대체로 낭만주의의 라인을 계속했습니다). 인상주의, 상징주의, 모더니즘이 가장 중요하고 종종 적극적으로 상호 작용하는 방향이었습니다. 소비에트 비평에서 "모더니즘"의 개념은 사회주의 리얼리즘의 규범에 해당하지 않는 20 세기의 모든 예술 운동에 반 역사적으로 적용되었습니다. .

추상화("제로 형태"의 기호 아래 예술, 비 객관적 예술) - 실제 보이는 세계의 형태를 완전히 거부하는 20 세기 전반부의 예술에서 형성된 예술적 방향. 추상주의의 창시자는 V. 칸딘스키, P. 몬드리안과 K. 말레비치. W. Kandinsky는 인상파와 "야생" 반점을 객관성의 징후로부터 해방시켜 자신만의 추상화 유형을 만들었습니다. Piet Mondrian은 Cezanne과 Cubists에 의해 시작된 자연의 기하학적 양식화를 통해 무의미하게 되었습니다. 추상주의에 중점을 둔 20세기의 모더니즘 경향은 전통적 원리에서 완전히 벗어나 리얼리즘을 부정하면서도 동시에 예술의 틀 안에 남아 있다. 추상주의의 도래와 함께 예술의 역사는 혁명을 경험했습니다. 그러나 이 혁명은 우연히 일어난 것이 아니라 아주 자연스럽게 일어났으며 플라톤이 예견했습니다! 후기 작품인 필레부스(Philebus)에서 그는 눈에 보이는 대상이나 모방을 모방하는 것과는 별개로 선, 표면 및 공간 형태 자체의 아름다움에 대해 썼습니다. 플라톤에 따르면 이러한 종류의 기하학적 아름다움은 자연적인 "불규칙한" 형태의 아름다움과 대조적으로 상대적이 아니라 무조건적이며 절대적입니다.

미래파- 1910년대 예술의 문학적, 예술적 경향. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. 미래주의의 중요한 예술적 아이디어는 현대 생활의 속도의 주요 표시로서 움직임의 신속함의 조형적 표현을 찾는 것이었습니다. 미래파의 러시아 버전은 kybofuturism이라고 불리며 프랑스 입체파의 플라스틱 원리와 미래파의 유럽 일반 미적 설치의 조합을 기반으로합니다. 작가들은 교차, 교대, 충돌과 형태의 유입을 통해 동시대인, 도시 거주자의 압도하는 복수의 인상을 표현하고자 했다.

입체파- "르네상스 이후 가장 완전하고 급진적인 예술적 혁명"(J. 골딩). 화가: 피카소 파블로, 조르주 브라크, 페르낭 레제 로베르 들로네, 후안 그리, 글레이즈 메칭거. 큐비즘 - (프랑스 큐비즘, 큐브 - 큐브에서) 20세기 1/4분기 예술의 방향. 입체파의 조형 언어는 물체의 변형과 기하학적 평면으로의 분해, 형태의 소성 이동에 기반을 둡니다. 많은 러시아 예술가들은 입체파에 매료되어 종종 그 원리를 미래주의와 원시주의와 같은 다른 현대 예술 경향의 기술과 결합합니다. Cubo-futurism은 러시아 토양에 대한 입체파 해석의 특정 변형이되었습니다.

순수주의- (프랑스어 순수주의, 라틴어 purus - clean에서 유래) 1910년대 후반과 20년대 프랑스 회화의 경향. 주요 대표자는 예술가 A. 오잔판그리고 건축가 C. E. Jeanneret(르 코르뷔지에). 1910년대의 큐비즘과 다른 전위적 운동의 장식적 경향, 그들이 채택한 자연의 변형을 거부하고 순수주의자들은 마치 세부 사항이 "제거된" 것처럼 안정적이고 간결한 대상 형태를 "기본" 요소. 순수 주의자들의 작품은 평평하고 가벼운 실루엣의 부드러운 리듬과 같은 유형의 물체 (주전자, 안경 등)의 윤곽이 특징입니다. 이젤 형태로 개발되지 않은 순수주의의 본질적으로 재검토된 예술적 원리는 현대 건축, 주로 르 코르뷔지에의 건물에 부분적으로 반영되었습니다.

Serrealism- 1924년 프랑스에서 발생하여 1969년에 공식적으로 소멸된 문학, 회화 및 영화의 세계적인 운동. 그것은 현대인의 의식 형성에 크게 기여했습니다. 운동의 주요 인물 안드레 브르통- 작가, 지도자 및 운동의 이데올로기적 영감, 루이스 아라곤- 나중에 기이한 방식으로 공산주의 가수로 변신한 초현실주의의 창시자 중 한 명, 살바도르 달리- "초현실주의는 나다!"라는 말로 운동의 본질을 정의한 예술가, 이론가, 시인, 시나리오 작가, 고도로 초현실주의적인 촬영 감독 루이스 부뉴엘, 화가 후안 미로- "초현실주의의 모자에 있는 가장 아름다운 깃털"은 브르타뉴와 전 세계의 많은 예술가들이 부른 것처럼.

포비즘(프랑스어 les fauves - wild (animals)에서) 초기 회화의 지역 방향. 20 세기 F.라는 이름은 파리의 젊은 예술가 그룹을 조롱하기 위해 지어졌습니다. A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. 반 동겐)는 1905년 첫 번째 전시회 이후 1905년부터 1907년까지 여러 전시회에 공동으로 참가했습니다. 그룹 자체에서 이름을 채택하고 그룹의 배후에서 확고히 자리를 잡았습니다. 방향은 명확하게 공식화 된 프로그램, 선언문 또는 자체 이론이 없었고 오래 지속되지 않았지만 예술사에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 그 참가자들은 극도로 밝은 열린 색상의 도움으로 독점적으로 예술적 이미지를 만들고자하는 열망으로 그 해에 단결되었습니다. 후기 인상파 화가들의 예술적 업적 개발( 세잔, 고갱, 반 고흐), 인상파 시대부터 프랑스 예술계에서 유행했던 중세 미술(스테인드 글라스, 로마네스크 미술)과 일본 판화의 형식적인 기법에 의존하여 야수파는 회화의 색채적 가능성을 최대한 활용하고자 했습니다.

표현주의(프랑스 표현에서 - 표현력) - 1 차 세계 대전 직전에 특정 역사적시기에 발전한 20 세기 1/3을 주로 독일에서 서유럽 예술의 모더니스트 경향. 표현주의의 이데올로기적 기반은 추악한 세계에 대한 개인주의적 저항, 세계로부터 인간의 점점 더 소외되는 감정, 노숙자에 대한 감정, 붕괴, 그리고 유럽 문화가 그토록 확고하게 기반을 두고 있는 것처럼 보이는 원칙들의 붕괴였다. 표현주의자들은 신비주의와 비관주의에 끌리는 경향이 있습니다. 표현주의의 특징적인 예술적 기법: 환상적 공간의 거부, 사물의 평면적 해석에 대한 욕망, 사물의 변형, 날카로운 다채로운 불협화음에 대한 사랑, 종말론적 드라마를 구현하는 특별한 색. 예술가들은 창의성을 감정을 표현하는 방법으로 인식했습니다.

우월주의(위도 supremus에서 - 가장 높은, 가장 높은, 첫 번째, 마지막, 극단, 분명히 폴란드어 supremacja를 통해 - 우월성, 우위) 20 세기 1/3의 전위 예술의 방향, 창조자, 주요 대표자 및 이론가 그 중 러시아 예술가는 카지미르 말레비치. 이 용어 자체는 절대주의의 본질을 반영하지 않습니다. 사실 말레비치의 이해에서 이것은 추정된 특성이다. 절대주의는 비예술적인 모든 것에서 해방되는 길, 모든 예술의 본질로서 비객관적인 것의 궁극적인 계시로 가는 길에 있는 예술 발전의 가장 높은 단계입니다. 이러한 의미에서 말레비치는 또한 원시적 장식 예술을 최고주의자(또는 "최고의 것")로 간주했습니다. 그는 이 용어를 페트로그라드 미래파 전시회 "0-0"에서 전시된 흰색 바탕의 유명한 "검은 사각형", "검은 십자가" 등을 포함하여 기하학적 추상화를 묘사하는 많은 그림(39점 이상)에 처음으로 이 용어를 적용했습니다. 1915년에 말레비치 자신이 20년대의 많은 작품을 언급하긴 했지만, 이러한 기하학적 추상화와 유사한 기하학적 추상화의 배후에서 슈프리마티즘이라는 이름이 붙었다. "우월주의 정신". 그리고 사실, 말레비치의 후기 이론적 발전은 비록 그것이 물론 그 핵심, 본질, 심지어 (흑백과 백색과 백색)을 구성하기는 하지만, 절대주의(적어도 말레비치 자신)를 기하학적 추상으로 환원할 근거를 제공하지 않습니다. Suprematism) 회화를 예술의 한 형태로서 일반적으로 존재의 한계, 즉 더 이상 적절한 회화가 없는 회화적 0으로 가져옵니다. 세기 후반의 이 길은 붓, 물감, 캔버스를 포기한 미술 활동의 여러 방향으로 계속되었습니다.

러시아인 아방가르드 1910년대는 예쁜 선물 복잡한 그림. 스타일과 트렌드의 급격한 변화, 풍부한 예술가 그룹 및 협회가 특징이며 각각의 창의성 개념이 선언되었습니다. 세기 초 유럽 회화에서도 비슷한 일이 일어났습니다. 그러나 스타일의 혼합, 조류 및 방향의 "혼란"은 새로운 형태를 향한 움직임이 더 일관적인 서구에서는 알려지지 않았습니다. 비범한 신속함을 지닌 젊은 세대의 많은 대가들은 화풍에서 화풍으로, 무대에서 무대로, 인상주의에서 모더니티로, 그리고 원시주의, 큐비즘 또는 표현주의로 옮겨가는 여러 단계를 거쳤으며, 이는 프랑스나 독일 회화의 거장들에게는 완전히 이례적인 것이었다. . 러시아 회화에서 발전한 상황은 주로 국가의 혁명 이전 분위기 때문이었습니다. 그녀는 모든 유럽 예술 전체에 내재된 많은 모순을 악화시켰습니다. 러시아 예술가들은 유럽 모델을 공부했으며 다양한 학교와 화보 트렌드를 잘 알고있었습니다. 따라서 예술적 삶에서 일종의 러시아 "폭발"이 역사적 역할을했습니다. 1913년이 되자 새로운 국경과 지평에 도달한 것은 러시아 예술이었습니다. 비객관성의 완전히 새로운 현상이 나타났습니다. 프랑스 입체파 화가들이 감히 넘지 못한 선입니다. Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

큐보 퓨처리즘 20세기 초 러시아 아방가르드(회화와 시)의 지역적 경향. 시각 예술에서 입체파 미래주의는 회화적 발견, 입체파, 미래파, 러시아 신원시주의에 대한 재고를 기반으로 발생했습니다. 주요 작품은 1911년에서 1915년 사이에 만들어졌습니다. cubo-futurism의 가장 특징적인 그림은 K. Malevich의 붓 아래에서 나왔고 Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter도 썼습니다. 1913년 유명한 전시회에서 말레비치의 최초의 미래지향적인 입체 작품이 전시되었습니다. Larionov의 Luchism도 데뷔 한 "Target". 큐보-미래주의적 작품들은 외관상 F. Leger가 동시에 창작한 구도와 공통점이 있으며, 원기둥, 원뿔, 플라스크, 조개껍데기 형태의 속이 빈 3차원 채색 형태로 이루어진 반객관적 구도이다. , 종종 금속 광택이 있습니다. Malevich의 첫 번째 그러한 작업에는 이미 기계 세계의 자연스러운 리듬에서 순전히 기계적인 리듬으로 이동하는 눈에 띄는 경향이 있습니다(Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait of Klyun, 1913).

신생물- 추상 미술의 초기 변종 중 하나. 1917년 네덜란드 화가 P. 몬드리안과 스타일 협회에 소속된 다른 예술가들이 만들었습니다. 신 생물은 제작자에 따르면 수직 검은 선으로 명확하게 구분되고 주요 스펙트럼의 로컬 색상으로 칠해진 큰 직사각형 모양의 엄격하게 균형 잡힌 조합으로 표현되는 "보편적인 조화"에 대한 열망이 특징입니다. 회색 톤). Neo-plasticisme(누벨 플라스티크) 이 용어는 20세기에 네덜란드에서 나타났습니다. 피트 몬드리안그는 1917년 Leiden에서 창간된 그룹과 잡지 "Style"("De Stiji")에 의해 체계화되고 옹호된 자신의 플라스틱 개념을 정의했습니다. 신생물주의의 주요 특징은 표현 수단의 엄격한 사용이었습니다. Neoplasticism은 수평선과 수직선 만 형태를 만들 수 있습니다. 선을 직각으로 교차시키는 것이 첫 번째 원칙입니다. 1920년경에 두 번째 것이 추가되어 획을 제거하고 평면을 강조하여 색상을 빨간색, 파란색 및 노란색으로 제한합니다. 흰색과 검은색만 추가할 수 있는 세 가지 순수한 기본 색상. 이러한 엄격함의 도움으로 신조형주의는 보편주의를 달성하여 세계에 대한 새로운 그림을 만들기 위해 개성을 넘어서고자 했습니다.

공식 "세례" 오르피즘 1913년 Salon des Indépendants에서 일어났습니다. 그래서 비평가 Roger Allard는 살롱에 대한 그의 보고서에서 다음과 같이 썼습니다. 1913년 3월 19일 파리). 그는 또 다른 비평가 Andre Varno에 의해 반향되었습니다. "1913년 살롱은 Orphic 학교의 새로운 학교의 탄생으로 표시되었습니다."("Comoedia" Paris 1913년 3월 18일). 드디어 기욤 아폴리네르“이것이 오르피즘이다. 여기에서 처음으로 내가 예측한 이러한 경향이 나타났습니다.”(“Montjoie!” Paris Supplement to March 18, 1913). 실제로 용어가 발명되었습니다. 아폴리네르(오르페우스 숭배로서의 오르피즘) 그리고 1912년 10월 현대 회화에 대한 강의에서 처음 공개적으로 발표되었고 읽혔습니다. 그가 의미하는 바는 무엇이었습니까? 그 자신도 모르는 것 같습니다. 게다가 그는 이 새로운 방향의 경계를 어떻게 정의해야 할지 몰랐다. 사실 오늘날까지 만연한 혼란은 아폴리네르가 서로 연결된 두 가지 문제를 무의식적으로 혼동한 데서 기인하는 것은 당연하지만, 그것들을 연결하기 전에 차이점을 강조했어야 했다. 한편, 창조 들로네회화적 표현은 전적으로 색채에 기반을 두고 있으며, 다른 한편으로는 여러 방향의 출현을 통한 큐비즘의 확장을 의미한다. 1912년 여름 말에 Marie Laurencin과 휴식을 취한 후 Apollinaire는 Rue Grand-Augustin에 있는 워크샵에서 그를 우호적인 이해로 받아들인 Delaunay 가족에게서 피난처를 찾았습니다. 바로 이번 여름, Robert Delaunay와 그의 아내는 심오한 미학적 진화를 경험하여 후에 그가 오로지 색상 대비의 건설적이고 시공간적인 특성에 기초한 회화의 "파괴적인 시기"라고 불렀습니다.

포스트모더니즘(포스트모더니즘, 포스트아방가르드) -

(라틴어 post "after"와 모더니즘에서 유래) 1960년대에 특히 분명해졌고 모더니즘과 아방가르드의 입장을 근본적으로 수정한 것이 특징인 예술적 경향의 총칭.

추상 표현주의전후 (XX 세기의 40 년대 후반 - 50 년대) 추상 미술 발전의 단계. 이 용어 자체는 1920년대 독일 미술 평론가에 의해 도입되었습니다. E. 폰 시도우 (E. von Sydow) 표현주의 예술의 특정 측면을 언급합니다. 1929년 American Barr는 Kandinsky의 초기 작품을 특징짓기 위해 이것을 사용했고, 1947년에는 그 작품을 "추상 표현주의"라고 불렀다. 빌렘 드 쿠닝그리고 대구 무리. 그 이후로 추상 표현주의의 개념은 50년대에 빠르게 발전한 추상 회화(및 이후의 조각)의 상당히 넓고 문체 및 기술적으로 다양한 분야 뒤에 통합되었습니다. 미국, 유럽, 그리고 전 세계에서. 추상 표현주의의 직계 조상은 초기의 것으로 간주됩니다. 칸딘스키, 표현주의 자, 오르피스트, 부분적으로 다다이스트 및 초현실주의 자, 정신적 자동주의 원칙. 추상적 표현주의의 철학적, 미학적 기초는 주로 전후 시대에 유행한 실존주의 철학이었다.

기성품(English ready-made - ready) 이 용어는 예술가에 의해 미술사 사전에 처음 소개되었습니다. 마르셀 뒤샹일상적 기능의 환경에서 분리되어 미술전시회에서 아무런 변경 없이 전시되는 실용의 대상이 되는 그들의 작품을 예술작품으로 지정하는 것. Ready-Made는 사물과 사물성에 대한 새로운 시각을 주장했습니다. 공리적 기능을 더 이상 수행하지 않고 예술의 공간이라는 맥락 속에 포함된 오브제, 즉 비공리적인 사색의 대상이 되었던 오브제는 전통 미술이나 미술계에 알려지지 않은 새로운 의미와 연상적 움직임을 드러내기 시작했다. 일상적이고 실용적인 존재의 영역. 미학과 공리주의의 상대성 문제가 첨예하게 드러났습니다. 최초의 기성품 뒤샹 1913년 뉴욕에서 전시. 그의 레디메이드 중 가장 악명 높은 작품. 강철 "자전거 바퀴"(1913), "병 건조기"(1914), "분수"(1917) - 이것이 일반 소변기가 지정된 방식입니다.

팝 아트.제2차 세계 대전 후, 그들에게 특별히 중요하지 않은 상품을 살 수 있을 만큼 충분한 돈을 번 사람들의 대규모 사회적 계층이 미국에서 형성되었습니다. 예를 들어, 상품의 사용: 코카콜라또는 리바이스 청바지는 이 사회의 중요한 속성이 되고 있습니다. 이 제품이나 저 제품을 사용하는 사람은 특정 사회적 계층에 속해 있음을 나타냅니다. 현재의 대중 문화가 형성되었습니다. 사물은 상징, 고정 관념이되었습니다. 팝아트는 반드시 고정관념과 상징을 사용한다. 팝 아트(팝아트)는 뒤샹의 창조적 원리에 의존한 새로운 미국인들의 창조적 탐구를 구체화했다. 그것: 재스퍼 존스, K. 올덴버그, 앤디 워홀, 다른 사람. 팝아트는 대중문화의 중요성을 띠고 있기 때문에 그것이 미국에서 형태를 취하고 예술 운동이 된 것은 놀라운 일이 아닙니다. 동맹국: Hamelton R, 톤 차이나권위자로 선정 커트 슈비터스. 팝 아트의 특징은 작품, 즉 대상의 본질을 설명하는 게임의 환상입니다. 예: 파이 K. 올덴버그다양한 방식으로 묘사됩니다. 예술가는 케이크를 묘사하지 않을 수 있지만 환상을 없애고 사람이 실제로 보는 것을 보여줍니다. R. Rauschenberg도 독창적입니다. 그는 다양한 사진을 캔버스에 붙여넣고 윤곽을 그리며 작품에 일부 박제 동물을 붙였습니다. 그의 유명한 작품 중 하나는 박제 고슴도치입니다. 또한 잘 알려진 것은 케네디의 사진을 사용한 그의 그림입니다.

원시주의(순진한 예술). 이 개념은 여러 의미로 사용되며 실제로 개념과 동일합니다. "원시 예술". 다른 언어와 다른 과학자에 의해 이러한 개념은 예술 문화에서 동일한 범위의 현상을 나타내는 데 가장 자주 사용됩니다. 러시아어(일부 다른 언어와 마찬가지로)에서 "원시적"이라는 용어는 다소 부정적인 의미를 갖습니다. 따라서 개념에 중점을 두는 것이 더 적절합니다. 순진한 예술. 가장 넓은 의미에서 이것은 회화 및 표현 언어의 단순성(또는 단순화), 명확성 및 형식적 즉각성을 특징으로 하는 순수 예술을 의미하며, 이를 통해 문명 관습에 얽매이지 않는 세계에 대한 특별한 비전이 표현됩니다. . 이 개념은 지난 세기의 새로운 유럽 문화에 나타났으므로 가장 높은 발전 단계로 간주되는이 문화의 전문적인 위치와 아이디어를 반영합니다. 이러한 입장에서 순진한 예술은 고대 민족의 고대 예술(이집트 이전 또는 고대 그리스 문명 이전), 예를 들어 원시 예술을 의미하는 것으로 이해됩니다. 문화적, 문명적 발전이 지연된 사람들의 예술(아프리카, 오세아니아, 아메리카 인디언) 가장 넓은 규모의 아마추어 및 비전문 예술(예를 들어, 카탈로니아의 유명한 중세 프레스코화 또는 유럽에서 처음으로 미국으로 이주한 미국 이민자의 비전문 예술); 소위 "국제 고딕"의 많은 작품; 민속 예술; 마지막으로, 전문적인 미술교육을 받지는 못했지만 스스로 예술적 창의성의 은사를 느끼고 예술의 독자적 실현에 매진한 20세기의 재능 있는 원시주의 작가들의 작품이다. 그 중 일부(프랑스어 A. 루소, K. 봄부아, 그루지야어 N. 피로스마니쉬빌리, 크로아티아어 I. Generalich, 미국 오전. 로버트슨등)은 세계 예술의 보물창고의 일부가 된 진정한 예술적 걸작을 만들었습니다. 순진한 예술은 세계에 대한 비전과 예술적 표현 방법 측면에서 어린이 예술에 다소 가깝습니다. 다른 한편으로는 정신병자의 일에 관한 것입니다. 그러나 본질적으로 둘 다 다릅니다. 세계관의 관점에서 아동미술에 가장 가까운 것은 오세아니아와 아프리카 원주민과 고대민족의 순진한 미술이다. 아동미술과의 근본적인 차이점은 깊은 신성함, 전통주의, 정경성에 있다.

예술이 없다(Net Art - from English net - network, art - art) 컴퓨터 네트워크, 특히 인터넷에서 발전하는 최신 형태의 예술, 현대 미술 관행. 개발에 기여한 러시아의 연구원인 O. Lyalina, A. Shulgin은 Net-art의 본질이 모든 사람에게 네트워크 존재의 완전한 자유를 제공하는 웹상의 커뮤니케이션 및 창의적인 공간의 생성에 있다고 믿습니다. 그러므로 넷아트의 본질. 표현이 아니라 커뮤니케이션이며, 원래 예술 단위는 전자 메시지입니다. 80년대와 90년대에 일어난 넷아트의 발전에는 적어도 세 단계가 있다. 20 세기 첫 번째는 웹 아티스트 지망생들이 컴퓨터 키보드에 있는 글자와 아이콘으로 그림을 만들 때였습니다. 두 번째는 언더그라운드 아티스트와 자신의 작품에서 무언가를 보여주고 싶어하는 모든 사람들이 인터넷에 왔을 때 시작되었습니다.

옵아트(Eng. Op-art - 광학 예술의 축약형 - 광학 예술) - 평면 및 공간 인물에 대한 인식의 특징을 기반으로 한 다양한 시각적 환상을 사용하는 20세기 후반의 예술적 운동. 현재는 기술주의(모더니즘)의 합리주의적 노선을 계속하고 있다. 그것은 소위 "기하학적" 추상주의로 거슬러 올라갑니다. V. 바사렐리(1930년부터 1997년까지 그는 프랑스에서 일함) - 옵아트의 창시자. Op-art의 가능성은 산업 그래픽, 포스터 및 디자인 아트에서 일부 응용 프로그램을 찾았습니다. 옵아트(광학)의 방향은 50년대 추상주의 내에서 시작되었지만 이번에는 기하학적 추상화라는 다른 다양성이 있었습니다. 현재의 분포는 60년대로 거슬러 올라갑니다. 20 세기

낙서(그래피티-고고학에서, 이탈리아 그래피아-스크래치에서 온 모든 표면에 긁힌 그림이나 글자) 이것은 주로 공공 건물, 구조물, 운송 수단의 벽에 있는 대형 이미지인 하위 문화 작품의 지정입니다. 스프레이 건, 에어로졸 페인트 캔의 종류. 따라서 다른 이름 "스프레이 아트" - 스프레이 아트. 그 기원은 그래피티의 대량 출현과 관련이 있습니다. 70년대. 뉴욕 지하철 차량에서 그리고 공공 건물의 벽에 블라인드를 보관하십시오. 낙서의 첫 번째 작가. 주로 푸에르토 리코 인 소수 민족의 젊은 실직 예술가가 있었기 때문에 첫 번째 낙서에서 라틴 아메리카 민속 예술의 일부 문체 특징이 나타났고 이것을 의도하지 않은 표면에 나타나는 바로 그 사실에 대해 작가는 그들의 작품에 대해 항의했습니다. 무력한 위치. 80년대 초. 거의 전문적인 마스터 G.의 전체 추세가 형성되었습니다. 이전에 가명으로 숨겨져 있던 실명이 알려지게되었습니다 ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, 이, 본, 데이즈). 그들 중 일부는 자신의 기술을 캔버스에 옮겨 뉴욕의 갤러리에 전시하기 시작했으며 곧 유럽에 그래피티가 나타났습니다.

초현실주의(초현실주의 - 영어), 또는 포토리얼리즘(포토리얼리즘 - 영어) - 아티스트. 사진을 기반으로 한 회화와 조각의 움직임, 현실의 재현. 자연주의와 실용주의에 대한 실천과 미학적 방향 모두에서 하이퍼 리얼리즘은 팝 아트에 가깝습니다. 그것들은 주로 비유로의 회귀에 의해 결합됩니다. 그것은 재현과 단절되었을 뿐만 아니라 예술의 물질적 실현의 원리 자체에 의문을 제기하는 개념주의에 반대되는 역할을 한다. 개념.

토지 예술(영국 땅 예술 - 흙 예술에서), 마지막 3분의 1 예술에서의 방향더블 엑스세기는 실제 풍경을 주요 예술 재료 및 대상으로 사용하는 것을 기반으로 합니다. 예술가들은 참호를 파고, 기괴한 돌 더미를 만들고, 바위를 칠하고, 행동을 위해 일반적으로 황량한 장소-깨끗하고 야생의 풍경을 선택하여 예술을 자연으로 되돌리기 위해 노력합니다. 그의 덕분에<первобытному>이러한 종류의 행위와 대상은 대부분이 일련의 사진에서만 감상할 수 있기 때문에 외관상으로는 고고학 및 사진 예술에 가깝습니다. 우리는 러시아어로 된 또 다른 야만성을 받아들여야 할 것 같습니다. 우연의 일치인지는 모르겠지만<лэнд-арт>마지막에 등장한 60년대 선진 사회에서 학생회의 반항적인 정신이 기성 가치를 타도하기 위해 힘을 가하던 시기에.

미니멀리즘(minimal art - 영어: Minimal art) - 예술가. 창작 과정에서 사용되는 재료의 최소한의 변형에서 나오는 흐름, 단순함과 형태의 획일성, 모노크롬, 크리에이티브. 예술가의 자제. 미니멀리즘은 주관성, 재현, 환상주의를 거부하는 것이 특징입니다. 고전을 거부하다 창의성과 전통. 예술적 재료, 미니멀리스트는 산업 및 천연 재료단순한 기하학적 모양과 중간 색상(검정색, 회색), 소량, 직렬, 산업 생산의 컨베이어 방법이 사용됩니다. 창의성이라는 미니멀리즘 개념의 인공물은 생산 과정의 미리 결정된 결과입니다. 회화와 조각에서 가장 완전한 발전을 이룬 미니멀리즘은 넓은 의미에서 예술가의 경제로 해석된다. 기금은 주로 연극과 영화와 같은 다른 형태의 예술에 응용되었습니다.

미니멀리즘은 트랜스에서 미국에서 시작되었습니다. 바닥. 60년대 그것의 기원은 구성주의, 우월주의, 다다이즘, 추상주의, 형식주의 Amer에 있습니다. 1950년대의 회화, 팝 아트. 직접 미니멀리즘의 선구자. 아메르입니다. 화가 F. 스텔라, 그는 1959-60년에 질서정연한 직선이 지배적인 "검은 그림" 시리즈를 발표했습니다. 최초의 미니멀리즘 작품은 1962-63년에 "미니멀리즘"이라는 용어가 등장합니다. 창의성 분석과 관련하여 소개한 R. Walheim에 속합니다. M. 뒤샹환경에 대한 예술가의 개입을 최소화하는 팝 아티스트. 동의어는 "멋진 예술", "ABC 예술", "연속 예술", "기본 구조", "과정으로서의 예술", "체계적 예술"입니다. 페인트 등". 가장 대표적인 미니멀리스트는 - C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. 재료의 자연스러운 질감을 이기기 위해 인공물을 환경에 맞추려는 열망으로 결합되었습니다. D. 제이드"구체적"으로 정의합니다. 대상'으로, 고전적인 것과는 다릅니다. 플라스틱 작업. 기예. 독립적인 조명은 미니멀리스트 아트를 만드는 방법의 역할을 합니다. 상황, 독창적인 공간 솔루션; 작품을 만드는 컴퓨터 방법이 사용됩니다.

최후의 러시아 예술XIX--시작더블 엑스수세기

19세기 말 ~ 20세기 초 사회 및 영적 삶의 모든 영역에서 전환점을 나타냅니다. 러시아는 혁명을 향해 가고 있었다. V. I. 레닌은 1902년에 "우리는 격동의 시기를 겪고 있다"면서 "러시아 역사가 비약적으로 발전하고 있을 때 매년은 때때로 수십 년 이상의 평화로운 기간을 의미하기도 한다"고 썼다. 이 시대의 역사적 현실과 예술의 관계를 이해하는 열쇠는 L. N. 톨스토이에 관한 유명한 일련의 기사에서 V. I. 레닌이 공식화한 입장일 수 있습니다. : "톨스토이의 관점에서 모순은 그의 개인적인 생각의 모순이 아니라, 개혁 이후 러시아 사회의 다양한 계층과 다양한 계층의 심리를 결정한 매우 복잡하고 모순된 조건, 사회적 영향, 역사적 전통의 반영입니다. , 그러나 혁명 이전 시대. 이 레닌주의적 입장은 예술에 대한 역사적 설명의 일반적인 방법론적 원리를 포함하고 있으며, 이는 톨스토이에 대해 말한 내용을 예술 창작 분야 전체로 확장하는 것을 가능하게 합니다.

그러나 이 조항을 단순화해서 이해해서는 안 되며, 어떤 단일 예술 작품에서도 부르주아 체제의 위기나 프롤레타리아 이데올로기의 영향이 직접적으로 감지된다고 생각해서는 안 됩니다. 그것은 예술 전체가 예술 과정의 주요 경향에서 혁명적 폭발로 가득 차 있고 프롤레타리아트를 주도적인 혁명 세력으로 내세우는 후기 부르주아 발전의 모순에 대한 대변인이 된다는 것을 의미할 뿐입니다. 이러한 모순의 깊이와 날카로움의 정도는 이미 예술, 더 나아가 외부 시각으로 접근할 수 있는 세계를 다루는 시각 예술이 오래된 것을 사용하여 새로운 삶의 감각을 표시하는 것이 불가능하다는 의식으로 점차 스며들고 있는 정도입니다. 리얼리즘 방법 - 현실 자체의 형태로 현실을 직접 묘사하는 방법. 19세기 후반과 20세기 초반 미술의 두드러진 특징은 직접 반영하는 형식보다 근대성의 내용을 간접적으로 표현하는 예술적 이미지와 형식의 우위이다.

세기말의 문화

연대순으로 이 기간은 90년대 초에서 1917년 사이에 위치합니다. 1980년대는 19세기 후반의 리얼리즘이 절정에 이르는 과도기적 10년으로 앞서 있다. Repin과 Surikov의 작업에서 동시에 새로운 이해 예술의 싹은 다음 기간에 창조적 인 꽃을 피우는 예술가의 첫 번째 작품에서 발견됩니다.

심화되는 계급투쟁 속에서 사회적 세력이 양극화되는 상황에서 예술의 위치와 역할에 대한 질문이 새롭게 제기되고 수정되고 있다. 예술의 민주화를 위해 삶 자체가 제시한 요구는 예술가 자신이 예리하게 느꼈고, 이 시대의 가장 위대한 거장인 Vrubel, Levitan, Serov, Borisov-Musatov, 특히 방랑자 이후의 첫 번째 주요 예술 그룹인 "예술의 세계" 서클 대표.

1960년대와 1970년대의 혁명적 상황 이후, 러시아에서 폭력적인 정치적 반동이 일어났다. 80년대는 혁명적 포퓰리즘의 위기이자 방랑자들의 미학의 기반이 된 사상적 기틀이 된 시기였다. 이 10년은 레핀과 수리코프의 작품에서 방황 리얼리즘이 가장 많이 꽃을 피우는 시기이자 위기가 시작된 시기였습니다. 동시대 사람들은 이미 그것을 전성기에서 살아남은 현상으로 간주하기 시작했습니다.

1894 년 파트너십의 가장 큰 대표자 인 Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi가 학술 교수직의 일부가되었습니다.

기존 미술의 사회비판적 파토스는 사라지지 않고 크게 변모된다. 중요한 특징 중 하나를 구성하는 비관적 분위기의 근원이었던 현대 세계 질서에 대한 이러한 영원한 문화 이상의 적대감, 환상의 본질을 충분히 인식하면서 조화와 아름다움의 이상을 확인하는 형식을 취합니다. 세기말의 지적 풍토. 아름다움은 이 세상의 재료로 만들어지는 것이 아니라 예술가 자신의 재능과 시적 환상을 희생해서만 발생한다는 의식은 동화, 우화 또는 신화적 플롯에 대한 매력과 바로 그 구조에 반영되었습니다. 외부 현실의 이미지를 민속 표현, 과거의 기억 또는 미래에 대한 막연한 예감의 영역으로 번역한 예술 형식.

19세기 중반 리얼리즘의 분석적 방법. 자신보다 오래 산다. 부르주아 관계의 산문에 대한 예술의 반대는 도덕적, 윤리적, 사회적 색채가 아니라 적절한 미학적 색채를 얻습니다. 부르주아 세계가 가져 오는 주된 악은 아름다움에 대한 무관심, 아름다움 감각의 위축입니다. 예술가의 인본주의적 사명은 이제 예술이 할 수 있는 이 감정의 함양에서 볼 수 있다. "장엄한 이미지로 일상의 작은 일에서 깨어나기 위해 ..."-M. Vrubel이이 작업을 공식화 한 방법입니다. "가장 일관된 형태로이 문제는 공리주의의 억압으로부터의 해방으로 귀결되었습니다. 바로 이 일상의 영역, 즉 일상의 영역에서의 산문.

예술을 삶에 더 가깝게 만드는 작업은 세기 중반의 예술가들과 방랑자들에게 예술에 삶을 반영하는 작업으로 이해되었지만 예술 자체는 여전히 박물관의 벽에 의해 현실과 격리되어 있습니다. 19세기 후반의 예술가들 예술을 삶에 더 가깝게 만드는 공식을 받아들인다. 직접적인 의미- 예술에 생명을 불어넣고 주변 세계의 아름다움을 변화시키는 임무로.

회화, 조각 작품은 미술관을 떠나 사람의 환경을 구성하는 일상의 사물, 건축과 함께 일상의 일부가 되어야 합니다. 그러나 이를 위해서는 모양과 색상의 구성에서 직물 자체의 예술 작품이 환경과 조화를 이루어야 하며 하나의 앙상블을 구성해야 합니다. 이 통일성은 19세기 후반과 20세기 초반의 예술가들의 노력이 지시한 창작을 향한 스타일, 공간 예술의 전체 분야를 관통하는 형성의 법칙을 제공하는 스타일에 의해 제공됩니다. 러시아에서는 아르누보라는 이름을 받았습니다.

고려 중인 기간의 예술 의식의 깊은 변화는 V. I. 레닌의 말에 따르면 "전 인민의 혁명" 2 인 1905-1907년의 혁명에 의해 이루어졌습니다. 물론 이러한 예술적 의식의 변화는 즉시 드러나지 않았으며 그 방향은 러시아 예술의 이전 발전 과정 전체에 의해 결정되었습니다. 고려중인 시대의 전환점은 발전의 내부 갈등, 개별 예술가 그룹 간의 공공연한 또는 은밀한 논쟁의 관계, 만화경의 다양성에서 서로를 대체하는 관계, 점진적으로 증가하는 예술적 진화의 신속성, 특히 이후에 예술에 표현되었습니다. 1910. 특히 현대 - 러시아 및 서유럽의 순수 예술 문제에 전념하는 정기 간행물 및 기타 유형의 간행물 수의 증가뿐만 아니라 전시 생활의 활동.

이 과정에서 큰 역할은 18세기 러시아 미술에 대한 자신의 전시회와 회고전을 조직한 예술가 그룹 "예술의 세계"에 속했으며, 두 잡지 모두에서 매우 인기 있는 같은 이름의 잡지를 6년 동안 발행했습니다. 예술가들 사이에서, 그리고 광범위한 젊은이들과 지식인들 사이에서. . World of Art는 서유럽의 거장들이 전시회에 참가하도록 유치함으로써 러시아 미술과 외국 현대 미술의 접촉을 확대하는 데 기여했습니다. 유럽의 사립 학교와 스튜디오에서 젊은 러시아 예술가에 대한 연구는 흔한 일이 되고 있습니다. 상트 페테르부르크를 중심으로 한 "예술 세계"의 활동은 모스크바의 예술 세력 통합 과정을 자극하여 1903년 "러시아 예술가 연합"이라는 새로운 예술 협회의 출현으로 이어졌습니다. . 일반적으로 그래픽 숭배와 함께 상트 페테르부르크 "예술의 세계"추세와 관련하여 모스크바 회화 학교의 자기 결정은 검토 기간 동안 예술 발전의 필수 요소로 주목해야합니다.

이 시기의 또 다른 중요한 특징은 건축, 예술 및 공예, 책 그래픽, 조각 및 연극 풍경이 회화 옆에 있는 특정 유형의 예술의 이전에 고르지 못한 발전의 정렬입니다. 세기 중반의 예술을 구별했던 이젤 그림의 패권은 과거의 일입니다. 순수 예술의 적용 범위가 비정상적으로 확장되는 상황에서 "모든 것을 할 수 있는" 새로운 유형의 보편적인 예술가가 형성되고 있습니다. 조각품을 조각하고 연극 의상을 만듭니다. 그러한 보편주의의 특징은 "세계 예술"의 예술가 인 M. Vrubel의 작업을 특징으로합니다.

예술적 보편주의의 숭배는 산업가이자 자선가인 S. I. Mamontov를 중심으로 그룹화된 예술가들 사이에서 군림했습니다. 1872년에 설립되었고 모스크바 근처의 Abramtsevo를 "거주"로 두고 있는 이 서클은 일종의 아이디어와 새로운 러시아 예술 형식의 위조품이 되었습니다. 서클의 활동은 점차적으로 연극 장식 및 장식 응용 예술, 민속 예술의 부흥을 향한 방향을 얻습니다. 수공예품이 수집되고 민속 모티프는 대중적인 지문, 자수, 장난감, 나무 조각에서 순수 예술로 연구됩니다.

1990년대 포퓰리즘 운동의 위기와 함께 러시아 과학에서 이른바 '19세기 리얼리즘의 분석적 방법'은 구식이 되고 있다. 방랑자 중 많은 사람들이 창의적인 쇠퇴를 경험하고 재미있는 장르 그림의 "소규모"로 들어갔습니다. 페로프의 전통은 S.V. 이바노프, K.A. 코로빈, V.A. 세로프 등.

복잡한 삶의 과정은 이 시대의 다양한 예술적 삶의 형태를 결정했습니다. 회화, 연극, 음악, 건축 등 모든 유형의 예술은 예술적 언어의 갱신과 높은 전문성을 상징합니다.

세기의 전환기의 화가들에게 있어 방랑자들의 표현 방식과 다른 표현 방식이 특징적입니다. 다른 형태의 예술적 창의성은 설명과 내러티브가 없는 모순적이고 복잡하며 현대성을 반영하는 이미지입니다. 예술가들은 조화와 아름다움이 근본적으로 동떨어진 세계에서 고통스럽게 조화와 아름다움을 추구한다. 그렇기 때문에 많은 사람들이 미적 감각을 키우는 사명을 보았습니다. 공적 생활의 변화에 ​​대한 기대인 "이브"의 이 시간은 많은 경향, 연상, 그룹화, 다른 세계관과 취향의 충돌을 일으켰습니다. 그러나 그것은 또한 "고전적인" 방랑자들 이후에 등장한 전체 세대의 예술가들의 보편주의를 일으켰습니다. V.A의 이름 만 이름을 지정하면 충분합니다. 세로프와 M.A. 브루벨.

러시아 예술, 특히 18세기의 대중화와 서유럽 예술의 대중화에서 서유럽의 거장들을 전시회로 끌어들이는 데 중요한 역할은 World of Art 협회의 예술가들에 의해 수행되었습니다. 상트페테르부르크에서 최고의 예술적 힘을 모은 "Miriskusniki"는 자신의 잡지를 출판했는데, 그 존재 자체만으로도 "러시아 예술가 연합"의 창설인 모스크바의 예술적 힘의 통합에 기여했습니다.

플레인 에어 페인팅의 인상주의적 교훈, "무작위 프레이밍"의 구성, 폭넓은 자유로운 회화 방식 - 이 모든 것은 세기 전환기의 모든 장르에서 회화 수단의 발전이 진화한 결과입니다. "아름다움과 조화"를 찾기 위해 예술가들은 기념비적인 그림과 연극 풍경에서 책 디자인과 예술과 공예에 이르기까지 다양한 기법과 예술 형식을 시도합니다.

세기의 전환기에 주로 건축(오랜 기간 동안 절충주의가 지배함)에서 시작하여 아르누보 스타일이라고 하는 그래픽으로 끝나는 모든 조형 예술에 영향을 미치는 스타일이 개발되었습니다. 이 현상은 모호하지 않습니다. 현대에는 주로 부르주아 취향을 위해 고안된 퇴폐적 인 허식, 허세가 있지만 그 자체로 중요한 스타일의 통일성에 대한 열망도 있습니다. 아르누보는 건축, 회화 및 장식 예술의 종합의 새로운 단계입니다.

시각 예술에서 Art Nouveau는 다음과 같이 나타났습니다. 조각 - 형태의 유동성, 실루엣의 특별한 표현력, 구성의 역동성; 그림에서 - 이미지의 상징주의, 우화에 대한 중독.

아르누보의 등장이 세기말까지 방황의 사상이 사라진 것은 아니다. 장르 회화는 1990년대에 발전했지만 1970년대와 1980년대의 "고전적인" 방랑 운동과는 다소 다르게 발전했습니다. 따라서 농민 주제는 새로운 방식으로 드러납니다. 농촌 공동체의 분열은 Sergei Alekseevich Korovin(1858-1908)이 그림 "On the World"(1893, State Tretyakov Gallery)에서 비난적으로 묘사하여 강조됩니다. Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930)는 "Washerwomen"(1901, State Tretyakov Gallery) 그림에서 힘들고 지친 작업에서 존재의 활력을 보여줄 수있었습니다. 그는 새로운 그림의 발견, 색과 빛의 가능성에 대한 새로운 이해 덕분에 이를 상당 부분 달성했습니다.

과묵함, "하위 텍스트", 잘 발견된 표현적인 세부 사항은 Sergei Vasilyevich Ivanov(1864-1910)의 그림 "On the Road"를 훨씬 더 비극적으로 만듭니다. 정착민의 죽음"(1889, State Tretyakov 갤러리). 울부짖는 듯 튀어나온 기둥은 전경에 묘사된 죽은 남자나 그를 바라보며 울부짖는 여자보다 훨씬 더 액션을 극화한다. Ivanov는 1905년 혁명에 전념한 작품 중 하나인 "Execution"을 소유하고 있습니다. 마치 우연히 액자를 훔친 것처럼 "부분 구성"의 인상주의 기법이 여기에 보존됩니다. 집 줄, 군인 줄, 시위대 그룹의 윤곽이 그려지고 전경에서 조명이 켜진 광장에 태양, 총에 맞아 죽임을 당하고 도망가는 개의 모습. Ivanov는 선명한 명암 대비, 사물의 표현적인 윤곽, 잘 알려진 이미지의 평면도가 특징입니다. 그의 혀는 정교하다.

XIX 세기의 90 년대. 예술가는 예술에 들어가 노동자를 작품의 주인공으로 만든다. 1894년 N.A. Kasatkina (1859-1930) "광부"(TG), 1895년 - "석탄 광부. 변화".

세기의 전환기에 Surikov와는 약간 다른 발전 경로가 역사적 주제에 설명되어 있습니다. 예를 들어 Andrei Petrovich Ryabushkin(1861–1904)은 순수한 역사적 장르보다 역사적 장르에서 더 많이 작업합니다. "교회 안의 17세기 러시아 여성"(1899, State Tretyakov 갤러리), "모스크바의 결혼식 기차. XVII 세기"(1901, State Tretyakov 갤러리), "그들이오고 있습니다. (17세기 말 외국 대사관이 모스크바에 입성하는 동안 모스크바 사람들)"(1901, 러시아 박물관), "휴일에 17 세기의 Moskovskaya 거리"(1895, 러시아 박물관) 등. - 17세기 모스크바 생활의 일상적인 장면입니다. Ryabushkin은 진저 브레드의 우아함, 다색, 패턴으로 금세기에 특히 매료되었습니다. 작가는 Surikov의 기념비주의와 그의 평가와는 거리가 먼 미묘한 양식화로 이어지는 17 세기의 과거 세계를 미학적으로 존경합니다. 역사적 사건들. Ryabushkin의 양식화는 이미지의 평면성, 플라스틱 및 선형 리듬의 특수 시스템, 밝은 주요 색상을 기반으로 한 색 구성표, 일반적인 장식 솔루션에 반영됩니다. Ryabushkin은 예를 들어 The Wedding Train...에서 지역 색상을 들판 풍경에 대담하게 도입합니다. - 마차의 붉은 색, 어두운 건물과 눈 배경에 대한 축제 의상의 큰 점 최고의 색상 뉘앙스. 풍경은 항상 러시아 자연의 아름다움을 시적으로 전달합니다. 사실, 때때로 Ryabushkin은 "차 마시기"(판지, 구 아슈, 템페라, 1903, 러시아 박물관) 그림과 같이 일상 생활의 특정 측면을 묘사 할 때 아이러니 한 태도를 특징으로합니다. 손에 쟁반을 들고 정면에 앉아 있는 정적인 인물들에서 야비함, 지루함, 졸음이 읽히며, 우리는 쁘띠부르주아적 삶의 억압적인 힘, 이 사람들의 한계도 느낀다.

Apollinary Mikhailovich Vasnetsov(1856-1933)는 그의 역사적 작곡에서 풍경에 훨씬 더 많은 관심을 기울입니다. 그가 가장 좋아하는 주제는 17세기이기도 하지만 일상적인 장면이 아니라 모스크바의 건축입니다. ("Kitay-gorod의 거리. 17세기 초", 1900, 러시아 박물관). 그림 "17세기 말 모스크바. At Dawn at Resurrection Gates(1900, State Tretyakov Gallery)는 Vasnetsov가 직전에 풍경을 스케치한 Mussorgsky의 오페라 Khovanshchina의 도입부에서 영감을 받았을 것입니다.

오전. Vasnetsov는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교(1901-1918)의 조경 수업에서 가르쳤습니다. 이론가로서 그는 책 Art에서 자신의 견해를 설명했습니다. 회화의 예술을 정의하는 개념을 분석한 경험”(Moscow, 1908)에서 그는 예술의 사실적인 전통을 옹호했습니다. Vasnetsov는 또한 러시아 예술가 연합의 창립자였습니다.

민속 예술적 전통이 완전히 특별한 방식으로 숙달되고 현대 미술의 언어로 번역된 새로운 유형의 그림은 젊었을 때 도상 그림에 종사했던 Philip Andreevich Malyavin(1869-1940)에 의해 만들어졌습니다. 아토스 수도원을 거쳐 레팽의 예술 아카데미에서 공부했습니다. 그의 '여성'과 '소녀' 이미지는 상징적 의미- 건강한 토양 러시아. 그의 그림은 항상 표현력이 풍부하며, 일반적으로 이젤 작품이지만 작가의 붓 아래에서 기념비적이고 장식적인 해석을 받습니다. "웃음"(1899, 베니스 현대 미술관), "회오리 바람"(1906, State Tretyakov Gallery)은 전염성이 있는 큰 소리로 웃거나 동그랗게 춤을 추며 걷잡을 수 없이 돌진하는 시골 소녀들을 사실적으로 묘사하지만, 이 사실주의는 세기 후반. 그림은 휩쓸고 스케치하며 질감이있는 획으로 형태가 일반화되고 공간적 깊이가 없으며 일반적으로 그림이 전경에 위치하고 전체 캔버스를 채 웁니다.

Malyavin은 그의 그림에서 표현적인 장식주의와 자연에 대한 현실적인 충실도를 결합했습니다.

주제에 고대 러시아, 그 이전의 많은 대가들처럼 Mikhail Vasilievich Nesterov(1862-1942)는 이렇게 말하지만 러시아의 이미지는 작가의 그림에서 자연과 조화를 이루는 일종의 이상적이고 거의 매혹적인 세계로 나타나지만 전설처럼 영원히 사라졌습니다. 키테즈시. 모든 나무와 풀잎 앞에서 자연에 대한 이 예리한 감각, 세계에 대한 기쁨은 특히 네스테로프의 혁명 이전 시대의 가장 유명한 작품 중 하나인 "젊은 바르톨로메오의 환상"(1889-1890, 국가 Tretyakov 갤러리). 그림의 줄거리를 공개하면서 랴부쉬킨과 같은 문체적 특징이 있지만, 자연의 아름다움에 대한 깊은 서정적 감각은 변함없이 표현되며, 이를 통해 인물의 높은 영성, 깨달음, 소외 세상적인 소란이 전해진다.

Radonezh의 Sergius의 이미지로 전환하기 전에 Nesterov는 "The Bride of Christ"(1887, 위치 미상), "The Hermit"(1888, 러시아 박물관, 1888– 1889, State Tretyakov Gallery), 높은 영성과 조용한 사색의 이미지를 만듭니다. 그는 Radonezh의 Sergius 자신에게 몇 가지 더 많은 작품을 헌정했습니다. 1899, 국립 러시아 박물관).

뮤직비디오 Nesterov는 VM과 함께 많은 종교적 기념비적 그림을 그렸습니다. Vasnetsov는 키예프 블라디미르 대성당을 독립적으로 그렸습니다. Abastuman (조지아)의 수도원과 모스크바의 Marfo-Marinsky 수도원. 벽화는 항상 고대 러시아 테마에 전념합니다(예: 조지아에서 - Alexander Nevsky). Nesterov의 벽화에는 성인의 이미지에서 특히 풍경, 초상화 특징에서 많은 실제 표시가 관찰되었습니다. 우아함, 장식성, 조형 리듬의 세련된 정교함의 구성을 평면적으로 해석하려는 작가의 노력에는 의심할 여지 없는 아르누보의 영향이 나타났습니다.

이 시대의 특징인 양식화는 대체로 Nesterov의 이젤 작품에 영향을 미쳤습니다. 이것은 여성의 운명에 바쳐진 최고의 그림 중 하나인 "Great Tongue"(1898, 러시아 박물관)에서 볼 수 있습니다. 의도적으로 평평한 수녀, "chernitsa"와 "belitsa", 일반화된 실루엣, 마치 느린 의식 밝고 어두운 반점의 리듬 - 밝은 자작 나무와 거의 검은 전나무가있는 인물과 풍경. 그리고 항상 Nesterov와 마찬가지로 풍경은 주요 역할 중 하나입니다. 작가는 "나는 러시아 풍경을 좋아한다"며 "그 배경을 배경으로 왠지 더 낫고 러시아인의 삶의 의미와 러시아인의 영혼을 더 명확하게 느낄 수 있다"고 썼다.

풍경 장르 자체도 19세기 말에 새로운 방식으로 발전한다. 사실 레비탄은 풍경 속에서 방랑자들에 대한 탐색을 완료했다. 세기의 전환기의 새로운 단어는 K.A. 코로빈, V.A. 세로프와 M.A. 브루벨.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939)의 초기 풍경에서 이미 흰색에 회색, 흰색에 검은색, 회색에 회색을 쓰는 순전히 그림 문제가 해결되었습니다. Savrasovsky 또는 Levitanovsky와 같은 "개념적" 풍경(M.M. Allenov의 용어)은 그에게 관심이 없습니다.

뛰어난 컬러리스트 Korovin에게 세상은 "색채의 폭동"으로 나타납니다. 천부적으로 타고난 재능을 지닌 코로빈은 초상화와 정물을 모두 작업했지만 여전히 풍경이 가장 좋아하는 장르라고 해도 과언이 아닙니다. 그는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교 - Savrasov 및 Polenov의 교사들의 강력한 사실적 전통을 예술에 도입했지만 세계에 대한 다른 견해를 가지고 있으며 다른 작업을 설정합니다. 그는 일찍이 1883년 합창단 소녀의 초상화에서 플레인 에어리즘을 그리기 시작했으며, 나중에 Abramtsevo의 S. Mamontov 저택에서 만든 여러 초상화에서 구현된 플레인 에어리즘 원칙의 독립적인 발전을 볼 수 있습니다. ( "In the Boat", State Tretyakov Gallery, T. S. Lyubatovich의 초상화, State Russian Museum 등), S. Mamontov의 북쪽 탐험 중에 실행 된 북부 풍경에서 ( "Winter in Lapland", State Tretyakov Gallery ). "Parisian Lights"라는 제목으로 통합된 그의 프랑스 풍경은 이미 최고 수준의 에뛰드 문화를 지닌 완전히 인상주의적인 그림입니다. 대도시 생활에 대한 날카롭고 즉각적인 인상: 하루 중 다른 시간의 조용한 거리, 가벼운 공기 환경에 용해된 물체, 역동적이고 "떨리는" 진동 스트로크, 수천 개의 다른 증기로 포화된 도시 공기나 비의 커튼의 환상 - 마네, 피사로, 모네의 풍경을 연상시키는 기능. Korovin은 변덕스럽고 감정적이며 충동적이고 연극적이기 때문에 그의 풍경에 밝은 색상과 낭만적인 고양감이 있습니다("Paris. Capuchin Boulevard", 1906, State Tretyakov Gallery; "Paris at night. Italian Boulevard." 1908, State Tretyakov Gallery). Korovin은 인상주의 에튀드, 회화적 거장, 다른 모든 장르, 주로 초상화와 정물뿐만 아니라 장식 패널, 응용 예술, 연극 풍경에서 그가 평생을 바쳤던 다른 모든 장르의 눈에 띄는 예술성과 같은 동일한 특징을 유지합니다(초상화 Chaliapin, 1911, 러시아 박물관, "생선, 와인 및 과일" 1916, State Tretyakov 갤러리).

그림에 대한 Korovin의 관대한 재능은 연극 및 장식 그림에서 훌륭하게 나타났습니다. 연극 화가로서 그는 Abramtsevo Theatre(그리고 Mamontov는 아마도 그를 연극 예술가로서 처음으로 인정했을 것입니다), 모스크바 예술 극장, 샬리아핀과 평생의 우정이 시작된 모스크바 개인 러시아 오페라에서 일했습니다. Diaghilev 기업. 코로빈은 연극의 풍경과 연극에서의 예술가의 중요성을 새로운 차원으로 끌어올렸고, 극장에서 예술가의 역할을 이해하는 데 일대 혁명을 일으켰고 그의 다채롭고 "장대한" 풍경으로 동시대인들에게 큰 영향을 미쳤다. 뮤지컬 공연의 본질을 드러낸다.

세기의 전환기에 러시아 회화의 혁신가인 가장 위대한 예술가 중 한 사람은 Valentin Aleksandrovich Serov(1865-1911)였습니다. 그의 "복숭아를 든 소녀"(Verusha Mamontova의 초상화, 1887, State Tretyakov Gallery)와 "Girl Illuminated by the Sun"(Masha Simanovich의 초상화, 1888, State Tretyakov Gallery)은 러시아 회화의 전체 단계를 나타냅니다. Serov는 러시아 음악 문화의 저명한 인물들 사이에서 자랐고(그의 아버지는 유명한 작곡가이고 어머니는 피아니스트임), Repin과 Chistyakov에게 공부하고, 유럽에서 최고의 박물관 컬렉션을 연구하고, 해외에서 돌아와서 Abramtsevo 서클에 들어갔습니다. . Abramtsevo에서는 위에서 언급한 두 개의 초상화가 그렸고, 여기서부터 자신만의 밝고 시적인 세계관으로 예술에 입문한 Serov의 영광이 시작되었습니다. Vera Mamontova는 테이블에 차분한 포즈로 앉아 있고, 복숭아는 그녀 앞에 흰색 식탁보에 흩어져 있습니다. 그녀 자신과 모든 물체는 가장 복잡한 빛과 공기 환경에서 제시됩니다. 햇빛은 식탁보, 옷, 벽 접시, 칼에 떨어집니다. 탁자에 앉아 있는 묘사된 소녀는 이 모든 물질적 세계와 유기적으로 일치하고 조화를 이루며 생동감 넘치는 떨림, 내적 움직임으로 가득 차 있습니다. 훨씬 더 큰 범위로, 플레인 에어 페인팅의 원칙은 야외에서 바로 그린 예술가의 사촌 Masha Simanovich의 초상화에 반영되었습니다. 여기의 색상은 서로 복잡한 상호 작용으로 제공되며, 여름날의 분위기를 완벽하게 전달하며, 색상 반사는 나뭇잎 사이로 미끄러지는 태양 광선의 환상을 만듭니다. 세로프는 스승 레핀의 비판적 사실주의에서 "시적 사실주의"(D.V. 사라비아노프의 용어)로 출발한다. Vera Mamontova와 Masha Simanovich의 이미지는 삶의 기쁨, 밝은 존재감, 밝은 승리의 젊음으로 가득 차 있습니다. 이것은 "우연의 원리"가 특징인 "가벼운" 인상주의 회화, 복잡한 빛 공기 환경의 인상을 만드는 역동적이고 자유로운 붓놀림으로 조각된 형태에 의해 달성되었습니다. 그러나 인상파와 달리 세로프는 이 환경에서 대상을 분해하지 않아 비물질화되고 그의 구성이 안정성을 잃지 않으며 대중은 항상 균형을 이룹니다. 그리고 가장 중요한 것은 모델의 통합 일반화 특성을 잃지 않는다는 것입니다.

Serov는 종종 작가, 예술가, 예술가와 같은 예술적 지식인의 대표자를 그립니다(K. Korovin의 초상화, 1891, State Tretyakov Gallery; Levitan, 1893, State Tretyakov Gallery; Yermolova, 1905, State Tretyakov Gallery). 그는 모두 다르고 개별적으로 깊이 해석하지만 모든 것에는 지적 배타성과 영감을 주는 창조적 삶의 빛이 있습니다. Yermolova의 모습은 고대 기둥 또는 오히려 고전적인 동상과 유사하며 캔버스의 수직 형식으로 더욱 향상됩니다. 그러나 가장 중요한 것은 아름답고 자랑스럽고 모든 사소하고 헛된 것에서 분리 된 얼굴입니다. 착색은 검은 색과 회색의 두 가지 색상 조합으로 만 결정되지만 다양한 색조로 결정됩니다. 내러티브가 아닌 순수한 회화적 수단으로 만들어낸 이 이미지의 진실은 20세기 초 격동의 시대에 젊음을 흔들었던 절제되지만 깊이 관통하는 그녀의 연극으로 Yermolova의 바로 그 성격과 일치했습니다.

Yermolova 정문 초상화입니다. 그러나 Serov는 다른 모델을 선택하고 동일한 장르의 형식 초상화에서 실제로 동일한 표현 수단으로 완전히 다른 캐릭터의 이미지를 만들 수 있었던 훌륭한 마스터입니다. 따라서 Orlova 공주 (1910-1911, 러시아 박물관)의 초상화에서 일부 세부 사항은 과장되어 있습니다 (거대한 모자, 너무 긴 등, 날카로운 무릎 각도), 내부의 고급 스러움에 대한 강조된 관심은 단편적으로 만 전달됩니다. , 도둑맞은 틀(의자의 일부, 그림, 탁자 모서리)처럼 주인이 거만한 귀족의 거의 그로테스크한 ​​이미지를 만들 수 있도록 합니다. 그러나 그의 유명한 "Peter I"(1907, State Tretyakov Gallery) (그림의 Peter는 단순히 거대함)의 동일한 기괴함을 통해 Serov는 차르의 격렬한 움직임과 그를 쫓는 궁정의 격렬한 움직임을 묘사 할 수 있으며 이미지로 이어집니다. 그것은 올로바의 초상화에서처럼 아이러니한 것이 아니라 전체 시대의 의미를 전달하는 상징적이다. 예술가는 영웅의 독창성을 존경합니다.

초상화, 풍경, 정물, 국내, 역사 그림; 오일, 구 아슈, 템페라, 숯 - Serov가 작동하지 않는 그림 및 그래픽 장르와 사용하지 않을 재료를 모두 찾기가 어렵습니다.

Serov의 작업에서 특별한 주제는 농민입니다. 그의 농민 장르에는 순회하는 사회적 날카로움이 없지만 농민 생활의 아름다움과 조화에 대한 감각, 러시아 사람들의 건강한 아름다움에 대한 감탄이 있습니다 (지도상의 "마을에서. 말을 탄 여자" , 파스텔, 1898, State Tretyakov 갤러리). 겨울 풍경은 은빛 진주 색상 범위로 특히 절묘합니다.

Serov는 역사적인 주제를 자신의 방식으로 해석했습니다. Elizabeth와 Catherine II의 즐거움 산책과 함께 "왕실 사냥"은 아이러니하지만 18세기 삶의 아름다움에 변함없이 감탄하는 새로운 시대의 예술가에 의해 전달되었습니다. 18 세기에 대한 Serov의 관심은 World of Art의 영향과 러시아 대공, 차르 및 제국 사냥의 역사 출판 작업과 관련하여 발생했습니다.

Serov는 현실에 대한 새로운 형태의 예술적 실현을 끊임없이 모색하는 깊이 생각하는 예술가였습니다. 아르누보에서 영감을 받아 평평함과 장식성 증가에 대한 아이디어는 역사적 구성뿐만 아니라 댄서 Ida Rubinstein의 초상화, Europa의 납치, The Odyssey and Navzikai(둘 모두 1910, State Tretyakov Gallery)에 반영되었습니다. , 판지, 온도). Serov가 그의 삶의 마지막에 고대 세계로 변한다는 것은 중요합니다. 그가 자유롭게 해석한 시적 전설에서, 그는 고전적인 규범 밖에서 예술가가 그의 모든 작업을 바친 조화를 찾고 싶어합니다.

Verusha Mamontova의 초상화와 Abduction of Europe이 같은 거장에 의해 그렸다는 것이 한 번에 믿기 어렵습니다. Serov는 80년대와 90년대의 초상화와 풍경의 인상주의적 진정성에서 역사적인 아르누보에 이르기까지 그의 진화에서 매우 다재다능합니다. 고대 신화의 모티브와 구성.

Mikhail Aleksandrovich Vrubel(1856–1910)의 창의적인 길은 더 직접적이었지만 동시에 비정상적으로 복잡했습니다. 예술 아카데미(1880) 이전에 Vrubel은 St. Petersburg University의 법학부를 졸업했습니다. 1884년에 그는 키예프로 가서 성 시릴 교회의 프레스코화 복원을 감독했고 몇 가지 기념비적인 작품을 직접 만들었습니다. 그는 블라디미르 대성당의 벽화를 수채화로 스케치합니다. 고객이 비표준적이고 표현력에 두려워했기 때문에 스케치는 벽으로 전송되지 않았습니다.

작가가 모스크바에 정착한 90년대에는 신비에 가깝고 거의 마귀의 힘을 지닌 브루벨의 문체가 형성되었는데, 이는 어느 것과도 혼동될 수 없다. 그는 내부에서 빛나는 것처럼 다양한 색상의 날카로운 "각면 처리된" 조각으로 모자이크처럼 모양을 조각합니다("페르시아 카펫을 배경으로 한 소녀", 1886, KMRI; "점쟁이", 1895, State Tretyakov 갤러리). . 색상 조합은 색상 관계의 현실을 반영하지 않지만 상징적 의미를 갖습니다. 자연은 브루벨을 지배할 힘이 없습니다. 그는 그녀를 알고 그녀를 완벽하게 소유하지만 현실과 거의 흡사한 자신만의 판타지 세계를 만듭니다. 이런 의미에서 브루벨은 인상파(문학에서 자연주의자들과 동일하다고 우연히 언급되지 않은 인상파)와 대립합니다. 왜냐하면 그는 결코 현실에 대한 직접적인 인상을 고치려고 하지 않기 때문입니다. 그는 추상적으로 해석하는 문학적 주제에 끌리며 위대한 영적 힘의 영원한 이미지를 창조하려고 노력합니다. 그래서 악마를 위한 삽화를 취한 그는 곧 직접 삽화의 원칙("타마라의 춤", "울지 마라, 꼬마야, 헛되이 울지 마라", "관 속의 타마라" 등)의 원칙에서 벗어났다. 그리고 이미 같은 1890 년에 그의 "앉아있는 악마"를 만듭니다. 사실, 음모가 없지만 이미지는 Mephistopheles, Faust, Don Juan의 이미지와 같이 영원합니다. 악마의 이미지는 Vrubel의 전체 작업, 주요 테마의 중심 이미지입니다. 1899년에 그는 "비행 악마", 1902년에 "압도당한 악마"를 썼습니다. Vrubel의 악마는 무엇보다도 고통받는 생물입니다. 고통은 그 안에있는 악을 압도하며 이것이 이미지에 대한 국가 러시아 해석의 특징입니다. 동시대 사람들은 올바르게 언급했듯이 그의 "악마"에서 지식인의 운명의 상징을 보았습니다. 낭만적 인 사람은 조화가없는 현실에서 반항적으로 탈출하려고 시도했지만 꿈의 비현실적인 세계로 뛰어 들었지만 지구의 거친 현실에 뛰어 들었습니다. . 이 예술적 세계관의 비극은 또한 Vrubel의 초상화 특성을 결정합니다: 영적 불화, 그의 자화상 붕괴, 경계, 거의 공포, 그러나 또한 장엄한 힘, 기념비 - S. Mamontov의 초상화(1897, State Tretyakov Gallery) , 혼란, 불안 - "Princess -Swan"(1900, State Tretyakov Gallery)의 멋진 이미지에서, 심지어 장식 패널 "Spain"(1894, State Tretyakov 갤러리)과 "Venice"(1893, 러시아 박물관)에서 처형되었습니다. E.D의 저택 Dunker, 평화와 평온은 없습니다. Vrubel 자신은 "일상 생활의 작은 것들에서 장엄한 이미지로 영혼을 깨우는 것"이라는 자신의 임무를 공식화했습니다.

이미 언급한 기업가이자 자선가인 Savva Mamontov는 Vrubel의 삶에서 매우 중요한 역할을 했습니다. Abramtsevo는 Vrubel을 Rimsky-Korsakov와 연결했습니다. 그의 작품의 영향으로 예술가는 백조 공주를 쓰고 Volkhova, Mizgir 등의 조각품을 공연했습니다. Abramtsevo에서 그는 기념비적이고 이젤 그림을 많이 그렸고 민속으로 변했습니다. 동화, 서사시에 대한 결과는 "Mikula Selyaninovich", "영웅"패널이었습니다. Vrubel은 마졸리카로 조각품을 만들기 위해 도자기에 손을 대고 있습니다. 그는 이교도인 러시아와 그리스, 중동과 인도에 관심이 있습니다. 인류의 모든 문화, 그가 이해하고자 하는 예술적 기법입니다. 그리고 인상을 받을 때마다 그는 자신의 세계관의 독창성을 모두 반영하는 심오한 상징적 이미지로 변모했습니다.

Vrubel은 세기의 전환기에 풍경, 초상화, 책 삽화의 장르에서 가장 성숙한 그림과 그래픽 작품을 만들었습니다. 캔버스 또는 시트의 조직 및 장식 평면 해석, 실제와 환상의 결합, 이 시기의 그의 작품에서 장식적이고 리드미컬하게 복잡한 솔루션에 대한 헌신에서 근대성의 특징이 점점 더 스스로를 주장하고 있습니다.

K. Korovin과 마찬가지로 Vrubel은 극장에서 많이 일했습니다. 그의 최고의 풍경은 모스크바 개인 오페라 무대에서 Rimsky-Korsakov의 오페라 The Snow Maiden, Sadko, Tale of Tsar Saltan 및 기타, 즉 러시아 민속과 "소통"할 수있는 기회를 준 작품에 대해 수행되었습니다. , 동화, 전설.

재능의 보편성, 무한한 상상력, 고귀한 이상을 긍정하는 비범한 열정은 Vrubel을 그의 동시대 사람들과 구별합니다.

누구보다 찬란한 브루벨의 작업은 이정표 시대의 모순과 고통스러운 투구를 반영했다. 브루벨의 장례식 날 브누아는 이렇게 말했습니다. 미래 세대는... 19세기의 마지막 수십 년을 "브루벨의 시대"로 회고할 것입니다... 우리 시대가 할 수 있는 가장 아름답고 가장 슬픈 것으로 표현된 것은 그에게서였습니다.

Vrubel과 함께 우리는 "혁명주의 이데올로기"(P. Sapronov)와 접촉하지 않는 러시아 상트페테르부르크 문화의 마지막 시대인 "실버 에이지(Silver Age)"의 새로운 세기로 들어서고 있습니다. “오랫동안 문화적인 힘이 아닌 독재와 국가와 함께.” 세기의 시작은 러시아 철학 및 종교 사상의 부상, 최고 수준의 시(Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub의 이름으로 충분함)와 관련이 있습니다. 드라마 및 뮤지컬 극장, 발레; 18 세기 러시아 예술의 "발견"(Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), 늙은 러시아 아이콘 그림; 세기 초부터 회화와 그래픽의 가장 뛰어난 전문성. 하지만 " 실버 에이지"혁명적 재앙으로 향하고 있던 러시아에서 임박한 비극적 인 사건에 직면하여 "상아 탑"과 상징주의의 시학에 계속 머물면서 무력했습니다.

Vrubel의 작업이 예술과 문학의 상징주의의 일반적인 방향과 상관 관계가있을 수 있다면 위대한 예술가와 마찬가지로 그는 방향의 경계를 파괴했지만 Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905)는 그림 상징주의의 직접적인 지수입니다 그리고 순수 미술의 최초의 회고주의자 중 한 명인 러시아 국경의 예술. 당시 비평가들은 그를 "회고주의의 몽상가"라고 부르기까지 했다. 첫 번째 러시아 혁명 직전에 사망 한 Borisov-Musatov는 빠르게 삶에 침투하고있는 새로운 분위기에 대해 완전히 귀머거리로 판명되었습니다. 그의 작품은 시간과 장소의 외적 표시가 없는 일종의 시대를 초월한 의상을 입고 영적이고 거의 비현실적인 아름다운 여성을 위한 비어 있는 오래된 "고귀한 둥지"와 죽어가는 "벚꽃 과수원"에 대한 애가적 슬픔입니다.

그의 이젤 작품은 무엇보다도 장식 패널이 아니라 태피스트리와 비슷합니다. 공간은 극도로 조건적이고 평면적인 방식으로 해결되며, 그 인물들은 예를 들어 그림 "연못"(1902, 템페라, State Tretyakov Gallery)에서 연못 옆의 소녀들이 꿈꾸는 명상에 잠겨있는 것처럼 거의 미묘합니다. 깊은 묵상. 색이 바랜 옅은 회색 음영은 인간의 이미지뿐만 아니라 그가 묘사하는 자연까지 확장되는 허약하고 소름 끼치는 아름다움과 허약하고 유령 같은 전반적인 인상을 향상시킵니다. Borisov-Musatov가 그의 작품 중 하나를 "Ghosts"(1903, 템페라, State Tretyakov Gallery)라고 부른 것은 우연이 아닙니다. 조용하고 비활동적인 여성 인물, 계단 옆의 대리석 조각상, 반쯤 벗은 나무-파란색의 희미한 범위, 회색, 자주색 톤은 묘사된 유령을 향상시킵니다.

과거에 대한 이러한 갈망은 보리소프-무사토프를 1898년 상트페테르부르크에서 발생하여 당시 러시아의 예술 엘리트인 최고 예술 문화의 거장들을 하나로 묶은 세계 예술의 예술가들과 관련이 있게 만들었습니다. (그런데 "예술의 세계"는 Borisov-Musatov의 예술을 이해하지 못하고 예술가의 삶이 끝날 때만 그것을 인식했습니다.) "예술의 세계"의 시작은 저녁에 집에서 이루어졌습니다. 예술, 문학 및 음악에 전념하는 A. Benois의. 그곳에 모인 사람들은 아름다움에 대한 사랑과 현실은 추악하기 때문에 예술에서만 찾을 수 있다는 믿음으로 하나가 되었습니다. 후기 방랑자들의 소박함과 교양적이고 예시적인 성격에 대한 반작용으로 생겨난 예술 세계는 곧 러시아 예술 문화의 주요 현상 중 하나로 변했습니다. Benois, Somov, Bakst, E.E.와 같은 거의 모든 유명 예술가가이 협회에 참여했습니다. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, Larionov 및 Goncharova. 이 협회의 형성에 매우 중요한 것은 전시회의 후원자이자 주최자 인 Diaghilev의 성격이었고 나중에는 러시아 발레 및 오페라 해외 투어의 감독이었습니다 (Chaliapin, Pavlova, Karsavina의 작품에 유럽을 소개 한 러시아 계절) , Fokine, Nijinsky 및 기타 음악, 무용, 회화, 시나리오와 같은 다양한 예술 형태의 최고 문화의 예를 세상에 공개했습니다. 예술 세계 형성의 초기 단계에서 Diaghilev는 1897년 상트페테르부르크에서 영국과 독일 수채화 전시회를, 1898년에는 러시아와 핀란드 예술가 전시회를 마련했습니다. 1899년부터 1904년까지 그의 편집 하에 잡지 예술과 문학의 두 부서로 구성된 같은 이름으로 출판되었습니다. . 그런 다음 Mir Art 저널의 종교적, 철학적 방향"은 미학 이론으로 바뀌었고이 부분의 잡지는 A. Bely와 V. Bryusov가 이끄는 다른 상징 주의자들을위한 플랫폼이되었습니다.

저널 창간호의 사설 기사에서 예술의 자율성에 관한 "예술의 세계"의 주요 조항, 현대 문화의 문제는 전적으로 예술적 형식의 문제이며 예술의 주요 임무는 주로 작품 세계 예술과의 친분을 통해 러시아 사회의 미적 취향을 교육합니다. 우리는 그들에게 마땅한 대가를 치러야 합니다. 예술의 세계 덕분에 영국과 독일 예술은 정말 새로운 방식으로 높이 평가되었으며 가장 중요한 것은 18세기 러시아 회화와 상트페테르부르크 고전주의 건축이 많은 이들에게 발견이 되었습니다. "예술의 세계"는 높은 전문 문화와 학식을 갖춘 비평가-예술가의 이상을 선언하면서 "예술로서의 비평"을 위해 싸웠습니다. 그러한 비평가의 유형은 World of Art의 창시자 중 한 명인 A.N.에 의해 구현되었습니다. 베누아. "Miriskusniki"는 전시회를 조직했습니다. 첫 번째는 또한 러시아인 외에 프랑스, ​​영국, 독일, 이탈리아, 벨기에, 노르웨이, 핀란드 등의 예술가들을 한자리에 모은 유일한 국제 행사였습니다. 상트페테르부르크와 모스크바의 화가와 그래픽 아티스트가 모두 참여했습니다. 그러나 이 두 학교(상트페테르부르크와 모스크바) 사이의 균열은 거의 첫날부터 윤곽이 잡혔습니다. 1903년 3월 World of Art의 마지막 다섯 번째 전시회가 종료되었고 1904년 12월 World of Art라는 잡지의 마지막 호가 발행되었습니다. 대부분의 예술가는 모스크바 전시회 "36"을 기반으로 조직 된 "러시아 예술가 연합", 작가-Merezhkovsky 그룹이 연 New Way 잡지, 잡지 "Vesy"를 중심으로 연합한 모스크바 상징가, 음악가 조직 " 현대 음악의 저녁"에서 Diaghilev는 발레와 연극에 완전히 뛰어 들었습니다. 시각 예술에서 그의 마지막 중요한 작업은 1906년 파리 가을 살롱에서 도상학에서 현재에 이르기까지 러시아 회화의 장대한 역사적 전시였으며, ​​그 후 베를린과 베니스(1906-1907)에서 전시되었습니다. 현대 회화의 섹션에서 주요 장소는 "예술의 세계"가 차지했습니다. 이것은 "예술의 세계"에 대한 범유럽적 인정의 첫 번째 행위이자 18세기에서 20세기 초반의 러시아 회화의 발견이었습니다. 일반적으로 서구 비평과 러시아 예술의 진정한 승리를 위해.

1910년, "예술의 세계"(Roerich가 이끄는)에 생명을 불어넣으려는 시도가 있었습니다. 이때 화가의 환경에는 경계가 있다. Benois와 그의 지지자들은 러시아 예술가 연합(Muscovites)과 결별하고 이 조직을 떠나지만, 그들은 World of Art라고 불리는 2차 협회가 1차 협회와 아무 관련이 없다는 것을 이해합니다. 베누아는 슬프게도 "아름다움의 기치 아래 화해는 이제 삶의 모든 영역에서 슬로건이 아니라 치열한 투쟁이 되었다"고 말합니다. 영광은 "예술의 세계" 예술가들에게 왔지만 사실 "예술의 세계"는 더 이상 존재하지 않았습니다. 비록 공식적으로 협회는 1920년대 초(1924)가 시작될 때까지 존재했지만 완전성이 결여되어 무제한의 위치의 관용과 유연성, Rylov에서 Tatlin까지, Grabar에서 Chagall까지 예술가를 조화시킵니다. 여기에서 인상파 화가들을 어떻게 기억하지 않을 수 있겠습니까? 한때 Gleyre의 작업실, "거부된 자들의 살롱", Guerbois 카페 테이블에서 탄생했으며 모든 유럽 그림에 큰 영향을 미치게 된 공동체도 인정의 문턱에서 무너졌습니다. "세계 예술"의 2세대는 이젤 페인팅 문제로 덜 바쁘고 그래픽, 주로 책, 연극 및 장식 예술에 관심이 있으며 두 영역 모두에서 진정한 예술적 개혁을 이루었습니다. "예술의 세계"의 2세대에는 주요 개인(Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin 등)도 있었지만 혁신적인 예술가는 전혀 없었습니다. 왜냐하면 1910년대 이후로, '예술의 세계'가 에피고니즘의 물결을 압도했다. 따라서 예술의 세계를 설명할 때 우리는 주로 이 협회의 존재와 그 핵심인 Benois, Somov, Bakst의 첫 번째 단계에 대해 이야기할 것입니다.

"예술의 세계"의 주요 예술가는 Konstantin Andreevich Somov(1869-1939)였습니다. 예술 아카데미를 졸업하고 유럽을 여행한 에르미타주 수석 큐레이터의 아들인 Somov는 우수한 교육을 받았습니다. 창조적 성숙은 일찍 그에게 다가왔지만 연구원(V.N. Petrov)이 올바르게 지적했듯이 그는 항상 강력한 현실적 본능과 고통스러운 감정적 세계관 사이의 투쟁이라는 이중성을 가지고 있었습니다.

우리가 알고 있는 Somov는 예술가 Martynova의 초상화("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery), 초상화 그림 "Echoes of the Past Time"(1903, b. 지도에서)에 나타났습니다. , aqua., gouache, State Tretyakov Gallery )에서 그는 근대성의 진정한 일상적 징후를 전달하기를 거부하는 퇴폐적 모델의 허약하고 빈약한 여성의 아름다움을 시적으로 묘사합니다. 그는 모델에게 고대 의상을 입히고 은밀한 고통, 슬픔과 꿈, 고통스러운 상처의 특징을 외모에 부여합니다.

Somov는 지적 엘리트 (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky 등)의 동시대 인물의 일련의 그래픽 초상화를 소유하고 있으며, 여기서 그는 흰색 배경에 - 특정 시대를 초월한 특정 기술을 사용합니다. 구체 - 그는 귀화를 통해서가 아니라 대담한 일반화와 특징적인 세부 사항의 적절한 선택을 통해 달성되는 유사점을 그립니다. 이러한 시간의 흔적의 부족은 정적, 뻣뻣함, 차가움, 거의 비극적인 외로움의 인상을 만듭니다.

예술 세계의 다른 누구보다 앞서 Somov는 과거의 주제, 즉 18세기의 해석으로 눈을 돌렸습니다. ("편지", 1896; "기밀", 1897), Benois의 베르사유 풍경의 선구자입니다. 그는 귀족, 영지, 궁정 문화의 모티브와 순전히 주관적인 자신의 예술적 감각을 아이러니로 가득 채운 초현실적 세계를 최초로 창조했습니다. "예술의 세계"의 역사주의는 현실로부터의 도피였다. 과거가 아니라 준비, 돌이킬 수 없음을 갈망하는 것이 그들의 주요 동기입니다. 진정한 재미는 아니지만 골목에서 키스하는 재미있는 게임입니다. Somov가 그렇습니다.

Somov의 다른 작품은 목가적이고 용감한 축제("웃긴 키스", 1908, 러시아 박물관; "후작의 산책", 1909, 러시아 박물관)이며, 부식성 아이러니, 영적 공허함, 심지어 절망으로 가득합니다. 18세기에서 19세기 초반의 사랑 장면. 항상 에로티시즘과 함께 제공됩니다. 후자는 특히 쾌락의 환상 추구라는 하나의 주제에 전념한 그의 도자기 인형에서 나타났습니다.

Somov는 그래픽 아티스트로 많이 일했으며 D. Levitsky에 대한 S. Diaghilev의 모노그래프, Tsarskoe Selo에 대한 A. Benois의 에세이를 디자인했습니다. 리드미컬하고 문체의 통일성을 지닌 단일 유기체로서의 이 책은 그에 의해 비범한 수준으로 높아졌습니다. Somov는 일러스트 레이터가 아니며 "텍스트가 아니라 문학적 장치를 발판으로 사용하여 시대를 설명합니다"라고 A.A. Sidorov, 그리고 이것은 매우 사실입니다.

"예술의 세계"의 이념적 지도자는 Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960)였습니다. 이는 비정상적으로 다재다능한 재능이었습니다. 화가, 이젤 그래픽 아티스트 및 일러스트레이터, 연극 예술가, 감독, 발레 대본의 저자, ​​예술 이론가이자 역사가, 음악가인 그는 A. Bely의 말대로 "예술의 세계"의 주요 정치인이자 외교관이었습니다. 상트페테르부르크 예술 지식인(작곡가와 지휘자, 건축가와 화가)의 가장 높은 계층에서 태어나 처음에는 상트페테르부르크 대학교 법학부에서 공부했습니다. 예술가로서 그는 문체적 경향과 과거에 대한 중독으로 Somov와 관련이 있습니다 ( "나는 베르사유에 취해 있습니다. 이것은 일종의 질병, 사랑, 범죄 열정 ... 나는 완전히 과거로 이동했습니다 ...") . 베르사유의 풍경에서 Benois는 17세기의 역사적 재구성을 통합했습니다. 예술가의 현대적 인상, 프랑스 고전주의에 대한 그의 인식, 프랑스 판화. 그러므로 명료한 구성, 명료한 공간성, 리듬의 웅장함과 냉정함, 예술 기념물의 웅장함과 그 중 하나에 불과한 인물의 작음 사이의 대립(1896-1898년 베르사유 1연작이라는 제목 아래 "루이 14세의 마지막 산책"). 두 번째 베르사유 연작(1905-1906)에서는 첫 번째 시트의 특징이기도 한 아이러니가 거의 비극적인 음표로 채색되어 있습니다(“The King's Walk”, c., gouache, aqua, gold, silver, pen, 1906 , 국가 Tretyakov 갤러리). Benois의 사고는 극장을 아주 잘 알고 느꼈던 탁월한 연극 예술가의 사고입니다.

자연은 역사와의 연관 관계에서 Benois에 의해 인식됩니다(Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo의 전망, 수채화 기법으로 실행됨).

모스크바 출판사 Knebel("Royal Hunts"의 삽화)이 의뢰한 러시아 과거의 일련의 그림에서 18세기의 귀족, 지주 생활의 장면에서. Benois는 다소 연극적이긴 하지만 이 시대의 친밀한 이미지를 만들었습니다(Paul I의 퍼레이드, 1907, 국립 러시아 박물관).

삽화가 Benois(Pushkin, Hoffman)는 이 책의 역사에서 한 페이지를 차지합니다. Somov와 달리 Benois는 내러티브 일러스트레이션을 만듭니다. 그에게 페이지의 평면은 그 자체가 끝이 아니다. 스페이드 여왕의 삽화는 A.A. Sidorov, 얼마나 많은 "예술이 책에 있습니까?" 책 삽화의 걸작은 Bronze Horseman(1903,1905,1916,1921–1922, 유색 목판화를 모방한 잉크 및 수채화)의 그래픽 디자인이었습니다. 위대한 시를 위한 일련의 삽화에서 주인공은 지금은 엄숙하게 한심하고, 이제는 평화로우며, 이제는 불길한 상트페테르부르크의 건축적 풍경으로, 이에 대해 유진의 모습은 훨씬 더 하찮게 보입니다. 이것은 베누아가 러시아 국가의 운명과 작은 남자의 개인적인 운명 사이의 비극적인 갈등을 표현하는 방법입니다. 무거운 쿵쿵 뛰기").

연극 예술가로서 Benois는 러시아 계절의 공연을 디자인했으며, 그 중 가장 유명한 것은 발레 Petrushka에서 Stravinsky의 음악을 연주했으며 모스크바 예술 극장에서 많이 일했으며 나중에는 거의 모든 주요 유럽 무대에서 작업했습니다.

그라바르와 함께 러시아 미술사의 방법, 기법, 주제를 업데이트한 미술평론가이자 미술사가인 베누아의 활동은 미술비평의 역사에서 한 단계이다(19세기 회화사 참조). " R. Muther의 "러시아 회화", 1901-1902, "러시아 회화 학교", 1904년 판, "엘리자베스 페트로브나 황후 통치의 차르스코예 셀로", 1910년, 잡지 "예술의 세계" 기사 " 및 "노년", "러시아의 예술적 보물" 등).

'예술의 세계'의 핵심인 3위는 레프 사무이로비치 박스트(1866-1924)로, 그는 연극 예술가로 유명해지며 '예술의 세계' 중 최초로 유럽에서 명성을 얻었다. 그는 예술 아카데미에서 "예술의 세계"에 와서 아르누보 양식을 공언하고 유럽 회화의 좌파 경향에 합류했습니다. "세계 예술"의 첫 번째 전시회에서 그는 여러 가지 회화 및 그래픽 초상화 (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev)를 전시했습니다. 현대인의 이상적인 표현. Bakst는 파리에서 Diaghilev의 "Russian Seasons"의 상징이 된 잡지 "World of Art"의 브랜드를 만들었습니다. Bakst의 그래픽에는 18세기 모티브가 없습니다. 그리고 부동산 테마. 그는 고대에 끌렸고 상징적으로 해석된 그리스 고대에 관심을 기울였습니다. 상징주의자들에게 특히 성공적인 것은 그의 그림 "고대 공포"- "테러 안티쿠스"(tempera, 1908, 러시아 박물관)였습니다. 끔찍한 폭풍우가 치는 하늘, 바다의 깊이를 밝히는 번개와 고대 도시, - 그리고 이 보편적인 재앙은 신비한 얼어붙은 미소와 함께 고풍스러운 나무 껍질을 지배합니다. 곧 Bakst는 연극과 풍경 작업에 완전히 몰두했고, 예술적으로 비범한 광채와 거장으로 공연된 Diaghilev 무용단의 발레를 위한 그의 풍경과 의상은 그에게 세계적인 명성을 가져다주었습니다. 그 디자인에는 Fokine의 발레 인 Anna Pavlova와 함께 공연이있었습니다. 예술가는 림스키-코르사코프의 세헤라자데, 스트라빈스키의 불새(둘 다 1910), 라벨의 다프니스와 클로이, 드뷔시의 음악에 대한 목신의 오후(둘 다 1912)를 위한 세트와 의상을 만들었습니다.

"예술의 세계"의 첫 번째 세대에서 가장 어린 사람은 Evgeniy Evgenievich Lansere(1875-1946)로, 그의 작품에서 20세기 초의 책 그래픽의 모든 주요 문제를 다루었습니다. (Bozheryanov의 "Nevsky Prospekt" 표지, Lermontov의 경우 "Legends of the Ancient Castles of Brittany"라는 책에 대한 그의 삽화를 참조하십시오.) Lansere는 상트페테르부르크(Kalinkin Bridge, Nikolsky Market 등)의 여러 수채화와 석판화를 만들었습니다. 건축은 그의 역사적 작곡에서 큰 자리를 차지합니다("Tsarskoye Selo의 Elizaveta Petrovna 황후", 1905, State Tretyakov Gallery). 우리는 Serov, Benois, Lansere의 작품에서 새로운 유형의 역사적 그림이 만들어 졌다고 말할 수 있습니다. 음모가 없지만 동시에 많은 역사적, 문학적 및 미적 연관성을 불러 일으키는 시대의 모습을 완벽하게 재현합니다. . Lansere의 최고의 작품 중 하나 - L.N.을 위한 70개의 드로잉 및 수채화 톨스토이의 "Hadji Murad"(1912-1915)는 Benois가 "톨스토이의 파워풀한 음악에 완벽하게 들어맞는 독립적인 노래"라고 평가했습니다. 에 소비에트 시간 Lansere는 저명한 벽화가가 되었습니다.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky(1875–1957)의 그래픽은 푸쉬킨 시대나 18세기의 상트페테르부르크라기 보다는 거의 비극적인 표현으로 전달할 수 있었던 현대 도시를 나타냅니다("The Old House", 1905, 수채화 , State Tretyakov Gallery) 및 그러한 도시의 거주자 ( "안경을 든 남자", 1905-1906, 파스텔, State Tretyakov 갤러리 : 외로운, 둔한 집 배경, 슬픈 남자, 머리 해골을 닮았다.) 미래의 도시화는 Dobuzhinsky에게 공황 공포를 불러일으켰습니다. 그는 또한 Dostoevsky의 White Nights(1922)에 대한 그의 잉크 드로잉 시리즈가 가장 주목할 만한 것으로 간주될 수 있는 일러스트레이션 분야에서 광범위하게 작업했습니다. Dobuzhinsky는 또한 Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin"(Dostoevsky의 "Demons" 상연), Turgenev의 연극 "A Month in the Country" 및 "The Freeloader"를 위해 설계된 극장에서 일했습니다.

Nicholas Roerich(1874-1947)는 예술 세계에서 특별한 위치를 차지합니다. 고고학자이자 과학자인 동양의 철학과 민족지 전문가인 Roerich는 처음에는 가정에서, 그 다음에는 상트페테르부르크 대학교의 법학 및 역사 철학 학부에서, 그 다음에는 예술 아카데미에서 워크숍에서 우수한 교육을 받았습니다. Kuindzhi의, 그리고 파리의 F. Cormon의 스튜디오에서. 일찍 그는 과학자의 권위를 얻었다. 그는 17-18세기가 아니라 고대 러시아에 대한 이교도 슬라브 및 스칸디나비아 고대의 회고에 대한 동일한 사랑으로 "예술의 세계"와 관련이 있습니다. 문체 경향, 연극 장식성("메신저", 1897, State Tretyakov 갤러리; "The Elders Converge", 1898, 러시아 박물관; "Sinister", 1901, 러시아 박물관). Roerich는 러시아 상징주의의 철학과 미학과 가장 밀접하게 관련되어 있었지만 그의 예술은 기존 경향의 틀에 맞지 않았습니다. 모든 민족의 우호적인 연합을 위해. 따라서 그의 그림의 특별한 서사적 성격.

1905년 이후, Roerich의 작품에는 범신론적 신비주의의 분위기가 커졌습니다. 역사적 주제는 종교적 전설에 자리를 내주었다(Heavenly Battle, 1912, 러시아 박물관). 러시아 아이콘은 Roerich에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 장식 패널 Kerzhents 전투(1911)는 Rimsky-Korsakov의 오페라 The Tale of the Invisible City of Kitezh and Maiden Fevronia에서 같은 제목의 단편을 공연하는 동안 전시되었습니다. 파리 러시아 계절.

"예술의 세계"의 2세대에서 가장 재능 있는 예술가 중 한 사람은 Repin의 학생인 Boris Mikhailovich Kustodiev(1878-1927)였으며 그는 "국무원"에 대한 작업을 도왔습니다. Kustodiev도 양식화가 특징이지만 이것은 대중적인 판화의 양식화입니다. 따라서 밝은 축제 "박람회", "Shrovetide", "Balagany", 따라서 소부르주아와 상인 생활에서 그의 그림은 약간의 아이러니로 전달되지만 사모바르와 통통한 손가락에 접시와 함께 ( "상인", 1915, 러시아 박물관; "차 상인", 1918, 러시아 박물관).

A.야. Golovin은 20세기 1/4분기의 가장 위대한 연극 예술가 중 한 명입니다. I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva 및 기타.

"예술의 세계"는 세기 전환기의 주요 미학적 운동으로, 전체 현대 예술 문화를 재평가하고, 새로운 취향과 문제를 승인하고, 최고의 전문 수준에서 잃어버린 형태의 책 그래픽과 연극 그리고 그들의 노력으로 유럽 전역에서 인정을 받은 장식 회화는 새로운 예술 비평을 만들어냈고, 이는 러시아 미술을 해외에 홍보했고 실제로는 18세기 러시아와 같은 일부 단계를 열었습니다. "예술의 세계"는 고유한 문체적 특징(독특한 문체 경향, 그림에 대한 그래픽 기술의 우세, 색상에 대한 순전히 장식적인 이해 등)을 가진 새로운 유형의 역사적인 그림, 초상화, 풍경을 만들었습니다. 이것은 러시아 예술에 대한 중요성을 결정합니다.

"예술 세계"의 약점은 주로 프로그램의 다양성과 불일치에 반영되어 "Böcklin, then Manet" 모델을 선언했습니다. 예술에 대한 이상주의적 관점, 예술의 시민적 과제에 대한 영향을 받은 무관심, 프로그램적 무관심, 그림의 사회적 중요성 상실. "예술의 세계"의 친밀함, 순수한 미학은 임박한 혁명의 무서운 비극적 전조의 시대에 그의 인생의 짧은 역사적 기간을 결정했습니다. 이것은 창의적인 탐색의 첫 걸음에 불과했으며 곧 젊은이들은 World of Art 학생들을 따라 잡았습니다.

그러나 일부 "예술의 세계"에게 첫 번째 러시아 혁명은 세계관의 진정한 혁명이었습니다. 그래픽의 이동성과 접근성은 이 혁명적 혼란의 시대에 그녀의 특별한 활동을 야기했습니다. 엄청난 수의 풍자 잡지가 등장했습니다(1905년부터 1917년까지 380개의 제목이 계산됨). Sting 잡지는 혁명적 민주주의적 지향으로 눈에 띄었지만 가장 큰 예술적 세력은 Bogey와 그것의 Infernal Mail 부록을 중심으로 그룹화되었습니다. 독재에 대한 거부는 다양한 경향의 자유주의 정신을 가진 예술가들을 하나로 묶었습니다. "Bogey"의 문제 중 하나에서 Bilibin은 캐리커처 "1/20 자연 크기의 당나귀"를 배치합니다. 일반적으로 왕의 이미지가 배치되는 권력과 영광의 속성을 가진 프레임에 당나귀가 그려집니다. 1906년 Lansere는 만화 "잔치"를 인쇄합니다. 우울한 잔치에서 차르 장군들은 노래를 듣는 것이 아니라 주의를 기울이고 서 있는 병사들의 비명을 듣습니다. 그림 "10 월 짧은 서사시"의 Dobuzhinsky는 현대 도시의 주제에 충실합니다. 총알에 의해 깨진 창, 거짓말 인형, 안경 및 벽과 벽에 핏자국이있는 불길한 사건의 징후 만이 도시에 파열되었습니다. 포장. Kustodiev는 차르와 그의 장군들의 캐리커처와 차르 장관 Witte, Ignatiev, Dubasov 및 다른 사람들의 초상화를 그 날카로움과 악의적인 아이러니가 탁월하게 그렸습니다. 이사회. 그의 손 아래에 있는 Witte는 한 손에는 붉은 깃발을, 다른 한 손에는 왕의 깃발을 든 비틀거리는 광대로 나타난다고 해도 과언이 아닙니다.

그러나 그 시대의 혁명적 그래픽에서 가장 표현력이 뛰어난 것은 V.A.의 드로잉으로 인식되어야 합니다. 세로프. 그의 위치는 1905년 혁명 동안 매우 확고했습니다. 혁명은 Serov의 캐리커처 시리즈 전체에 생명을 불어넣었습니다. “1905. The Pacification" (Nicholas II는 팔 아래에 라켓을 들고 St. George의 십자가를 진압자에게 나누어줍니다); "수확"(소총은 들판의 단에 놓여 있습니다). 이 시리즈에서 가장 유명한 구성은 "병사들이여, 용감한 아이들! 당신의 영광은 어디에 있습니까? (1905, 러시아 박물관). Serov의 시민적 위치, 그의 기술, 관찰력 및 제도자로서의 현명한 간결함이 여기에서 완전히 나타났습니다. 세로프는 1905년 1월 9일 시위대에 대한 Cossacks의 공격 시작을 묘사합니다. 배경에서 시위대는 일반 미사에서 제공됩니다. 앞, 시트의 가장 가장자리에는 코사크의 커다란 개별 인물이 있고, 첫 번째와 배경 사이에는 중앙에 사브르를 뽑은 채 말을 타고 공격하도록 부르는 장교가 있습니다. 그 이름에는 상황의 쓰라린 아이러니가 모두 포함되어 있습니다. 러시아 군인이 국민을 상대로 무기를 들었습니다. 이 비극적인 사건은 Serov가 작업장 창문에서 본 것뿐만 아니라 (비유적으로 말해보자) 러시아 지식인 전체의 자유주의적 의식의 깊이에서도 볼 수 있었습니다. 1905년 혁명에 동조했던 러시아 예술가들은 그들이 국가사에 어떤 대격변을 앞두고 있는지 알지 못했다. 그들은 혁명의 편을 들며 상대적으로 말해서 테러리스트 폭격기를 선호했다. 사회의 넓은 부분에 대한 이데올로기적 세뇌, "한 역사가의 올바른 정의에 따르면, 질서의 보호에 서있는 경찰관. 그들은 혁명의 "빨간 바퀴"가 그들이 싫어하는 독재 정치뿐만 아니라 러시아 생활의 모든 방식, 그들이 봉사하고 그들에게 소중한 러시아 문화 전체를 쓸어 버릴 것이라는 것을 몰랐습니다.

1903년에 이미 언급했듯이 세기 초의 가장 큰 전시 협회 중 하나인 러시아 예술가 연합(Union of Russia Artists)이 발족했습니다. 처음에는 Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, Vrubel, Borisov-Musatov와 같은 "예술의 세계"의 거의 모든 저명한 인물이 첫 번째 전시회에 참가했습니다. 협회 창설의 창시자는 "예술의 세계"와 관련된 모스크바 예술가들이었지만 Petersburgers의 프로그램적 미학에 짓눌렸습니다. "연합"의 얼굴은 주로 순회 방향의 모스크바 화가, 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교의 학생, Savrasov의 상속인, Serov 및 K. Korovin의 학생에 의해 결정되었습니다. 많은 사람들이 순회 전시회에서 동시에 출품했습니다. "Union"의 전시자는 S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, Korovin 형제, L. Pasternak과 같은 다양한 세계관의 예술가였습니다. 조직 업무는 A.M. Vasnetsov, S.A. 비노그라도프, V.V. 바인더. 방황하는 VM의 기둥 Vasnetsov, Surikov, Polenov가 회원이었습니다. K. Korovin은 "Union"의 지도자로 간주되었습니다.

러시아 농민의 그림을 사랑스럽게 그린 국가 풍경은 "러시아 인상주의"가 도시보다는 주로 시골을 모티브로 독특한 방식으로 표현한 "연합" 예술가의 주요 장르 중 하나입니다. 그래서 I.E.의 풍경. 실제 자연의 순간적인 변화를 반영하는 최고의 그림 뉘앙스와 함께 서정적인 분위기를 지닌 Grabar(1871–1960)는 프랑스 인상주의 풍경과 러시아 땅에서 일종의 평행을 이룹니다(“September Snow”, 1903, State Tretyakov Gallery). 그의 자서전에서 Grabar는 이 들판 풍경을 회상합니다. “밝은 노란색 단풍으로 덮인 눈의 장관은 너무 예상치 못한 동시에 너무 아름다워서 나는 즉시 테라스에 앉아서 ... 3일 만에 그림을 그렸습니다. " 눈에 보이는 색상을 스펙트럼의 순수한 색상으로 분해하는 것에 대한 Grabar의 관심은 J. Seurat 및 P. Signac("March Snow", 1904, State Tretyakov 갤러리)에 대한 신인상주의와도 관련이 있습니다. 자연에서의 색채의 유희, 복잡한 색채 효과는 내러티브와 설명이 결여된 회화적이고 조형적인 조형적 세계를 캔버스에 창조하는 "동맹"에 대한 면밀한 연구의 주제가 됩니다.

"Union"의 주인의 그림에서 빛과 공기의 전달에 대한 모든 관심으로 인해 가벼운 공기 매체에서 물체의 용해는 결코 관찰되지 않습니다. 색상이 장식이 됩니다.

"세계 예술"의 그래픽 아티스트인 Petersburgers와 달리 "Allies"는 대부분 장식적인 색채 감각이 고양된 화가들이다. 이에 대한 훌륭한 예는 F.A.의 그림입니다. 말리야빈.

"유니온"의 참가자 중에는 창의성이라는 주제로 "예술의 세계"에 가까운 예술가들이있었습니다. 그래서 K.F. Yuon (1875-1958)은 고대 러시아 도시의 출현, 오래된 모스크바의 파노라마에 매료되었습니다. 그러나 윤은 과거의 동기, 유령 같은 건축 풍경에 미학적으로 감탄하는 것과는 거리가 멀다. 이들은 베르사유 공원과 Tsarskoye Selo 바로크 양식이 아니라 봄이나 겨울의 모습을 한 옛 모스크바의 건축물입니다. 자연의 그림은 생동감이 넘치고 자연스런 인상을 느끼며 작가가 주로 거부감을 느꼈습니다(1915년 3월 태양, State Tretyakov 갤러리; 겨울의 Trinity Lavra, 1910년, 러시아 박물관). 미묘하게 변화하는 자연 상태는 "연합"의 다른 회원이자 동시에 여행 전시회 협회 회원인 S.Yu의 풍경에 묘사됩니다. Zhukovsky (1873-1944): 하늘의 바닥, 색이 변하는 것, 물의 느린 움직임, 달 아래 반짝이는 눈 ("Moonlight Night", 1899, State Tretyakov Gallery; "Dam", 1909, State Russian 박물관). 종종 그는 버려진 부동산을 모티브로 삼기도 합니다.

"러시아 예술가 연합"A.A.의 충실한 회원 인 상트 페테르부르크 학교 화가의 그림에서. Rylov(1870-1939), "Green Noise"(1904), 마스터는 나무가 흔들리고 돛이 부풀어 오른 신선한 바람의 숨결을 그대로 전달했습니다. 그 안에는 기쁘고 불안한 예감이 있습니다. 그의 스승 Kuindzhi의 낭만적인 전통도 여기에 영향을 미쳤습니다.

전체적으로 연합군은 일반 연구뿐만 아니라 기념비적인 그림 형식에도 끌렸습니다. 1910년까지 "예술의 세계"가 분리되고 이차적으로 형성되는 시기인 "연합" 전시회에서 프랑스 분단주의에 가까운 그림인 친밀한 풍경(Vinogradov, Petrovichev, Yuon 등)을 볼 수 있었습니다. (Grabar, 초기 Larionov) 또는 가까운 상징주의 (P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); 그들은 또한 Diaghilev의 "예술의 세계"(Benois, Somov, Bakst, Lansere, Dobuzhinsky)의 예술가들도 참석했습니다.

국내 미술에서 중요한 역할을 한 견고한 사실적 기반을 갖춘 "러시아 예술가 연합"은 1923년까지 존재한 소련 회화 학교의 형성에 일정한 영향을 미쳤습니다.

두 혁명 사이의 기간은 창의적인 검색의 강도로 특징지어지며 때로는 서로를 직접적으로 배제합니다. 1907년 모스크바에서 Golden Fleece 잡지는 Blue Rose라고 불리는 Borisov-Musatov를 따르는 예술가들의 유일한 전시회를 조직했습니다. P. Kuznetsov는 Blue Rose의 주요 예술가가되었습니다. M. Saryan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin, 조각가 A. Matveev는 연구 기간 동안 그 주위를 그룹화했습니다. "Blue Bears"는 주로 "언어"로 표현 된 상징주의에 가장 가깝습니다. 기분의 불안정, 모호하고 번역 할 수없는 연관성의 음악성, 색상 관계의 세련미. 러시아 예술에서 상징주의는 문학에서 형성되었을 가능성이 가장 높으며 새 세기의 첫 해에 A. Blok, A. Bely, V. Ivanov, S. Solovyov와 같은 이름이 이미 울렸습니다. 이미 언급했듯이 Borisov-Musatov, Roerich, Chiurlionis와 같이 Vrubel의 작업에는 "그림 상징주의"의 별도 요소가 나타났습니다. Kuznetsov와 그의 동료의 그림에는 Balmont, Bryusov, Bely의 시학과 많은 접점이 있었지만 Wagner의 오페라, Ibsen, Hauptmann 및 Maeterlinck의 드라마를 통해 상징주의에 연결되었습니다. "Blue Rose"전시는 일종의 합성이었습니다. 상징주의 시인이 공연하고 현대 음악이 공연되었습니다. 출품자들의 미학 플랫폼은 이후 몇 년 동안에도 영향을 미쳤고, 이 전시회의 이름은 900년대 후반의 전체 예술 트렌드에 대한 가명으로 자리 잡았습니다. "Blue Rose"의 전체 활동은 또한 아르누보 스타일(형태의 평면 장식 양식화, 기발한 선형 리듬)의 영향을 가장 강하게 나타냅니다.

Pavel Varfolomeevich Kuznetsov(1878-1968)의 작품은 Blue Bears의 기본 원칙을 반영합니다. 그의 작품은 "아름다운 선명함"(시인 M. Kuzmin의 표현)의 네오로맨틱한 개념을 구현합니다. Kuznetsov는 인간과 자연의 단일성, 생명과 자연의 영원한 순환의 안정성, 이 조화 속에서 인간 영혼의 탄생을 보여주기 위해 일상의 구체성에서 추상화하고자 하는 장식용 패널 그림을 만들었습니다. 따라서 순간적이고 보편적이며 시대를 초월한 모든 것에서 정화되고 몽환적이고 관조적인 회화의 기념비적 형태에 대한 열망, 물질의 영성을 전달하려는 끊임없는 열망. 그림은 개념을 표현하는 기호일 뿐입니다. 색상은 감정을 전달하는 역할을 합니다. 리듬 - 감각의 특정 세계에 도입하기 위해(아이콘 페인팅에서와 같이 - 사랑, 부드러움, 슬픔 등의 상징). 따라서 Kuznetsov의 장식성의 기초 중 하나로서 캔버스 전체 표면에 균일한 빛 분포의 수용. Serov는 P. Kuznetsov의 본성이 "호흡"한다고 말했습니다. 이것은 중앙 아시아 풍경에서 그의 Kyrgyz(Steppe)와 Bukhara 스위트에서 완벽하게 표현됩니다. (Kuznetsov의 작품 A. Rusakova의 연구원이 쓴 1911년의 "양우리에서 잠자는 것"은 꿈꾸는 듯한 대초원 세계, 평화, 조화의 이미지입니다. 묘사된 여성은 특정 인물이 아니라 키르기스 여성 일반이며, 몽골인의 흔적.) 높은 하늘, 끝없는 사막, 완만한 언덕, 천막, 양떼는 가부장적 목가적인 이미지를 만든다. 인간과 자연의 융합에 대한 영원하고 이룰 수 없는 꿈은 항상 예술가들을 걱정시켰습니다(대초원의 신기루, 1912, State Tretyakov Gallery). Kuznetsov는 초기 이탈리아 르네상스인 고대 러시아 아이콘 페인팅 기법을 연구했습니다. 연구자들이 정확하게 지적한 대로 고유한 스타일을 찾아 세계 예술의 고전적 전통에 호소하는 것은 어떤 전통도 종종 완전히 거부되는 시기에 근본적으로 중요했습니다.

동양의 이국주의(이란, 이집트, 터키)는 Martiros Sergeevich Saryan(1880-1972)의 풍경에 구현되어 있습니다. 동양은 아르메니아 예술가에게 자연스러운 주제였습니다. Saryan은 그의 그림에서 Kuznetsov보다 더 열정적이며 세속적인 밝은 장식으로 가득 찬 세상을 만들고 그림 솔루션은 항상 선명한 그림자 비교에서 뉘앙스가없는 대조되는 색상 관계를 기반으로합니다 ( "Date Palm, Egypt", 1911 , 지도. , 온도, GTG). 색상 대비가 있는 Saryan의 동양 작품은 알제리와 모로코를 여행한 후 그가 만든 Matisse의 작품보다 먼저 나타납니다.

Saryan의 이미지는 형태의 일반화, 대형 다채로운 평면, 언어의 일반적인 정교성으로 인해 기념비적입니다. 이것은 일반적으로 페르시아, 아르메니아 원주민 여부에 관계없이 이집트의 일반화 된 이미지입니다. 중요한 자연 스러움을 유지하면서 인생에서 쓴 경우. Saryan의 장식용 캔버스는 항상 쾌활하며 창의력에 대한 그의 아이디어에 해당합니다. "... 예술 작품은 행복, 즉 창조적 인 작업의 결과입니다. 결과적으로, 그것은 보는 사람의 창조적 불타는 불꽃을 점화하고 행복과 자유에 대한 자연스러운 욕망의 식별에 기여해야합니다.

Kuznetsov와 Saryan은 고대 러시아 아이콘 예술의 전통을 기반으로 한 것과 고대 아르메니아 미니어처를 기반으로 한 다양한 방식으로 다채롭고 풍부한 세계의 시적 이미지를 만들었습니다. 청장미 시대에는 동양적 모티브와 상징적 경향에 대한 관심으로 뭉쳤다. 현실에 대한 인상주의적 인식은 Blue Rose 예술가들의 특징이 아니었다.

"골루보로자이트"는 상징주의의 드라마투르지와 밀접하게 접촉한 극장에서 많은 성과를 거두었습니다. N.N. 사푸노프(1880-1912)와 S.Yu. Sudeikin(1882-1946)은 M. Maeterlinck, Sapunov-G. Ibsen 및 Blok의 "Balaganchik"의 드라마를 디자인했습니다. 사푸노프는 또한 이 연극적 환상, 박람회의 루복 양식화를 그의 이젤 작품으로, 정교한 도자기 화병에 종이 꽃으로 날카롭게 장식한 정물화(“모란”, 1908, 템페라, State Tretyakov Gallery)를 현실이 있는 그로테스크한 ​​장르 장면으로 옮겼습니다. phantasmagoria ( "Masquerade", 1907, State Tretyakov Gallery)와 혼합됩니다.

1910년에 P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova 등의 젊은 예술가들이 Jack of Diamonds 조직에 합류했습니다. 자신의 헌장, 전시회를 준비하고 기사 컬렉션을 출판했습니다. "다이아몬드 잭"은 실제로 1917년까지 존재했습니다. 후기 인상주의, 주로 세잔이 "인상주의에 대한 반응"이었기 때문에 "다이아몬드 잭"은 "다이아몬드 잭"의 상징적 언어의 모호함, 번역 불가능성, 미묘한 뉘앙스에 반대했습니다. Blue Rose"와 "예술의 세계"의 미학적 스타일리즘 . "다이아몬드의 건반"은 세계의 "물질", "물질"에 도취되어 그림의 명확한 구성을 공언하고 형식의 객관성, 강렬함, 색상의 충만함을 강조했습니다. 풍경이 러시아 예술가 연합 (Union of Russia Artists) 회원들이 가장 좋아하는 장르가 된 것처럼 정물이 "Valetovites"가 가장 좋아하는 장르가 된 것은 우연이 아닙니다. Ilya Ivanovich Mashkov(1881-1944)의 정물("Blue Plums", 1910, State Tretyakov Gallery; "Still Life with Camellia", 1913, State Tretyakov Gallery)은 Pyotr Petrovich Konchalovsky( 1876-1956) - 초상화에서 (G. Yakulov의 초상화, 1910, 러시아 박물관; "Matador Manuel Hart", 1910, State Tretyakov 갤러리). 기분의 변화를 전달하는 미묘함, 특성의 심리학, 국가의 절제, "Blue Bearers" 그림의 비물질화, 그들의 낭만적 시는 "Valetovites"에 의해 거부됩니다. 그들은 거의 자발적인 색의 축제, 윤곽선의 표현, 세계에 대한 낙관적 비전을 전달하여 거의 익살스럽고 정사각형의 분위기를 만드는 육즙이 많은 반죽 같은 넓은 글쓰기 방식에 반대합니다. 그들의 초상화에서 Konchalovsky와 Mashkov는 생생하지만 1차원적인 특성을 부여하여 한 특징을 거의 그로테스크한 ​​지점까지 날카롭게 만듭니다. 정물에서 그들은 캔버스의 평면, 색 반점의 리듬을 강조합니다("용설란", 1916, State Tretyakov Gallery, - Konchalovsky, 꿩을 든 여인의 초상화, 1911, 러시아 박물관, - Mashkov). '다이아몬드의 건반'은 대중적인 판화, 민속놀이, 기와, 간판과 같은 형태의 해석을 단순화시킨다. 원시주의 (라틴어 primitivus에서 - 원시, 초기)에 대한 갈망은 예술적 인식의 즉각성과 무결성을 얻기 위해 소위 원시 시대의 단순화 된 형태의 예술, 원시 부족 및 국적을 모방 한 다양한 예술가들에게서 나타났습니다. "다이아몬드 잭"은 또한 Cezanne(따라서 때때로 "Russian Cezanneism"이라는 이름)의 인식을 가져오거나 오히려 장식적인 Cezanneism - Fauvism, 훨씬 더 -에서 Cubism, 심지어 Futurism에서; 입체파에서 형태의 "전환", 미래파에서 - 역학, 그림 "반지"에서와 같이 형태의 다양한 수정. 이반 대왕의 종탑”(1915, State Tretyakov 갤러리) A.V. 렌툴로프(1884-1943). Lentulov는 산업 리듬으로 인해 현대인의 신경질적이고 날카로운 인식으로 인해 조화가 깨지는 오래된 건축을 모티브로 구축된 매우 표현적인 이미지를 만들었습니다.

P.P. 초상화 형식을 이해하고 해석하는 면에서 입체파에 충실한 포크(Falk, 1886-1958)는 모델의 특정 상태를 전달하는 미묘한 색상-플라스틱 조화로 발전했습니다.

A. V. Kuprin (1880-1960)의 정물과 풍경에는 ​​때때로 서사시가 나타나며 일반화하는 경향이 있습니다 ( "Still Life with a Pumpkin, a Vase and Tassels", 1917, State Tretyakov Gallery, 정당하게 연구원 "화가의 도구를 찬미하는 시") . Kuprin의 장식적인 시작은 자연에 대한 분석적 통찰력과 결합됩니다.

형식의 극단적인 단순화, 사이니지 예술과의 직접적인 연결은 M.F.에서 특히 두드러집니다. "Jack of Diamonds"의 창립자 중 한 명인 Larionov(1881-1964)는 이미 1911년에 그와 헤어지고 "당나귀의 꼬리"와 "대상"이라는 새로운 전시회를 조직했습니다. Larionov는 풍경, 초상화, 정물을 그리고 Diaghilev 기업의 연극 예술가로 일한 다음 장르 회화로 전환합니다. 그의 주제는 지방 거리의 삶, 군인 막사입니다. 형태는 납작하고 그로테스크하며 마치 어린이의 그림, 인기 있는 인쇄물 또는 간판처럼 의도적으로 양식화되었습니다. 1913 년 Larionov는 그의 책 "Luchism"을 출판했습니다. 사실, 러시아에서 V. Kandinsky와 K. Malevich가 진정한 창작자였던 추상 미술의 선언문 중 첫 번째였습니다.

아티스트 N.S. Larionov의 아내인 Goncharova(1881–1962)는 대부분 농민을 주제로 한 그녀의 풍속화에서 동일한 경향을 발전시켰습니다. 검토 중인 몇 년 동안, Larionov의 예술보다 더 장식적이고 다채롭고 내적인 힘과 간결함이 기념비적인 그녀의 작업에서 원시주의에 대한 열정이 예리하게 느껴집니다. Goncharova와 Larionov의 작업을 설명하면서 "신원시주의"라는 용어가 자주 사용됩니다. 이 기간 동안 A. Shevchenko, V. Chekrygin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall은 예술적 세계관, 표현 언어 검색 측면에서 그들과 가깝습니다. 이 예술가들(유일한 예외는 매우 일찍 사망한 Chekrygin은 예외임)은 곧 자신의 창의적인 길을 찾았습니다.

M.Z. 샤갈(1887-1985)은 소도시 비텝스크 생활의 지루한 인상에서 변형된 환상을 순진하고 시적이며 그로테스크한 ​​상징적 정신으로 해석했습니다. 초현실적인 공간, 밝은 다채로움, 의도적인 형태의 원시화를 통해 샤갈은 서구 표현주의와 원시 민속 예술 모두에 가까운 것으로 판명되었습니다("I and the Village", 1911, 뉴욕 현대 미술관, "Over Vitebsk", 1914). , coll. Zak. Toronto, "Wedding", 1918, State Tretyakov 갤러리).

위에 언급된 "다이아몬드 잭"에 가까운 대가들 중 상당수는 "다이아몬드 잭"(1909)과 거의 동시에 형성되었던 상트페테르부르크 조직 "청소년 연합"의 회원이었습니다. Chagall 외에도 P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Yu. Annenkov, N. Altman, D. Burliuk, A. Exter 등이 Soyuz에 전시되었습니다. L. Zheverzheev가 주도적인 역할을 했습니다. "valetovtsy"와 마찬가지로 "Union of Youth"의 구성원은 이론 모음집을 출판했습니다. 1917년 협회가 붕괴될 때까지. '청춘연합'은 상징주의와 큐비즘, 미래주의, '비객관성'을 내세우며 구체적인 프로그램은 없었지만, 작가들마다 각자의 창의적인 얼굴이 있었다.

P.N.을 특성화하기가 가장 어렵습니다. 필로노프(1883-1941). D. 사라비아노프는 필로노프의 작업을 "외롭고 독특하다"고 올바르게 정의했습니다. 그런 의미에서 그는 예술가를 A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel과 동등하게 대우합니다. 그럼에도 불구하고 Filonov의 모습, XX 세기의 10 대 러시아 예술 문화에서의 그의 모습. 자연스러운. 필로노프는 "일종의 자기 발전적 형태 운동"(D. Sarabyanov)에 중점을 둔 미래파에 가장 가깝지만 그의 작업의 문제에서는 거리가 멀다. 오히려 그것은 그림 같은 것이 아니라 단어의 원래 의미를 찾는 Khlebnikov의 시적 미래주의에 가깝습니다. "종종 한쪽 가장자리에서 그림을 그리기 시작하여 자신의 창조적 인 책임을 형태로 옮기는 Filonov는 그들에게 생명을 부여한 다음 마치 예술가의 의지가 아닌 자신의 움직임으로 발전, 변화, 갱신합니다. , 자라다. Filonov의 이러한 자체 개발 양식은 정말 놀랍습니다.”(D. Sarabyanov).

러시아 혁명 이전 시대의 예술은 예술적 탐구의 비범한 복잡성과 불일치로 특징지어지며, 따라서 고유한 프로그램 설정과 문체적 공감을 가진 연속적인 그룹화를 특징으로 합니다. 그러나 당시 러시아 미술에서 추상 형태 분야의 실험자들과 함께 "예술의 세계"와 "골루보로자이트", "동맹", "다이아몬드의 건달"이 동시에 계속 작동했으며, 신고전주의 풍류의 강력한 흐름, 그의 "2 세대"Z.E에서 "Mir art"의 활동적인 구성원의 작품이 그 예가 될 수 있습니다. 세레브리야코바(1884-1967). 간결한 드로잉, 명백하게 관능적인 플라스틱 모델링, 구성의 균형을 갖춘 시적 장르의 캔버스에서 Serebryakova는 러시아 예술의 높은 국가적 전통, 주로 Venetsianov 및 더 나아가 고대 러시아 예술("농민", 1914, 러시아 박물관; "수확", 1915, 오데사 미술관; "캔버스 희게", 1917, State Tretyakov 갤러리).

마지막으로, 위대한 고대 러시아 그림인 국가 전통의 생명력에 대한 훌륭한 증거는 훗날 소비에트 시대의 가장 저명한 예술의 거장이 된 예술가 사상가인 Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin(1878-1939)의 작품입니다. 유명한 그림 Bathing the Red Horse(1912, Fri)에서 작가는 비유적인 은유에 의지했습니다. 정확하게 언급했듯이 밝은 빨간 말을 탄 청년은 승리한 성 조지("Saint Yegory")의 대중적인 이미지와 일반화된 실루엣, 리드미컬하고 컴팩트한 구성, 대조되는 색상 반점의 채도와 연상시킵니다. 완전한 힘의 소리와 형태 해석의 평면성은 고대 러시아 아이콘을 기억합니다. Petrov-Vodkin은 기념비적인 그림 "Girls on Volga"(1915, State Tretyakov Gallery)에서 조화롭게 계몽된 이미지를 만들었습니다. 이 그림에서 그는 또한 러시아 예술의 전통에 대한 방향을 느끼고 주인을 진정한 국적으로 이끕니다.