Rembrandt van Rijn Biographie. Rembrandts berühmteste Gemälde. Schwierige finanzielle Situation

Rembrandt, Harmens van Rijn(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606–1669)– größter Künstler, Maler, Zeichner, Radierer, der im 17. Jahrhundert lebte. in Holland.

Am 15. Juli 1606 bekamen der wohlhabende Müller Harmen Gerrits und seine Frau Neeltge Willems van Zeitbroek in Leiden ein sechstes Kind namens Rembrandt. Die Mühle war nicht weit vom Rhein entfernt, der die Stadt durchquerte, und so wurde Harmen Gerrits van Rijn genannt, und die ganze Familie erhielt diesen Zusatz zum Nachnamen.

Eltern geben Rembrandt eine gute Ausbildung wollte, dass er Wissenschaftler oder Beamter werde. Er studiert an der Lateinschule und ab 1620 an der Universität Leiden, die er ohne Abschluss verlässt. Die von Kindesbeinen an manifestierte Lust am Zeichnen führte ihn in das Atelier des ortsansässigen Malers Jacob van Swanenburg, der Rembrandt die Grundlagen des Zeichnens und Malens beibrachte, ihn in die Kunstgeschichte einführte. Nach dreijährigem Studium bei ihm zog Rembrandt 1623 nach Amsterdam und setzte seine Studien bei dem berühmten Maler Pieter Lastman (1583–1633) fort. Doch die Ausbildung dauerte nur sechs Monate. 1624 kehrte Rembrandt nach Leiden zurück und eröffnete dort zusammen mit seinem Freund Jan Lievens sein eigenes Malatelier.

Im 17. Jahrhundert in Holland wurde nach dem Sieg über Spanien der Katholizismus verboten, der Protestantismus erlaubt keine malerische Dekoration in Kirchen. Daher verliert die Kirche, die früher der größte Abnehmer der Malerei war, diese Rolle, und das Groß- und Mittelbürgertum, die wohlhabenden Städter, treten in den Vordergrund. Gemälde, die Bürgerhäuser schmücken sollen, müssen sich nun den neuen Herausforderungen stellen. Größen ändern sich, neue Sujets tauchen auf, es gibt eine Einteilung in Gattungen der Malerei, das Interesse am Alltagsgenre, Landschaft, Stillleben, Porträt nimmt zu, eine Art Gruppenporträt entsteht. Rembrandt lernt von Künstlern der Vergangenheit und seinen Zeitgenossen, beherrscht die Technik des Malens und Gravierens. Er studiert die Kunst Italiens anhand von Abgüssen, Stichen, Kopien und nimmt das humanistische Prinzip der italienischen Kunst wahr. Auch der barocke Stil, der im 17. Jahrhundert entstand, hatte großen Einfluss auf sein Werk, aber die Raffinesse, der Pomp und die betonte Theatralik dieses Stils waren weit entfernt von Rembrandts Suche. Er war ein Bewunderer des Werks von Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), dem Begründer der realistischen Tendenz in der europäischen Malerei des 17. Jahrhunderts.

Bereits in den Porträts Rembrandts aus der Leidener Zeit ist das Interesse des Künstlers an der inneren Welt des Menschen sichtbar. Er konzentriert sich darauf, den Gemütszustand der Porträtierten zu enthüllen, und lässt zweitrangige Details aus ( Porträt eines alten Kriegers, OK. 1630, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Sie erstellen die ersten Handlungsbilder ( Die Vertreibung der Kaufleute aus dem Tempel, 1626, Moskau, Puschkin-Museum im. A. S. Puschkin; Geldwechsler, 1627, Berlin-Dahlem), Gemälde, in deren Mitte Wissenschaftler ( Gespräche der Weisen, 1628, Melbourne, Nationalgalerie; Wissenschaftler am Tisch, 1628, London, Nationalgalerie; Porträt eines Wissenschaftlers, 1631, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Er studiert sorgfältig die Kunst des Gravierens und schafft viele Zeichnungen, Gravuren und Radierungen.

Rembrandt, ein berühmter Porträtmaler und Autor historischer Gemälde, zog Ende 1631 in die größte Handelsstadt Amsterdam. Eines der ersten von Rembrandt in Amsterdam gemalten Gemälde war das Gemälde Anatomieunterricht von Dr. Tulp(1632, Den Haag, Mauritshuis) unter Bezugnahme auf die Traditionen des Gruppenporträts. Der Künstler vermittelt die Porträtähnlichkeit aller Charaktere, aber im Gegensatz zu den Traditionen eines Gruppenporträts, wo jeder der Porträtierten eine gleichwertige Position einnimmt, sind hier alle Charaktere der Tulpa emotional untergeordnet. Das Gemälde erregte großes Interesse und Rembrandt wurde zu einem der angesagten jungen Porträtmaler in Amsterdam.

1634 heiratete Rembrandt die Tochter des ehemaligen Bürgermeisters von Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, eine adelige und wohlhabende Patrizierin. Nach der Heirat kauft er großes Haus. Der Künstler stattet das Haus mit luxuriösen Dingen aus und schafft eine reiche Sammlung, die Werke von Raffael, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck und Stiche aus den Werken von Michelangelo und Tizian umfasst. Rembrandt sammelte persische Miniaturen, Vasen, Muscheln, authentische antike Büsten, chinesisches und japanisches Porzellan, venezianisches Glas, teure orientalische Stoffe, Kostüme verschiedener Nationen, Wandteppiche und Musikinstrumente.

In den 30er Jahren war Rembrandt ein wohlhabender, erfolgreicher, wohlhabender Künstler, was sich in seinen Werken widerspiegelt. In vielen Gemälden porträtiert er seine geliebte Frau Saskia ( Porträt der lächelnden Saskia, 1633, Dresden, Gemäldegalerie; Flora, 1634, St. Petersburg, Staatliche Eremitage; Simsons Hochzeit, 1638, Dresden, Staatliche Gemäldegalerie). Die Berühmten Selbstportrait mit Saskia Knie(1635, Dresden, Staatliche Gemäldegalerie). Er zeigt sich als fröhlicher Kavalier mit einem Glas Wein, der die halb umgedrehte Saskia umarmt, die mit dem Rücken zum Betrachter auf seinem Schoß sitzt. Das Bild ist ausgefüllt Lebenskraft, Energie und voller Liebe zu seiner Frau. Berühmte Gemälde zu biblischen Themen stammen aus derselben Zeit ( Fest des Belsazar,1634, London, Nationalgalerie; Opfern Abraham, 1635, St. Petersburg, Staatliche Eremitage), Landschaften ( Landschaft mit Teich und Bogenbrücke, 1638, Berlin-Dahlem; Landschaft mit Sturm, 1639, Braunschweig, Staatliches Museum des Herzogs Anton Ulrich), Prunkporträts, Radierungen. Dies ist die Zeit, in der Rembrandt seine Mal- und Grafiktechnik perfektioniert und seinen Kreationen ein Höchstmaß an Ausdruckskraft und Tiefe verleiht. Indem er sich mit traditionellen Schreibweisen und Herangehensweisen an die Offenlegung von Themen auseinandersetzt, löst er sich in seiner Arbeit zunehmend von diesen Traditionen. Anstelle glatter, lasierender Striche, die in dünnen Schichten transparenter und durchscheinender Farbe über einer dichten Farbschicht aufgetragen werden und eine einzige Bildfläche der Leinwand schaffen, malt er Bilder mit scharfen, pastösen Strichen, wobei er allmählich auf detaillierte Details verzichtet.

In den frühen 1940er Jahren war Rembrandt ein beliebter und hochbezahlter Maler. In den 1930er Jahren malte er etwa 60 Auftragsporträts. Er hat etwa 15 Schüler. Eines der berühmtesten Gemälde von Rembrandt aus dieser Zeit ist Danae(1636-1646, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Nachdem er die mythologische Heldin in einer luxuriösen Nische eines reichen holländischen Bürgerhauses platziert hat, verschreibt er meisterhaft einen Samtbaldachin, elegant bestickte Kissen, bewundert die Strahlen goldenen Lichts und sanfte Wellen, die den schönen nackten Körper von Danae überfluten.

Er begann mit der Arbeit an dem Bild in einer Zeit des Familienglücks, auf dem Höhepunkt des Ruhms. Doch in den Folgejahren hat sich vieles verändert: Drei von Rembrandts Kindern sterben, wenige Monate nach der Geburt des letzten Sohnes Titus stirbt seine geliebte Frau Saskia (1642), bald verliert er Mutter und Schwestern. Eines der letzten Porträts seiner Frau war Letzte Porträt von Saskia(1643, Berlin-Dahlem).

Anfang der 40er Jahre erhielt Rembrandt vom Hauptmann der Schützengruppe Frans Banning-Cock den Auftrag für ein großes Gruppenporträt der Schützengruppe für die Haupthalle des Neubaus der Amsterdamer Schützengilde. Die Berühmten Die Nachtwache(1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). Eine Abteilung von 18 Figuren ist eine einzelne zusammenhängende Gruppe, die von Stadtbewohnern umgeben ist. Pfeile, die unter einer wehenden Fahne aus dem Bogen des Gebäudes zum beleuchteten Platz marschieren. Das Gruppenporträt nimmt den Charakter einer Art Historienbild an, in dem Rembrandt seine Vorstellung von bürgerlichen Idealen verkörpert. Die Meinungen der Zeitgenossen über das Gemälde waren geteilt: Einige sahen das Meisterwerk sofort, andere, darunter auch die Kunden, stellten fest, dass das Gemälde nicht den Traditionen eines Gruppenporträts entsprach. Daher wurde sie an einem anderen, kleineren, nicht für sie bestimmten Ort aufgehängt, wobei die Leinwand auf allen Seiten abgeschnitten wurde, was die Bildkomposition verletzte. Trotzdem ist sie ein unübertroffenes Beispiel für ein Gruppenporträt, in dem jeder Charakter eine scharfe psychologische Beschreibung erhält.

Die 50er und 60er Jahre waren geprägt von der Schaffung herausragender Meisterwerke sowie der Vertiefung des Konflikts des Künstlers mit den Behörden. Für den Unmut der Behörden sorgte die Tatsache, dass Hendrikje Stoffels, eine ehemalige Dienerin im Hause Rembrandt, seine Lebensgefährtin wird. Der Künstler konnte sie nicht offiziell heiraten, weil. Nach dem Willen von Saskia würde Rembrandt beim Eingehen einer neuen Ehe das Recht entzogen, der Vormund des Erbes seines Sohnes Titus zu sein. Die Kirche verfolgte Hendrickje wegen ihrer nicht angeheirateten Beziehung.

Rembrandt porträtiert immer wieder Hendrickje, sie wird sein Modell ( Porträt von Hendrickje in reicher Kleidung, 1654, Paris, Louvre; Porträt von Hendrikje Stoffels, 1657-1658, Berlin-Dahlem; das Bild von Maria auf dem Bild heilige Familie, 1645, St. Petersburg, Staatliche Eremitage, ebenfalls von ihren Gesichtszügen inspiriert).

Rembrandt wird fast vollständig von Aufträgen beraubt. Zu dieser Zeit malt er Bilder zu biblischen und mythologischen Themen: Joseph, von Pentephrys Frau angeklagt(1655, Washington, Nationalgalerie), Christus in Emmaus(1648, Paris, Louvre). Im Zentrum von Rembrandts Werk steht ein Mensch, seine innere Welt, seine Erlebnisse und Freuden. Er widmet Porträts große Aufmerksamkeit und konzentriert sich darauf, die geistige Welt seiner Modelle zu enthüllen: Porträt alte Damen(1654, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), Porträt eines alten Mannes in Rot(1654, St. Petersburg, Staatliche Eremitage), Titus-Lesung(um 1657, Wien, Kunsthistorisches Museum), Porträt Jan Sechs(1654, Amsterdam, Sammlung von sechs). Späte Selbstporträts des Künstlers gehören ebenfalls zur gleichen Art von Porträts und fallen durch die Vielseitigkeit psychologischer Merkmale auf: Selbstportrait(um 1652, Wien, Kunsthistorisches Museum), Selbstportrait(1660, Paris, Louvre). Rembrandt erhält damals so seltene Malaufträge: Aristoteles nachdenklich Büste von Homer(1653, New York, Metropolitan Museum of Art).

Nachdem Rembrandt in den Jahren des finanziellen Wohlstands ein luxuriöses Haus erworben hatte, zahlte er nur die Hälfte des Betrags. Die Restschulden, insbesondere nach dem Tod von Saskia, führten die Künstlerin nach und nach in den Bankrott. Kreditgeber reichen förmliche Klagen ein und streben eine gerichtliche Entscheidung über die Inhaftierung an. In die Schikanenkampagne gegen den Künstler, mit dem Rembrandt zu Saskias Lebzeiten einen Konflikt hatte, werden auch Saskias Angehörige einbezogen, weil. Sie behaupteten, der Künstler verschleudere das Vermögen seiner Frau. Obwohl Rembrandt damals durch seine Arbeit ein Vermögen anhäufte, das die Spenden seiner Frau überstieg, trug er eine großartige Sammlung von Kunstschätzen zusammen. Wieder verurteilt die Kirche sein Zusammenleben mit Hendrikje, ihre Tochter Cornelia wird für unehelich erklärt. 1656 erklärte das Amsterdamer Rathaus Rembrandt per Gerichtsbeschluss für zahlungsunfähig, es wurde eine Vermögensinventur durchgeführt und 1656-1658 verkauft. Der tatsächliche Wert des Besitzes des Künstlers war um ein Vielfaches höher als seine Schulden: Die Sammlung wurde auf 17.000 Gulden geschätzt. Es wurde jedoch für nur 5.000 verkauft, das Haus wurde mit der Hälfte seiner ursprünglichen Kosten bewertet. Aber nicht alle Gläubiger waren befriedigt. Und das Gericht entschied, dass alle Gemälde, die von dem Künstler geschaffen werden, verkauft werden müssen, um Schulden zu begleichen, das Gericht entzog Rembrandt auch das Recht auf Eigentum, mit Ausnahme von tragbaren Dingen und Zeichenutensilien, was ein armseliges Dasein bedeutete. Die Familie Rembrandt zieht in das ärmste Viertel von Amsterdam. Um sein Vermögen Rembrandts Gläubigern völlig unzugänglich zu machen, setzt Titus nach dem Ruin seines Vaters ein Testament auf, in dem er sein gesamtes Vermögen seiner Schwester Cornelia hinterlässt, und bestellt Rembrandt zum Vormund mit Nutzungsrecht .

Trotz der schwierigen Situation schreibt Rembrandt weiter. Dies sind hauptsächlich Selbstporträts, Porträts von Verwandten ( Porträt von Titus, 1660, Baltimore, Collection of Jacobs), bezieht sich wiederum auf das Bild des biblischen David ( David vor Saulus, 1657, Den Haag, Mauritshuis).

1660 eröffnen Titus und Hendrickier ein Antiquitätengeschäft, in dem Rembrandt von einem Experten engagiert wird. Und obwohl die von Rembrandt neu gemalten Gemälde per Gerichtsbeschluss den Gläubigern zur Verfügung gestellt werden sollten, gab der Werkvertrag dem Künstler die Möglichkeit, seine Werke einem Antiquitätengeschäft zu überlassen. Dadurch konnte die Familie ihr Einkommen erhöhen und ein Haus kaufen. Einmal mehr wendet sich der Künstler Selbstporträts zu, Gemälden zu einem biblischen Thema ( Artaxerxes, Haman und Esther, 1660, Moskau, Puschkin-Museum im. A. S. Puschkin). Neben anderen Künstlern erhält er den Auftrag, das Amsterdamer Rathaus zu schmücken ( Die Verschwörung von Julius Civilis oder Eid der Bothavs, 1661, Stockholm, Nationalmuseum). Das Gemälde (etwa 30 Quadratmeter groß) wird dem Künstler „zur Korrektur“ zurückgegeben. Aber Rembrandt weigerte sich, Änderungen vorzunehmen, und der Auftrag wurde einem anderen Künstler gegeben. Auf einem Teil dieser Leinwand fertigte Rembrandt einen weiteren Auftrag an - das berühmte Gruppenporträt Syndikus(1662, Amsterdam, Reichsmuseum). Die Syndikate, Vorarbeiter, Korporationen des Tuchgeschäfts sitzen in formellen schwarzen Anzügen am Tisch. Die Klarheit und Ausgewogenheit der Komposition, die Geiz und Genauigkeit der Auswahl der Details, die Schaffung eines ganzheitlichen Bildes einer Gruppe von Menschen, ein ungewöhnlicher Blickwinkel, der die Monumentalität des Bildes betont, die Feierlichkeit des Geschehens - alles damit verweist das Bild auf die großen Meisterwerke der Malerei.

1663 stirbt Hendrickje und hinterlässt Titus ein Antiquitätengeschäft und Rembrandt ein kleines Erbe. Rembrandt wird Vormund seiner Tochter Cornelia. Nach einer zweijährigen Schaffenspause malt er eine Reihe berühmter Gemälde: David und Uria(1665, St. Petersburg, Staatliche Eremitage), Jüdische Braut(1665, Amsterdam, Reichsmuseum), Familienporträt(1668–1669, Breingschweig, Landesmuseum Herzog Anton Ulrich). Aber die wahre Apotheose von Rembrandts Werk war die Malerei Die Rückkehr des Verlorenen Sohn(1668–1669, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). Immer wieder wandte sich der Künstler diesem Thema zu (Skizzen und Skizzen finden sich bereits in den 30er Jahren). Auf einer riesigen Leinwand (260 × 205 cm) ist die kniende Figur eines Sohnes, der in das Obdach seines Vaters zurückgekehrt ist, von hinten zu sehen. Seine Figur verkörpert die Reue eines Mannes, der den tragischen Weg des Lernens über das Leben gegangen ist. Das weise und vergeistigte Gesicht des alten Vaters, geheiligt durch große Freundlichkeit, der seinen Sohn annimmt und ihm vergibt, ist ein Meisterwerk von Rembrandt, einem Meister, der es versteht, in die Seele seiner Figuren einzudringen und all ihre Erfahrungen auf der Leinwand darzustellen. Dies ist ein Bild des Leidens und der großen Liebe.

Im Februar 1668 heiratete Titus Magdalena van Loo, starb jedoch bald darauf. Dies versetzte Rembrandt einen schweren Schlag, und am 8. Oktober 1669 starb er in den Armen seiner Tochter Cornelia.

Rembrandts kreatives Erbe ist riesig: etwa 600 Gemälde, fast 300 Radierungen und 1400 Zeichnungen. Es beeinflusste die Arbeit seiner Schüler, von denen die berühmtesten Gerrit Dou, Gowart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabricius und Nicholas Mas sind. Es beeinflusste auch die Entwicklung der Weltkunst im Allgemeinen, obwohl es viele Jahre später geschätzt wurde. Ein breites thematisches Spektrum, Humanismus, die Suche nach künstlerischen Ausdrucksmitteln, das größte Können ermöglichten es dem Künstler, die fortschrittlichen Ideen der Zeit zum Leben zu erwecken. Die Emotionalität seiner Werke ist groß, geschaffen durch die Farbigkeit der Gemälde, die auf einer Kombination aus warmen, dichten Tönen und feinsten Farbschattierungen aufbaut. Rembrandt hinterließ ein riesiges bildnerisches Erbe, schuf Gemälde zu biblischen, historischen, mythologischen und alltäglichen Themen, Porträts und Landschaften, war ein großer Meister der Gravur und Radierung. In seiner Arbeit stellte er den Menschen in den Mittelpunkt, seine innere Welt, seine Erfahrungen, die Offenlegung seines spirituellen Reichtums. Die kreative Figur von Rembrandt steigt im Laufe der Jahrhunderte zusammen mit den größten Vertretern der Weltkunst auf.

Nina Bayor

Rembrandt Harmenszoon van Rijn wurde am 15. Juli 1606 in der holländischen Stadt Leiden geboren. Rembrandts Vater war ein wohlhabender Müller, seine Mutter bäckte gut, war die Tochter eines Bäckers. Der Familienname „van Rijn“ bedeutet wörtlich „vom Rhein“, also vom Rhein, wo Rembrandts Urgroßväter Mühlen hatten. Von den 10 Kindern der Familie war Rembrandt das jüngste. Andere Kinder traten in die Fußstapfen ihrer Eltern, und Rembrandt wählte einen anderen Weg - einen künstlerischen und wurde an einer Lateinschule unterrichtet.

Im Alter von 13 Jahren begann Rembrandt Zeichnen zu lernen und trat auch in die Universität der Stadt ein. Das Alter hat damals niemanden gestört, Hauptsache damals war Wissen auf dem Niveau. Viele Gelehrte vermuten, dass Rembrandt nicht zur Universität ging, um zu studieren, sondern um einen Aufschub von der Armee zu erhalten.

Rembrandts erster Lehrer war Jacob van Swanenbürch.. In seiner Werkstatt verbrachte der zukünftige Künstler etwa drei Jahre, zog dann nach Amsterdam, um bei Peter Lastman zu studieren. Von 1625 bis 1626 Rembrandt kehrte in seine Heimatstadt zurück und machte Bekanntschaften mit Künstlern und einigen von Lastmans Schülern.

Trotzdem entschied Rembrandt nach langem Überlegen, dass die Karriere eines Künstlers in der Hauptstadt Hollands erfolgen sollte, und zog erneut nach Amsterdam.

1634 heiratete Rembrandt Saskia. Zum Zeitpunkt ihrer Heirat hatten alle ein großes Vermögen (Rembrandt hatte Gemälde und Saskias Eltern hinterließen ein beeindruckendes Erbe). Es war also keine arrangierte Ehe. Sie liebten sich wirklich leidenschaftlich.

In den Jahren 1635 - 1640. Frau gebar Rembrandt drei Kinder, die jedoch alle als Neugeborene starben. 1641 gebar Saskia einen Sohn namens Titus. Das Kind überlebte, aber leider starb die Mutter selbst im Alter von 29 Jahren.

Nach dem Tod seiner Frau Rembrandt war nicht er selbst, er wusste nicht, was er tun sollte, und fand Trost im Zeichnen. Im Todesjahr seiner Frau fertigte er das Gemälde „Nachtwache“ an. Mit Titus kam der junge Vater nicht zurecht und stellte deshalb eine Nanny für das Kind ein – Gertje Dirks, die seine Geliebte wurde. Etwa 2 Jahre sind vergangen, und das Kindermädchen im Haus hat gewechselt. Sie wurde ein junges Mädchen Hendrikje Stoffels. Was ist mit Gertier Dirks passiert? Sie verklagte Rembrandt, weil sie glaubte, dass er gegen den Ehevertrag verstoßen hatte, aber sie verlor den Streit und wurde in ein Justizvollzugsheim gebracht, wo sie 5 Jahre verbrachte. Freigelassen, starb sie ein Jahr später.

Das neue Kindermädchen Hendrikje Stoffels gebar Rembrandt zwei Kinder. Ihr erstes Kind, ein Junge, starb im Säuglingsalter und ihre Tochter Karnelia, die einzige, die ihren Vater überlebte.

Das wissen die wenigsten Rembrandt hatte eine sehr eigenartige Sammlung, darunter Gemälde italienischer Künstler, verschiedene Zeichnungen, Gravuren, verschiedene Büsten und sogar Waffen.

Sonnenuntergang von Rembrandts Leben

Für Rembrandt lief es schlecht. Das Geld reichte nicht, die Zahl der Bestellungen ging zurück. Deshalb verkaufte der Künstler einen Teil seiner Sammlung, aber auch das rettete ihn nicht. Er stand kurz davor, ins Gefängnis zu gehen, aber das Gericht war zu seinen Gunsten, also durfte er sein gesamtes Eigentum verkaufen und seine Schulden begleichen. Er lebte sogar einige Zeit in einem Haus, das ihm nicht mehr gehörte.

In der Zwischenzeit organisierten Titus und seine Mutter eine Firma, die mit Kunstgegenständen handelte, um Rembrandt irgendwie zu helfen. In Wahrheit hat der Künstler bis zu seinem Lebensende nie viele ausgezahlt, aber das hat Rembrandts Ruf nicht beeinträchtigt, er blieb in den Augen der Menschen eine würdige Person.

Rembrandts Tod war sehr traurig. 1663 starb die Geliebte des Künstlers, Hendrikje. Einige Zeit später begrub Rembrandt seinen Sohn Titus und seine Braut. 1669, am 4. Oktober, verließ er selbst diese Welt, hinterließ jedoch für immer Spuren in den Herzen der Menschen, die ihn lieben.

Es ist immer schwer, darüber zu sprechen, was man wirklich liebt. Sie wählen sorgfältig die richtigen Worte, Redewendungen, Sie wissen nicht, wo Sie anfangen sollen ... Deshalb beginne ich mit einer kleinen Offenbarung: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- mein Lieblingskünstler, den ich sehr lange kennengelernt habe.

Als Kind - in der Eremitage, mit den Geschichten des Professorvaters. In seiner Jugend - beim Unterricht des Moskauer Kunsttheaters am Institut, mit alten Dias im dunklen Publikum an langen Dezemberabenden. In seiner Jugend - im erstaunlichen Amsterdam, fröhlich lachend in den Strahlen der untergehenden Augustsonne. Ich habe bereits Hunderte von Vorträgen über Rembrandt gelesen und mehr als ein Dutzend Exkursionen durchgeführt, aber dennoch besteht das Gefühl, dass Sie sich jetzt in etwas Unbekanntes, Riesiges, Unverständliches stürzen müssen.

Es ist, als würde man von einem Pier ins Meer springen, wo man zum ersten Mal war. Du weißt nicht, ob das Wasser dort kalt ist, wie viele Steine ​​unten liegen. Vorfreude und Zweifel lassen deine Hände nervös zittern. Es gibt nur einen Weg, dies zu besiegen - springen Sie aus dem Anlauf, spüren Sie, wie Ihr Herz klopft und wie in einem Moment die ganze Welt um Sie herum irgendwo in die Ferne getragen wird, und jetzt sind Sie allein mit etwas völlig Neuem ... Tja , Gut! Lass uns springen, unsere Augen öffnen und sehen!

Mit 27 hatte er alles, wovon ein Künstler nur träumen konnte. Ruhm, Ruhm, Geld, geliebte Frau, Hunderte von Bestellungen. Er galt als der beste Porträtmaler in einer der reichsten Städte seiner Zeit, in der Perle Nordeuropas – Amsterdam.

Ja, es gab noch nie einen Künstler auf der Welt, der in der Lage war, dies zu schaffen! Das Porträt musste perfekt sein, musste alle Unzulänglichkeiten einer Person aufhellen, aber Rembrandt dachte anders. Seine Porträts lebten. Sie vermittelten Charakter, es gab Konflikte in ihnen. Vor Ihnen liegt ein Fragment eines Porträts des obersten Steuereintreibers der Provinz Holland, Jan Wtenbogart.

Fast der gesamte Staat der Republik ging durch die Hände dieses Mannes. Und seine Kleidung - ein luftiger Spitzenkragen, ein langer Pelzmantel aus russischem Zobelfell - zeugen eindeutig von seinem Zustand. Jetzt schau dir nur diese Augen an. Sie sehen Traurigkeit in ihnen ... Und Sie erinnern sich sofort an die Leinwand von Rembrandts großem Vorgänger -. Blickt der Apostel nicht mit demselben Gesichtsausdruck auf Christus, wenn er ihn zu sich ruft? Dieses Porträt ist die Geschichte eines sehr reichen, aber sehr unglücklichen Mannes, und der niederländische Maler konnte sie in einem eingefrorenen Moment zeigen.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn verbrachte seine ganze Freizeit damit, Gesichtsausdrücke zu studieren. Er stand stundenlang vor dem Spiegel und schnitt Gesichter, die er dann mit Kohle auf Papier übertrug. Es war ihm wichtig, die kleinsten Schattierungen von Emotionen einzufangen.

Das Gesicht eines Menschen, so der Künstler, sei ein Spiegel der Seele, das habe er lange vor Oscar Wilde mit seinem „Portrait of Dorian Gray“ erkannt. Aber Porträts sind nicht das einzige, was Rembrandt auszeichnete. Seine großen Leinwände beeindrucken uns nicht weniger. Das Hell-Dunkel-Spiel, das Caravaggio in seiner Malerei so entwickelt hat, bekommt von unserem Meister eine wahrhaft gigantische Tragweite.

Er war erst 28 Jahre alt, als er sein erstes absolutes Meisterwerk schuf. Dieses Gemälde ist "Abstieg vom Kreuz". An diesem Gemälde in der Eremitage kommt man einfach nicht vorbei. In einem einzigen Moment gelang es dem Künstler, die ganze Essenz des Christentums darzustellen, eine der größten menschlichen Geschichten so ehrlich und berührend wie möglich zu erzählen, wie es niemand vor oder nach ihm getan hat.

Jerusalem im Hintergrund versinkt in Dunkelheit. Der Erlöser ist tot. Wir sehen seinen leblosen Körper in der Bildmitte. Dies ist der Moment der höchsten Verzweiflung, noch glaubt niemand an die Auferstehung. Die Menschen sehen nur den Leichnam eines Mannes, der als Gott geliebt und verehrt wurde, und die Jungfrau Maria fällt in Ohnmacht, ihre Haut ist totenbleich – sie hat gerade ihren einzigen Sohn verloren.

Es gibt ein Detail auf dieser Leinwand, das nicht sofort ersichtlich ist. Das ist Beleuchtung. Die Lichtquelle ist eine Laterne in den Händen des Jungen, aber der Leib Christi und die Kleidung des Apostels, der ihn in seinen Armen hält, reflektieren das Licht wie ein Spiegel. Und durch das Licht wird hier die wahre Geschichte erzählt, die philosophische Bedeutung des Bildes offenbart.

Das Licht einer Laterne ist das Licht des Glaubens, und was wir auf dem Bild sehen, ist eine Einweihung in sein Geheimnis. Man hat das Gefühl, dass der Leib des Erlösers hier zur Lichtquelle wird. Das Antlitz der Muttergottes und das Leichentuch, erleuchtet vom schummrigen Licht einer Kerze, heben sich von der Dunkelheit ab, in die der Leib Christi gehüllt werden sollte. Auf dieser Leinwand wandte Rembrandt zum ersten Mal die Technik an, die in den letzten Jahren seines Lebens zur wichtigsten seiner Arbeit wurde.

Und jetzt sehen wir, wie ein Mensch, der die Schreibtechnik perfekt beherrschte, alle zentralen Figuren bis ins kleinste Detail auf die Leinwand schrieb, aber als sie sich vom Licht entfernten, wurden die Gesichter der Menschen immer verschwommener, fast nicht mehr zu unterscheiden. Alles ist sehr einfach - das Geheimnis dessen, was passiert, ist an ihnen vorbeigegangen.

Auf dieser Leinwand gibt es jedoch einen anderen Charakter, der auf den ersten Blick nicht auffällt. Trotz der Tatsache, dass er im Schatten steht, porträtiert Rembrandt ihn sehr klar. In der unteren rechten Ecke der Leinwand, von der dunkelsten Stelle, versteckt sich hinter den Distelstängeln, sieht Sie der Teufel in Form eines Hundes an und als würde er Ihnen eine Frage stellen:

"Sind Sie in das Geschehen verwickelt?"

Ja, der niederländische Meister war immer nicht zufrieden mit dem Rahmen des Bildes, er träumte davon, dass seine Leinwände Teil dieser Welt werden und der Betrachter direkt am Geschehen teilhaben würde. Aber genau dieser Wunsch stürzte ihn von den Höhen des Ruhms in den Abgrund jahrhundertelanger Vergessenheit.

Unglück und Vergessen kommen so schnell wie Glück und Ruhm. Rembrandt Harmenszoon van Rijn erlebte dies 1642 hautnah. Natürlich gab es davor Beschwerden: Seine Kinder starben im Säuglingsalter. Nur ein Sohn überlebte, Titus, geboren 1641. Aber ein Jahr später verließ seine geliebte Frau Saskia diese Welt, mit der er zusammenlebte lange Jahre. Und mit diesem Verlust wandte sich auch das Glück vom Künstler ab, abgewandt in dem Moment, als er eines seiner größten Gemälde schuf.

Über Rembrandts Nachtwache kann man endlos reden. Diese Leinwand ist so umfangreich in ihrem Inhalt, so einzigartig in ihrer gebauten Komposition, dass die Geschichte ihrer Entstehung durchaus würdig ist. separates Buch, keine Artikel. Aber wie so oft im Leben wurde diese Schöpfung, die später die gesamte Entwicklung der Weltmalerei radikal veränderte, von den Zeitgenossen abgelehnt.

Den Kunden gefiel die Art und Weise, wie sie dargestellt wurden, nicht, und viele von ihnen weigerten sich, für die Arbeit des Künstlers zu bezahlen. Eine solche Demütigung hat der berühmteste Maler der Niederlande noch nie erlebt. In einem Jahr verlor Rembrandt seine geliebte Frau und scheiterte mit seinem besten Werk. Es scheint, dass dies völlig ausreicht, aber nein, es war nur der Anfang der Tragödie. Aufträge wurden immer weniger (Klassizismus und der Stil zeremonieller Porträts kamen in Mode), und bald wurde das Eigentum des Künstlers für Schulden verkauft. Von einem riesigen Herrenhaus im Zentrum Amsterdams musste er an den Rand der Stadt ziehen, ins jüdische Viertel, wo er mit seinem geliebten Sohn Titus mehrere Zimmer mietete.

Das Interessanteste ist, dass Rembrandt sich leicht an die neuesten Modetrends in der Kunst anpassen und wieder viel Geld für seine Leinwände erhalten konnte. Aber der Maler war überzeugt, dass er unbedingt schaffen musste neuer Stil. In seinen Porträts waren jetzt keine reichen Leute, aber die meisten gewöhnliche Bürger Stadt Amsterdam. So zum Beispiel das „Bildnis eines alten Juden“.

Rembrandt ging es nicht um die detailgetreue Darstellung aller Kleidungsstücke, er strebte nach mehr Abstraktion, strebte danach, die Gefühle seiner Figuren in vollkommener Genauigkeit wiederzugeben. Für sein Durchhaltevermögen erhielt er nur Leid und Ohrfeigen. So geschehen bei seinem Gemälde „Die Verschwörung des Julius Civilis“.

Statt eines klassischen, pompösen, extrovertierten Patriotismusbildes präsentierte der Altmeister dieses der Öffentlichkeit.

Vor uns das Bild eines barbarischen Festmahls, unhöflich, unansehnlich. Diese Leinwand war ihrer Zeit fast 300 Jahre voraus und nahm die expressionistische Malerei vorweg. Es ist nicht verwunderlich, dass das Meisterwerk des Meisters abgelehnt wurde und sein Name mit unauslöschlicher Scham bedeckt war. Aber gerade diese letzten acht Jahre seines Lebens, die er in absoluter, undurchdringlicher Armut verbracht hat, sind eine der fruchtbarsten Perioden in Rembrandts Schaffen.

Ich denke, dass ich in einem separaten Artikel über die Gemälde dieser Zeit schreiben werde, einschließlich seiner Die Rückkehr des verlorenen Sohnes. Jetzt möchte ich über etwas anderes sprechen. Ich war immer wieder erstaunt, wie Rembrandt arbeiten und sein Talent entfalten konnte, wenn die Schicksalsschläge von überall her auf ihn niederprasselten. So konnte es nicht lange weitergehen, und der Künstler sah es voraus.

Der letzte Schlag wird immer ganz genau getroffen wunder Punkt. Er war der einzige Sohn von Titus - ein sehr kränklicher Junge, ähnlich seiner toten Mutter. Er war es, den Rembrandt damals am häufigsten porträtierte: sowohl in Form eines Engels in dem Gemälde „Matthäus und der Engel“ als auch lesend und in verschiedenen Kostümen. Vielleicht dachte der Maler, dass er mit Hilfe seines Talents das Unvermeidliche irgendwie hinauszögern könnte ... Er scheiterte ...

„Porträt des Titus in einer Klostersoutane“ ist meiner Meinung nach eines der gefühlvollsten Gemälde von Rembrandt. Die ganze Liebe ihres Vaters, das ganze Talent eines Malers manifestierte sich in ihr. In all diesen groben Strichen, in dieser Dunkelheit, die von links auf den jungen Mann zukommt, in den Pflanzen, die seinen Körper bereits umgeben, sticht eines hervor - das bleiche Gesicht des Sohnes des Künstlers mit gesenkten Augen voller Demut.

Titus starb 1668, Rembrandt überlebte ihn nur um ein Jahr.

Er starb am Stadtrand von Amsterdam, völlig allein, nachdem er in diesem Leben alles gewonnen und alles verloren hatte. Sie haben seine Leinwände lange Zeit vergessen ... Aber 150 Jahre sind vergangen, und andere Künstler haben bereits gehört, was der Meister seinen Zeitgenossen zu sagen versuchte, indem er seinen eigenen einzigartigen Weg anstelle von Ruhm und Geld wählte.

"Flora" (1641, Dresden)

Das Gleichnis vom reichen Mann (1627, Berlin)

Rückkehr des Judas 30 Silberstücke (1629, Privatsammlung)

Selbstporträt (1629, Boston)

Jeremia beklagt die Zerstörung Jerusalems (1630, Amsterdam)

Porträt eines Wissenschaftlers (1631, Eremitage)

Anna die Prophetin (1631, Amsterdam)

Apostel Petrus (1631, Israel)

Sturm auf dem See Genezareth (1663, Boston)

Selbstbildnis mit Saskia (1635, Dresden)

Fest des Belsazar (1638, London)

Prediger und seine Frau (1641, Berlin)

"Saskia mit rotem Hut" (1633/1634, Kassel)

Steinbrücke (1638, Amsterdam)

Porträt von Maria Trip (1639, Amsterdam)

Opfer von Manoy (1641, Dresden)

Mädchen (1641, Warschau)

Nachtwache (1642, Amsterdam)

Heilige Familie (1645, Eremitage)

Flora (1654, New York)

Die Rückkehr des verlorenen Sohnes (ca. 1666-69, Hermitage)

Saskia (1643, Berlin)

Die Verschwörung von Julius Civilis (1661, Stockholm)

Junge Frau probiert Ohrringe an (1654, Hermitage)

Syndika (1662, Amsterdam)

Jüdische Braut (1665, Amsterdam)

Porträt von Maertena Soolmansa (1634, Privatsammlung)

Allegorie der Musik. 1626. Amsterdam.

Selbstportrait
Martin Löten
Mann in orientalischer Kleidung

Porträt von Hendrickje Stofells

***

Selbstportrait
Tobit verdächtigt seine Frau des Diebstahls. 1626. Amsterdam.
Valaams Esel. 1626. Paris.
Samson und Delilah. 1628. Berlin.
Junge Saxie. 1633. Dresden.
Saxia van Uylenburgh. 1634. Amsterdam.
Porträt von Jan Utenbogart. 1634. Amsterdam.
Flora. 1633-34. Einsiedelei. St. Petersburg.
Die Entführung Ganymeds, 1635. Dresden.
Erblindung Simsons.1636.Frankfurt am Main. Abrahams Opfer. 1635. Einsiedelei. St. Petersburg
Andromeda.1630-1640. Haag.
David und Jonophan.1642. Einsiedelei. St. Petersburg.
Mill. 1645. Washington.
Stilleben mit Pfau, 1640er Jahre. Amsterdam.
Porträt eines alten Kriegers. 1632-34. Los Angeles.
Susanna und die Ältesten. 1647. Berlin-Dahlem.
Der Mann im goldenen Helm. 1650. Berlin-Dahlem.
Aristoteles mit einer Büste von Homer. 1653. New York.
Bathseba. 1654. Louvre. Paris.
Porträt von Jan Sixt. 1654. Amsterdam.
Josefs Vorwurf. 1655. Washington.
Hendrikje betritt den Fluss. 1654. London.
Segen von Jacob.1656. Kassel.
Verzicht auf den Apostel Petrus. 1660. Amsterdam.
Hendrikje am Fenster.1656-57. Berlin.
Evangelist Matthäus und ein Engel. 1663. Louvre, Paris.
Frederic Riel zu Pferd. 1663. London.
Porträt einer alten Frau. 1654. Einsiedelei. Svnkt-Petersburg.
Batavische Verschwörung 1661-62. Stockholm.
Porträt von Jeremiah Dekker.1666. Einsiedelei. St. Petersburg.
Selbstbildnis.1661. Amsterdam. Rembrandt Harmenszoon van Rijn(Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606-1669), niederländischer Maler, Zeichner und Radierer. Das Werk von Rembrandt, durchdrungen von der Sehnsucht nach einem zutiefst philosophischen Verständnis des Lebens, innerer Frieden ein Mensch mit dem ganzen Reichtum seiner spirituellen Erfahrungen, markiert den Höhepunkt der Entwicklung der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts, einen der Höhepunkte der künstlerischen Weltkultur. Das künstlerische Erbe von Rembrandt ist außerordentlich vielfältig: Er malte Porträts, Stillleben, Landschaften, Genreszenen, Gemälde zu historischen, biblischen, mythologischen Themen, Rembrandt war ein unübertroffener Meister der Zeichnung und Radierung. Nach einem kurzen Studium an der Universität Leiden (1620) beschloss Rembrandt, sich der Kunst zu widmen und studierte Malerei bei J. van Swanenbürch in Leiden (ca. 1620-1623) und P. Lastman in Amsterdam (1623); 1625-1631 arbeitete er in Leiden. Rembrandts Gemälde der Leidener Zeit sind geprägt von der Suche nach schöpferischer Unabhängigkeit, zeigen aber dennoch den Einfluss Lastmans und der Meister des holländischen Karavagismus („Bringing to the Temple“, um 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). In den Gemälden „Apostel Paul“ (um 1629–1630, Nationalmuseum, Nürnberg) und „Simeon im Tempel“ (1631, Mauritshuis, Den Haag) verwendete er erstmals Hell-Dunkel als Mittel, um die Spiritualität und emotionale Ausdruckskraft von Bildern zu steigern . In den gleichen Jahren arbeitete Rembrandt intensiv an dem Porträt und studierte die Mimik des menschlichen Gesichts. 1632 zog Rembrandt nach Amsterdam, wo er bald die wohlhabende Patrizierin Saskia van Uylenburgh heiratete. Die 1630er Jahre sind eine Zeit des Familienglücks und Rembrandts großer künstlerischer Erfolge. Das Gemälde „Die Anatomiestunde des Dr. Tulp“ (1632, Mauritshuis, Den Haag), in dem der Künstler das Problem eines Gruppenporträts innovativ löste, der Komposition eine vitale Leichtigkeit verlieh und das Dargestellte in einer einzigen Handlung vereinte, brachte Rembrandt breiten Ruhm. In Porträts, die in zahlreichen Aufträgen gemalt wurden, hat Rembrandt van Rijn Gesichtszüge, Kleidung, Schmuck sorgfältig wiedergegeben (Gemälde „Bildnis eines Burggrafen“, 1636, Dresdner Galerie).

Aber Rembrandts Selbstporträts und Porträts von ihm nahestehenden Personen sind freier und vielfältiger in der Komposition, in denen der Künstler auf der Suche nach psychologischer Ausdruckskraft kühn experimentierte (Selbstporträt, 1634, Louvre, Paris; Lächelnde Saskia, 1633, Kunstgalerie, Dresden). Die Suche nach dieser Zeit wurde durch das berühmte „Selbstbildnis mit Saskia“ oder „Merry Society“ vervollständigt; um 1635, Gemäldegalerie, Dresden), kühn mit künstlerischen Kanons brechend, gekennzeichnet durch die lebendige Unmittelbarkeit der Komposition, die freie Malweise, die große, lichterfüllte Farbpalette.

Biblische Kompositionen der 1630er Jahre („Die Opferung Abrahams“, 1635, Staatliche Eremitage, St. Petersburg) tragen den Stempel des Einflusses der italienischen Barockmalerei, die sich in einer etwas forcierten Dynamik der Komposition, scharfen Winkeln, Licht- und Schattenkontraste. Einen besonderen Platz in Rembrandts Werk der 1630er Jahre nehmen mythologische Szenen ein, in denen der Künstler kühn klassische Kanons und Traditionen herausforderte („Die Entführung des Ganymed“, 1635, Gemäldegalerie, Dresden).

Die monumentale Komposition „Danae“ (1636–1647, Staatliche Eremitage, St. Petersburg) wurde zu einer lebendigen Verkörperung der ästhetischen Ansichten des Künstlers: Realistische Unmittelbarkeit und sinnlich-körperliche, ideale Schönheit der Bilder italienischer Meister, die er der Schönheit gegenüberstellte Spiritualität und die Wärme menschlicher Gefühle. In der gleichen Zeit arbeitete Rembrandt viel an der Technik der Radierung und Gravur (Manneken Pis, 1631; Rat Poison Seller, 1632; Traveling Couple, 1634) und schuf kühne und allgemeine Bleistiftzeichnungen.

In den 1640er Jahren braute sich ein Konflikt zwischen Rembrandts Werk und den begrenzten ästhetischen Ansprüchen der zeitgenössischen Gesellschaft zusammen. Es manifestierte sich deutlich im Jahr 1642, als das Gemälde „Nachtwache“ (Rijksmuseum, Amsterdam) Proteste von Kunden hervorrief, die die Hauptidee des Meisters nicht akzeptierten – statt des traditionellen Gruppenporträts schuf er eine heroisch erhabene Komposition mit eine Szene der Aufführung der Gilde der Schützen bei Alarm, d.h. im Wesentlichen ein historisches Bild, das Erinnerungen an den Befreiungskampf der Niederländer weckt. Der Auftragseingang von Rembrandt ist rückläufig, seine Lebensumstände werden überschattet vom Tod Saskias. Rembrandts Werk verliert seinen äußeren Glanz und die ihm früher innewohnenden Dur-Töne. Er malt ruhige, warme und intime Bibel- und Genreszenen, die die subtilen Nuancen menschlicher Erfahrungen, Gefühle spiritueller, familiärer Nähe offenbaren („David und Jonathan“, 1642, „Die heilige Familie“, 1645, beide in der Eremitage, St. Petersburg).

Alle Größerer Wert sowohl in der Malerei als auch in der Grafik eignet sich Rembrandt feinstes Hell-Dunkel-Spiel an und schafft eine besondere, dramatische, emotional intensive Atmosphäre (das monumentale Grafikblatt „Christus heilt die Kranken“ oder „Ein Blatt von hundert Gulden“, um 1642-1646; voll der luft- und lichtdynamischen Landschaft „Drei Bäume“, Radierung, 1643). Die 1650er Jahre, die für Rembrandt mit schwierigen Lebensproben gefüllt sind, eröffnen die Zeit der kreativen Reife des Künstlers. Rembrandt wendet sich zunehmend dem Porträtgenre zu und stellt die ihm engsten Personen dar (zahlreiche Porträts von Rembrandts zweiter Ehefrau Hendrickje Stoffels; „Bildnis einer alten Frau“, 1654, Staatliche Eremitage, St. Petersburg; „Sohn Titus beim Lesen“, 1657 , Kunsthistorisches Museum, Wien).

Der Künstler wird immer mehr von den Bildern gewöhnlicher Menschen, alter Menschen, angezogen, die als Verkörperung lebenswichtiger Weisheit und spirituellen Reichtums dienen (das sogenannte „Porträt der Frau des Bruders des Künstlers“, 1654, Staatliches Museum Bildende Kunst, Moskau; „Bildnis eines alten Mannes in Rot“, 1652-1654, Eremitage, St. Petersburg). Rembrandt konzentriert sich auf Gesicht und Hände, die durch weiches, diffuses Licht aus der Dunkelheit gerissen werden, die subtilen Gesichtsausdrücke spiegeln die komplexe Bewegung von Gedanken und Gefühlen wider; mal leichte, mal pastöse Pinselstriche schaffen die Bildoberfläche, changierend mit bunten und hellen und schattigen Schattierungen.

Mitte der 1650er Jahre erwarb Rembrandt eine ausgereifte Malkunst. Die Elemente Licht und Farbe, die in den frühen Arbeiten des Künstlers unabhängig und teilweise sogar gegensätzlich waren, verschmelzen nun zu einem einzigen zusammenhängenden Ganzen. Die heiß rotbraune, mal aufblitzende, mal verblassende, zitternde Masse leuchtender Farbe verstärkt die emotionale Ausdruckskraft von Rembrandts Werken, als würde sie sie mit einem warmen menschlichen Gefühl erwärmen. 1656 wurde Rembrandt für bankrott erklärt, sein gesamter Besitz wurde versteigert. Er zog in das jüdische Viertel von Amsterdam, wo er den Rest seines Lebens in äußerst beengten Verhältnissen verbrachte. Die biblischen Kompositionen, die Rembrandt in den 1660er Jahren schuf, fassen seine Überlegungen zum Sinn des menschlichen Lebens zusammen. In Episoden, die das Aufeinanderprallen von Dunkel und Licht ausdrücken menschliche Seele(„Assur, Haman und Esther“, 1660, Puschkin-Museum, Moskau; „The Fall of Haman“ or „David and Uriah“, 1665, State Hermitage Museum, St. Petersburg), reiche, warme Tonleiter, flexible pastose Pinselführung, intensives Spiel aus Schatten und Licht dient die komplexe Textur der farbigen Oberfläche dazu, komplexe Konflikte und emotionale Erfahrungen zu enthüllen, um den Triumph des Guten über das Böse zu bekräftigen.

Das Historiengemälde „Die Verschwörung des Julius Civilis“ („Die Verschwörung der Batavis“, 1661, ein Fragment ist erhalten, Nationalmuseum, Stockholm) ist von schwerer Dramatik und Heroismus durchdrungen. BEI Vergangenes Jahr Rembrandt schuf sein wichtigstes Meisterwerk - das monumentale Gemälde "Die Rückkehr des verlorenen Sohnes" (um 1668-1669, Staatliches Eremitage-Museum, St. Petersburg), das alle künstlerischen und moralischen und ethischen Probleme des Spätwerks des Künstlers verkörperte. Mit erstaunlicher Geschicklichkeit erschafft er in ihm eine ganze Reihe komplexer und tiefer menschlicher Gefühle, unterwirft sich künstlerische Mittel die Schönheit des menschlichen Verständnisses, des Mitgefühls und der Vergebung offenbart. Der Höhepunkt des Übergangs von der Anspannung der Gefühle zur Auflösung der Leidenschaften verkörpert sich in plastisch expressiven Posen, gemeinen Gesten, in der emotionalen Farbstruktur, die in der Bildmitte hell aufblitzt und im schattierten Hintergrundraum verblasst. Der große niederländische Maler, Zeichner und Radierer Rembrandt van Rijn starb am 4. Oktober 1669 in Amsterdam. Der Einfluss von Rembrandts Kunst war enorm. Es wirkte sich nicht nur auf die Arbeit seiner direkten Schüler aus, von denen Karel Fabritius dem Verständnis des Lehrers am nächsten kam, sondern auch auf die Kunst jedes mehr oder weniger bedeutenden niederländischen Künstlers. Die Kunst von Rembrandt hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der gesamten realistischen Kunst der Welt in der Folge.