Musikproduktion. Tonproduzent - wer ist das?

Clan Soprano Studio - Produzent, Komponist, Texter, Tontechniker

Alexander Sacharov (Clan Soprano Studio) Produzent, Komponist, Texter, Tontechniker, Produzent und Autor von über 100 Titeln, von denen 5 die Nummer 1 der russischen Radiocharts waren.

Der Klassiker sagte, dass wir alle aus der Kindheit stammen. Viele sind sich einig, dass von dort, von Kindheit an, alle Merkmale, Probleme und in vielerlei Hinsicht der Charakter des Individuums. Das russische Showbusiness stammt also aus den 90er Jahren und erlebt noch immer seine Kinderkomplexe. Und das spiegelt sich nicht nur bei den Teilnehmern selbst, sondern auch beim Publikum wider.

Im Hinblick auf gewöhnlicher Mensch die situation ist folgende: da ist ein künstler, er hat einen produzenten, der kommt mit dem künstler in irgendein abstraktes studio, da nehmen sie irgendeinen song auf, der gleich aus dem nichts zu kommen scheint, dann drehen sie einen clip und zeigen ihn im fernsehen. Und fertig ist der Stern.

So war es in den 90er Jahren, und dann teilweise. Dann gab es viel Kreativität und Energie der neuen Zeit, die Musikindustrie begann sich schnell und teilweise sogar dreist zu entwickeln und brachte viele neue Helden hervor. „Tender May“ erschien, dann „Hands Up“, die alten Stars passten sich mehr oder weniger erfolgreich an die neuen Gesetze an, die Rap-Kultur begann sich zu entwickeln, und außerdem ehemalige Rebellenrocker, zum Beispiel Viktor Tsoi und die Gruppe „Kino“. (Ja, ihre neuesten Alben wurden nach allen Regeln der Popmusikindustrie veröffentlicht und beworben).

Infolgedessen sind wir mit einem völlig neuen Showbusiness ins 21. Jahrhundert eingetreten, ideenreich, aber sehr handwerklich und zurückhaltend in Bezug auf die Professionalität der Teilnehmer. Alles wurde auf Knien gemacht, aber das kam dem Publikum entgegen, da sich niemand vorstellen konnte, dass es irgendwie anders sein könnte. Und nach der schwerfälligen und ungeschickten sowjetischen Bühne waren die Menschen bereit, Musik jeder Qualität wahrzunehmen, solange sie anders war.

Daher wurde ein Produzent in Russland spontan als einer angesehen, der durch seine Bemühungen verschiedener Art, von der Investition von Geld über die Organisation von Konzerten bis hin zum Vertrieb von Kassetten, dem Künstler Popularität verschaffen wird. Und alles wäre so weitergegangen, wenn die Integration in das Weltshowgeschäft und die Verfügbarkeit von Informationen im Internet uns nicht alle verstehen ließen, dass „dort“ alles irgendwie anders ist. Produzenten sind Leute wie Timbaland und Pharrel Williams. Diplo und Skrillex gewinnen Grammys als Produzenten von Justin Biebers Where Are Ü Now. Und diese Kerle entsprechen so gar nicht dem Spießer-Image des Produzenten als „Bauchknaben, die auf Mädchen lümmeln und auf der Couch lümmeln“.

Lassen Sie uns daher herausfinden, wer wie heißt und vor allem - wer für was verantwortlich ist. Ein Produzent ist eine Person, die dafür verantwortlich ist, welches Produkt die Öffentlichkeit schließlich hören wird. Ein Produzent kann alles selbst machen, also einen Song komplett schreiben, ein Arrangement machen, Gesang aufnehmen, einen Track mischen, ein Konzept für eine Videosequenz erstellen. Kann einen Teil dieser Funktionen delegieren. Die Entscheidung darüber, was im Finale passieren soll, liegt jedoch allein beim Produzenten. Und in der Tanzmusik kommt es vor, dass ein erfolgreicher Track ganz ohne Künstler entsteht. Und in diesem Fall ist die Titelperson eines solchen Tracks der Produzent selbst. Als Beispiel für solche sehr gelungenen Tracks können genannt werden: Martin Garrix – Animals – fast schon ein Instrumental-Track oder Chainsmokers – Don’t Let Me Down, wo die Stimme des Sängers zwar klingt, aber eigentlich nicht fundamental ist, und die Sänger wird einfach von den Produzenten eingeladen, ihre Ideen umzusetzen.

Glücklicherweise kommt in Russland allmählich das Verständnis für die Bedeutung und Rolle des Produzenten, denn ein zufällig gekaufter Song aus Internet-Mailinglisten wie „Songs for Sale. Teil 3" bringt dem Künstler nicht das gewünschte Ergebnis. Nur etwas zum Singen reicht nicht. Es ist notwendig, das Konzept eines Künstlers zu schaffen, aus ihm die sehr coole, ehrliche und starke Kraft herauszuholen, die er hat, einen interessanten Sound zu erfinden und qualitativ zu verkörpern, nach hellen Wegen zu suchen, um das endgültige musikalische Produkt zu verwirklichen. Und das ist alles - die Aufgabe des Produzenten. Und derjenige, der Geld investiert, wird als Investor bezeichnet. Die Person, die den Verwaltungsprozess leitet, wird als Geschäftsführer oder Manager bezeichnet. Konzertdirektor organisiert Konzerte; der tourmanager ist direkt mit dem künstler unterwegs.

Aber dieses der Prozess ist im Gange langsam, und während sie bei unseren Preisverleihungen weiterhin "Teller" an Sänger verteilen. Und zu diesem Zeitpunkt, beim Grammy, wird der Preis weniger an den Interpreten als an den Produzenten vergeben, öffnen Sie einfach die Liste der Gewinner auf Wikipedia, und Sie werden diese Informationen sehen:

Platte des Jahres: „Uptown Funk“ – Mark Ronson mit Bruno Mars. Produziert von Jeff Basker, Bruno Mars und Mark Ronson. Aufnahme – Josh Blair, Serban Ghenea, Wayne Gordon, John Hanes, Inaam Haq, Boo Mitchell, Charles Moniz & Mark Ronson, Mastering Engineer – Tom Coyne.

Hier sehen Sie, wer diesen Track erstellt und die Entscheidung getroffen hat. Beachten Sie, dass Bruno Mars hier sowohl Co-Autor als auch Co-Produzent ist, denn eine neue Generation von Sängern wird sicher an der Musikgestaltung teilnehmen, sie haben das Gefühl, dass sie den Menschen durch Musik etwas sagen wollen. Und jene Sänger, die weiterhin glauben, dass es egal ist, was und wie gesungen wird und wer es tun wird, solange es viele Rotationen im Radio gibt, gehen jetzt zunehmend „über Bord“. Und die Öffentlichkeit ist gebildeter geworden, hat begonnen zu verstehen, wie und wer Musik macht, und ihre Qualitätsanforderungen wachsen stark.

Daher ist ein echter Sprung in der Entwicklung des Showbusiness in Russland nur möglich, wenn alle Beteiligten diese Prinzipien verstehen, jeder sein eigenes Ding macht, sich professionell entwickelt, die Tonaufnahme und den Studioprozess versteht, relevant ist und alle Innovationen auf der ganzen Welt verfolgt Musikindustrie. . Nur dann wird die russische Musik nach einiger Zeit der Weltmusik in nichts nachstehen.

Fast jeder durchschnittliche Zuhörer denkt, dass der perfekte Klang eines Songs das Verdienst des Interpreten ist. Die Bedeutung der Tonproduktion ist nur denen bekannt, die zumindest eine Ahnung von den Besonderheiten der Musikindustrie haben.

Die Arbeit eines Tonproduzenten lässt sich mit der Arbeit eines talentierten Designers vergleichen: mit seiner Hilfe nicht einmal die allermeisten bestes Modell nimmt den perfekten Look an. Mit Hilfe gut gewählter Kleidung werden kleine und große Schönheitsfehler kaschiert, die ein echter Spezialist leicht in Vorteile umwandeln kann. Ähnlich verhält es sich mit dem Visagisten: Nach seiner Arbeit verlieren die Models mindestens ein Dutzend Jahre, sie fangen an, jugendlicher und attraktiver auszusehen. Die Klangerzeugung in der Musik spielt eigentlich die wichtigste, letzte Rolle.

Wie dem auch sei, es hängt von der Qualitätsarbeit des Tonproduzenten ab, wie erfolgreich dieser oder jener Track des Interpreten sein wird. Es ist dieser Spezialist, der den einzigartigen Stil jedes Sängers kreiert und zum perfekten Klang verhilft. Der Tonproduzent hat immer seine eigene Vorstellung von der zukünftigen Komposition. Er kennt auch alle Trends in der Musikwelt von heute. Basierend auf ihrem Wissen kann ein Profi eine harmonische Einheit aus der Musik des Komponisten, dem Gesang des Sängers und dem Text des Autors schaffen. Die Tonproduktion ist also der Prozess, bei dem der endgültige Look eines Songs entsteht.

Die Hauptaufgabe des Produzenten besteht nicht nur darin, die Merkmale der Stimme des Interpreten zu bemerken, sondern auch hervorzuheben, hervorzuheben und dem Klang etwas Schwung zu verleihen. Zu seinen Aufgaben gehört es, die Form und den Stil der Präsentation der musikalischen Komposition des Sängers zu schaffen. Theoretisch kann jeder Performer experimentieren und sich in verschiedene Richtungen versuchen. Aber wenn es auf einem Album „bunte“, absolut zusammenhangslose Songs gibt, dann wird es einfach keinen Hörer dafür geben, was bedeutet, dass ein solcher Sänger wertlos ist. Die Tonproduktion hilft, in allen Texten und in der Musik Gemeinsamkeiten zu finden und einen Stil zu bilden, der zum Publikum der Zuhörer passt.

Die Verantwortung für die Wahl eines solchen Stils, bei dem die Stimme des Sängers erkennbar und einzigartig wäre, liegt auf den Schultern des Tonproduzenten. Es ist sehr wichtig, ihn als Anfänger zu formen, besonders wenn er selbst der Autor seiner Songs ist. Aus manchmal dissonanten Vocals und Texten etwas Einheitliches und Einzigartiges zu machen, das für den Hörer attraktiv ist, ist die Essenz der Arbeit der Tonstudio-Spezialisten.

Es kommt oft vor, dass unerfahrene, aber ambitionierte Sänger, die die Feinheiten der Arbeit eines Produzenten und Toningenieurs nicht verstehen, Fachleuten mitteilen, was sie ändern möchten. Dies sollte nicht aus dem einfachen Grund geschehen, dass der Spezialist, wie man so sagt, es besser weiß, Erfahrung hat und versteht, was zu tun ist, damit der Song wirklich klingt.

Unter anderem muss eine solide Produktion mit dem Wissen des modernen Marktes funktionieren. Nur ausgehend von all den Kompositionen, die auf existieren dieser Moment, können Sie einen völlig einzigartigen Song erstellen. Stimmen Sie zu, dass es in diesem Fall einfach unmöglich ist, auf die Dienste von Spezialisten aus einem Aufnahmestudio zu verzichten: Es ist einfach unrealistisch, die Werke aller möglichen Konkurrenzsänger unabhängig zu studieren.

Um eine qualitativ hochwertige Tonproduktion zu erstellen, müssen Sie viel Erfahrung auf diesem Gebiet haben. Zusammen mit den Darstellern, die auch eine bestimmte Vision des zukünftigen Songs haben, erstellen die Produzenten ihr Projekt. Dann sollten Sie ein Arrangement der Komposition erstellen, damit es vollständig zum Projekt passt. Erst danach erfolgt die Aufnahme von Song und Gesang, das gesamte Material wird reduziert.

Senden Sie Ihre gute Arbeit in die Wissensdatenbank ist einfach. Verwenden Sie das untenstehende Formular

Gute Arbeit zur Seite">

Studenten, Doktoranden, junge Wissenschaftler, die die Wissensbasis in ihrem Studium und ihrer Arbeit nutzen, werden Ihnen sehr dankbar sein.

Ähnliche Dokumente

Die Stellung der Musik im Leben des deutschen Volkes. Der Stand der musikalischen Bildung und Erziehung in Deutschland vom Mittelalter bis zur Gegenwart. Die Struktur der Musikausbildung an modernen Musikuniversitäten des Landes. Arbeiten Sie daran, ausländische Studenten anzuziehen.

Seminararbeit, hinzugefügt am 07.09.2013


Musikalisches Denken als Phänomen der Psychologie. Das Problem des musikalischen Denkens in der Geschichte der Musikpädagogik. Pädagogische Bedingungen ihrer Entstehung und Entwicklung in jüngere Schulkinder im Solfeggio-Unterricht. Historische und theoretische Analyse des Problems.

Dissertation, hinzugefügt am 13.07.2009


Quellen zum Studium des Entstehungsprozesses und der Entwicklung musikalischer Strömungen in Antikes Griechenland. Prinzipien der Entwicklung eines Systems des musikalischen Schreibens und seiner Interpretation. Beschreibung alter Instrumente: Leier, Kithara, Flöte, Syringa, Aulos, Tympanon, Sistrum.

Präsentation, hinzugefügt am 27.02.2016


Wahrnehmung musikalischer Werke. Schwierigkeiten bei der Vergleichbarkeit von Objekten der musikalischen Welt. Klangfarben Musikinstrumente Symphonieorchester. Der Denkprozess eines dichotomen Plans. Identifizierung der Natur eines Musikstücks.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 21.06.2012


Spezielle Programme der musikalischen Entwicklung. Programme gewidmet bestimmte Typen musikalische Tätigkeit. „Elementares Musizieren mit Vorschulkindern“ T.E. Tyutyunnikova, erstellt nach dem System der Musikpädagogik von K. Orff, Musikalische Erziehung.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 06.08.2010


Aufnahme eines Ensembles alter Musikinstrumente. Optimierung der akustischen Aufnahmebedingungen. Das Konzept des Nachhalls. Bewertung der akustischen Qualität des Studios. Grundprinzipien der Platzierung von Musikern und Mikrofonen. Merkmale des Klangs von Cembalo und Viola da Gamba.

Seminararbeit, hinzugefügt am 12.02.2014


Der Entstehungsmechanismus der klassischen Musik. Das Wachstum der klassischen Musik aus dem System der sprachmusikalischen Aussagen (Ausdrücke), ihre Bildung in den Gattungen der Musikkunst (Choräle, Kantaten, Oper). Musik als neue künstlerische Kommunikation.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 25.03.2010


N.K. Medtner als einer der brillantesten Komponisten der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, eine Einschätzung seines Beitrags zur Entwicklung der Musikkunst. Identifikation der Stilmerkmale der Harmonik als Mittel zur Darstellung musikalischer Bilder. Das Studium der Beziehung zwischen diatonisch und chromatisch.

Bericht, hinzugefügt am 22.10.2014


Musik der Antike in Griechenland, ihre Rolle im öffentlichen und privaten Leben. Zupf- und Blasinstrumente der alten Griechen. Pythagoreische Musiktheorie. Musikalische Kunst antikes Ägypten. Das Konzept der musikalischen Intervalle, ihre Vielfalt und Anziehungskraft.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 14.01.2010


Das Studium der Genese philosophischer und musikalischer Konzepte (sozialanthropologischer Aspekt). Betrachtung des Wesens der Tonkunst aus der Sicht des abstrakt-logischen Denkens. Analyse der Rolle der Musikkunst in der spirituellen Entwicklung des Individuums.

Die Unterschiede zwischen den Begriffen "Produzent" und "Tonproduzent" bieten Ihnen einen nützlichen Artikel. Sein Autor hat nichts mit der Firma Soyuz Production zu tun.

Tonproduzent – ​​wer ist das?

In diesem Artikel werde ich versuchen, die beiden Hauptfragen zu beantworten, die den Ausdruck „Sound Producer“ beschatten, nämlich: „Was ist ein Sound Producer?“ und „Warum brauchen Musiker so eine Person?“. Dieses Thema ist komplex und verwirrend, daher musste ich viel recherchieren, um das Thema umfassend abzudecken, ohne den Leser zu ermüden. Aber der Reihe nach.

Wie also kann man den Beruf des „Tonproduzenten“ definieren? Basierend auf den Informationen, die ich aus verschiedenen Quellen zusammengetragen habe, sowie meiner persönlichen langjährigen Erfahrung wage ich folgende Definition: Ein Tonproduzent (Musikproduzent) ist eine Person, die beruflich in der Tonträgerindustrie tätig ist ( oder allgemeiner - das Erstellen von Musik), dessen Aufgabe die Durchführung der allgemeinen Verwaltung und Qualitätskontrolle des Prozesses der Erstellung von Tonträgern für Künstler ist. Zu den Aufgaben eines Tonproduzenten gehören unter anderem die Auswahl von Material und musikalischen Ideen des Künstlers, die Auswahl von Songs und ggf. die Auswahl von Musikern für ein bestimmtes Projekt, die Auswahl von Studios, in denen die Bühnen stattfinden Arbeiten am Projekt durchgeführt werden, Kontrolle des Aufnahmeprozesses, Festlegung des Gesamtklangs, Kontrolle des Mixing- und Mastering-Prozesses. Unter modernen Bedingungen kann sich die Rolle eines Produzenten auch sowohl auf materielle Bereiche - Budgetkontrolle, organisatorische Arbeit und Verhandlungsprozess - als auch auf kreative Bereiche - Schreiben von Musik und / oder Texten, Erstellen von Arrangements, die Arbeit eines Session-Musikers - erstrecken als Tontechniker. Einfach ausgedrückt ist der Tonproduzent für den endgültigen Klang des Musikprodukts (Tonträger) verantwortlich.

Mir persönlich gefällt der Vergleich von Produzent Phil Eck sehr gut, der seine Rolle im Prozess des Musikmachens als die Rolle einer Person definiert, die diesen Prozess kreativ managt, so wie ein Filmregisseur einen Film macht. Mit dieser Analogie kann ein Tontechniker mit einem Kameramann verglichen werden, der diesen Film dreht. Auch viele moderne Musiker, die von einem Tonproduzenten sprechen, nennen ihn ein weiteres Mitglied der Gruppe und erkennen ihn als einen Schatz in ihrer Musik an.

Um besser zu verstehen, wie sich die obige Definition entwickelt hat, machen wir einen kleinen Exkurs in die Geschichte.

Die erste Erwähnung von Menschen, die man getrost als Vorläufer moderner Klangerzeuger bezeichnen kann, geht auf das Ende des 19. Jahrhunderts zurück, als sie bei der Aufnahme einer Oper die Interpreten in einer bestimmten Reihenfolge und in einem bestimmten Abstand zum Grammophonhorn anordneten , die sich auch während der Aufführung bewegen, je nach Dynamik des einen oder anderen Werks. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts standen die Produzenten den damaligen Filmproduzenten sehr nahe, da sie den Prozess der Aufnahme der Darbietung von Künstlern, bezahlten Toningenieuren, Komponisten und Arrangeuren sowie ausgewählter Songs selbst organisierten und kontrollierten.

Die Entstehung des Berufs des Tonmeisters in der Qualität, in der wir ihn heute kennen, fand jedoch erst ab den 50er Jahren des letzten Jahrhunderts statt und wurde durch die Verwendung von Magnetband, später Mehrkanalband, die Verbesserung von Geräten u Mikrofone, die Erfindung der Stereoaufnahme und -wiedergabe, die Entwicklung von Mischpulten. Die Produzenten erhielten also leistungsstarke Werkzeuge, um einen einzigartigen Klang- und Musikraum zu schaffen, denn zuvor bestand ihre Aufgabe darin, die Qualitätsdarstellung einer Live-Performance auf einem physischen Medium zu verfolgen. Jetzt ist es möglich, verschiedene Signalquellen zu unterschiedlichen Zeiten zu verwenden, ein riesiges Feld für Experimente und die Erweiterung der etablierten Grenzen beim Aufnehmen und Erstellen von Musik hat sich geöffnet. In den späten 60er und frühen 70er Jahren des 20. Jahrhunderts, einer Zeit, die getrost als „goldene Ära“ der Tonaufzeichnung bezeichnet werden kann, wurden besonders innovative Ideen verwendet. Es gab auch sogenannte unabhängige Produzenten, die kleine kommerzielle Studios im Gegensatz zu riesigen Studios großer Labels gründeten und nach dem Prinzip des "geschlossenen vollen Zyklus" für Labelkünstler arbeiteten. Jeder, der es sich leisten konnte, konnte in unabhängigen Studios schreiben. Und die Arbeit der Produzenten solcher Studios beeinflusste nicht nur die Entwicklung ihrer eigenen Karriere, sondern auch die Entwicklung der Popmusik im Allgemeinen. Später, mit der Entwicklung der Digitaltechnik und der Möglichkeit der nichtlinearen Bearbeitung, erlebten die Tonträgerindustrie und die Musikwelt im Allgemeinen eine neue „digitale“ Revolution, die schließlich die Klasse der Tonproduzenten, wie wir sie heute kennen, prägte.

In der heutigen Musikindustrie besteht eine enge Beziehung zwischen dem Tonproduzenten und dem Künstler. Und da einige Künstler durch die Bemühungen von Labels und Medien die „heutige“ Mode in der Musik und die Entwicklung ganzer Generationen beeinflussen, hängt dieser Einfluss nicht zuletzt von den Persönlichkeiten der Tonproduzenten ab. Es gibt viele Beispiele für legendäre Tandems von Produzenten und Künstlern, aber ich möchte einige der meiner Meinung nach bedeutendsten in der modernen Musik hervorheben. So griff beispielsweise Butch Vig bei der Zusammenarbeit mit Kurt Cobain und Nirvana auf dem Album „Nevermind“ nach eigener Aussage zu Tricks und Kniffen, um noch ein paar Versionen des Gitarrensounds an verschiedenen Verstärkern aufzunehmen. Er sagte den Musikern, dass es einige Probleme mit dem Band gebe und sie noch einmal spielen müssten. Interessante Geschichte passierte auch mit dem Song "Something In The Way". Tatsache ist, dass das Lied ursprünglich anders konzipiert war und Kurt es nicht so spielen konnte, dass es jedem passt. Und zwischen den Takes saß er mit einer Gitarre auf der Couch im Kontrollraum und fing einfach an, den Song zu spielen, murmelte ihn vor sich hin. Butch spürte, dass es das war, wonach sie suchten, schnappte sich das Mikrofon und nahm alles direkt im Kontrollraum auf, während er neben Kurt stand und praktisch nicht atmete. Später spielte der Rest der Band ihre Rollen zu dieser Aufnahme ein. So erschien das Lieblingslied aller.

Als Bob Rock einen Anruf bekam und ihm angeboten wurde, beim Mixen von Metallicas neuem Album (wir sprechen über das gleichnamige Album) zu helfen, war er damals beim Mixen vieler erfolgreicher Alben wie Bon Jovis „Slippery When Wet“ beteiligt “, hat er sich bereit erklärt, diese Platte zu produzieren. Die Musiker wehrten sich zunächst gegen seine Ideen, schickten den Produzenten offen auf drei bekannte Briefe, vor allem, wenn er sagte, dass einige Dinge korrigiert werden müssten oder dass etwas „nicht klingt“. Auch auf die Idee, ein Sinfonieorchester im Song „Nothing Else Matters“ aufzunehmen und die Anregung, in James Hetfields Gesang nach sinnlicheren Seiten zu suchen, reagierten die Musiker heftig. Hartnäckiger Widerstand führte jedoch zur Geburt eines der legendärsten Alben der modernen Rockmusik, und Bob Rock wurde für viele Jahre zum Soundproduzenten, der den Sound der Band definierte.

Ohne die Kreativität und die mutigen Ideen von Produzent Nigel Goodrich hätten wir vielleicht nichts von einer Band wie Radiohead gewusst. Informell wird Goodrich als „sechstes Mitglied“ der Gruppe bezeichnet, seine Zusammenarbeit mit der Gruppe begann 1994 und dauert bis heute an. Als die Arbeit an dem Grammy-prämierten Album „OK Computer“ für das beste alternative Album und das Album des Jahres im Gange war, beschlossen die Musiker und Produzenten, ein improvisiertes Studio im St. Catherine's Court. Dort arbeiteten die Musiker in entspannter Atmosphäre und nahmen zu jeder Tageszeit ihre Parts auf, inspiriert von der Natur und guter Musik.Das Ergebnis dieses Experiments war eine unnachahmliche Aufnahme, deren Klang die Entwicklung maßgeblich bestimmte Musikstil und beeinflusste auch den Sound vieler junger Musiker.

Neben der kreativen und technischen Rolle bei der Musikproduktion fungiert der Produzent oft als Psychologe. Oft muss ein Darsteller eine bestimmte Herangehensweise finden, um eine emotional erfüllte und inspirierende Darbietung zu bekommen, ihm zu helfen, in einen bestimmten Zustand einzutreten oder einfach seine Angst zu überwinden. Manchmal muss man einfach finden Gemeinsame Sprache mit einer Bande von Boobs-Wodka-Rock-n-Roll-Schlägern, die wissen, wie man groovige Musik spielt.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass der Tonproduzent in der heutigen Realität der Musikindustrie eine Schlüsselfigur ist, von der der Erfolg des Projekts maßgeblich abhängt. In verschiedenen Stilen kommt diese Rolle mehr oder weniger deutlich zum Ausdruck. Mit der Entwicklung der Technologie wird das Erstellen von Musik zu einer immer einfacheren und zugänglicheren Aufgabe, zumindest versuchen die Hersteller von Musikgeräten, die Verbraucher davon zu überzeugen. Wie sie sagen, alles, was Sie brauchen, ist unser Produkt und Ihr Talent. Wie talentiert ein junger Künstler auch sein mag, die Erfahrung eines Tonproduzenten wird ihm helfen, alle Facetten seines Talents zu offenbaren, und wie so oft, sogar jene, die er nicht einmal vermutet hat.

Juri Smalius

Kira Malewskaja

Tontechniker ist ein komplexer Beruf. Es umfasst ein breites Spektrum an Wissen, das an der Schnittstelle zwischen technischen und musikalischen Bereichen liegt, sowie Fähigkeiten in Bezug auf menschliche Kommunikation, psychologische Aspekte Arbeit mit Musikern.

Der Hauptunterschied zwischen einem inländischen Tontechniker und einem westlichen Tontechniker besteht darin, dass in Russland sehr oft eine Person, die am Bedienfeld sitzt, die Funktionen eines Tontechnikers oder Tontechnikers (Recording Engineer, Tracking Engineer), Tontechnikers (Mixing Engineer) kombiniert. und Tonproduzent (Tonproduzent). Betrachten wir den Aufgabenbereich jedes dieser Spezialisten genauer, so können wir folgendes sagen: Der Tonmeister muss das Ausgangsmaterial qualitativ und möglichst komfortabel für alle Prozessbeteiligten gemäß den gestellten Aufgaben aufnehmen ; Der mischende Tontechniker muss das vorbereitete Material fachgerecht mischen. Was bleibt, ist der Tonproduzent, der eine Art Schlüssel zum Endergebnis sein soll: In seiner Vorstellung gibt es von Anfang an ein endgültiges Klangbild, um das sich unser professionelles Team bemühen wird.

Die Rolle der Musiker ist sehr wichtig in der gemeinsamen Arbeit am Material. Die Hauptrolle spielt dabei die Bereitschaft und vor allem die Fähigkeit der Bandmitglieder, das Klangbild eines Songs oder eines Albums als Ganzes mitzugestalten. Dies erfordert natürlich Erfahrung in der Studioarbeit, ein Verständnis für die technischen und künstlerischen Aspekte des Aufnahme- und Mischprozesses und natürlich einen entwickelten Musikgeschmack und eine breite Perspektive.

Die gleichen Eigenschaften braucht ein Tontechniker, der mit Musikern zusammenarbeitet, denn dabei wird er zum gleichen vollwertigen Teammitglied. Ich habe die Erfahrung gemacht, dass Toningenieure, die über das Niveau von Demoaufnahmen hinauswachsen können, bereits bei der Aufnahme aktiv in die Arbeit am Material eingebunden werden. Fehler in dieser Phase können später nicht mehr korrigiert werden, in diesem Fall muss sich jeder „mit wenig zufrieden geben“ und dann mit dem arbeiten, was er hat. Lassen Sie sich nicht von dem Gedanken täuschen: „Das ist noch ungemischtes Material“ – was beim Aufnehmen nicht klingt, wird beim Abmischen nicht klingen. In diesem Fall in der Phase der endgültigen Mischung müssen, zu ... haben Beschäftigen Sie sich nicht mit Kreativität, sondern mit der "Erlösung" des Materials, "Lenken" zwischen Fehlern und Mängeln. Um den Prozess vollständig zu beginnen und sich an Ihrer Stelle sicher zu fühlen, bereiten wir uns auf die Aufnahme vor.

Phasen der Arbeit

Ausbildung

Der Song im Studio nimmt an neues Leben, darauf müssen Sie vorbereitet sein. Das gilt für alles, vor allem für die Textur, d.h. Anordnungen. Was bei einem Konzert klingt, wird immer als kraftvoller und „cooler“ empfunden als das, was im Studio gespielt wird: Schließlich gibt es auf der Bühne kein begeistertes Publikum, wahnsinnige Lautstärke von Portalen und Sound-Sammelsurium. Jeder der Musiker hört schließlich klar und deutlich, welche Rolle er spielt.

Der Tontechniker muss eine gute Vorstellung vom Klang der Gruppe, ihrem musikalischen Potenzial als Ganzes und jedem der Musiker einzeln haben. Es ist gut, wenn es die Möglichkeit gibt, Konzerte und Proben der Band für einige Zeit zu besuchen, um den Entwicklungsprozess des Teams in Dynamik zu sehen. Das hilft dem Tontechniker, Rückschlüsse auf den Live-Sound der Band zu ziehen – schließlich erwarten die Hörer das oft von der Scheibe. Daraus folgt der nächste wichtige Punkt – zu verstehen, was genau die Musiker (oder der Bandleader) von der Platte wollen. Ob der Sound näher am Live-Sound der Band sein soll oder umgekehrt, die Musiker wollen die Vorteile des Studios nutzen und den edelsten Sound erzeugen. All dies ist wichtig bei der Auswahl einer Aufnahmetechnologie und Methoden zur Bearbeitung des Materials.

Nachdem wir uns für das grundlegende Soundkonzept entschieden haben, lohnt es sich, gemeinsam zu proben und die Anzahl und Zusammensetzung der Songs für das Album festzulegen. Es ist gut, für unvorhergesehene Umstände ein oder zwei Songs in Reserve zu haben. Es kann vorkommen, dass ein Lied im Arbeitsprozess aus dem Zusammenhang gerät oder in einer Reihe anderer schwächer erscheint - es ist immer gut, wenn es eine Wahl gibt - es kann zugunsten eines anderen aufgegeben werden und nicht gewaltsam zu dem hingezogen werden sich ausruhen. Außerdem werden bei der Generalprobe vor Beginn der Arbeit am Album abschließend alle Tempi der Songs überprüft, das Arrangement, die Bequemlichkeit des Tons für den Sänger und andere Details festgelegt.

Studioarbeit

Schlagzeug aufnehmen

Sie können anfangen, traditionell mit Aufnahmetrommeln zu arbeiten. Wir haben uns bereits im Voraus für die Aufnahmemethode entschieden - es kann die Aufnahme von „Live“-Drums mit minimaler Bearbeitung (wir konzentrieren uns auf ganze Takes) oder die Aufnahme mit maximaler Bearbeitung sein. Im zweiten Fall wird eine sorgfältige Bearbeitung vorausgesetzt, sodass Sie die maximale Menge an Material aufnehmen müssen, die sich in Zukunft als nützlich erweisen wird: mehrere Arten von rhythmischen Mustern, verschiedene Pausen, einzelne Schläge verschiedener Komponenten des Schlagzeugs.

Die Hauptkomposition der Musiker versammelt sich im Studio, die Mikrofone werden justiert. Lassen Sie mich einen wichtigen Punkt ansprechen gemeinsames Spiel alle Mitglieder des Teams (wenn möglich): der Sänger singt, Tasten, Saxophon, Gitarre - alle spielen. Dies ist wichtig, um das Gefühl des Zusammenspiels zu bewahren, emotionales Feedback voneinander für alle Musiker.

Der Sänger sollte auch versuchen, seinen Part so emotional wie möglich zu spielen und alles, was im Studio passiert, mit Bedeutung zu füllen. Wenn es in einem Song Instrumentalsoli gibt, sollte den Musikern geraten werden, wie in einem Konzert mit voller Hingabe zu spielen, diese Stellen nicht zu verfehlen und keine Art „raumfüllend“ träge zu spielen. Dies wird den Rest entspannen und den Gesamtton der Teammitglieder reduzieren. Die Aufgabe des Tontechnikers diese Phase- um die angenehmste Atmosphäre im Studio für das gemeinsame Musizieren zu schaffen, eine angenehme Balance im Kopfhörer für jeden Musiker oder Musikergruppen.

Wir spielen also alle zusammen, wir können sogar alle Mitglieder der Band aufnehmen, aber wir nehmen zum Beispiel nur Schlagzeug und Bass auf. In diesem Fall schalten wir während der Wiedergabe alle störenden Teile aus (z. B. können Sie ruhig nur ein harmonisches Instrument - Tasten oder eine Gitarre) lassen und hören sehr genau auf den Bass mit Schlagzeug. Es ist wichtig zu verstehen, ob die rhythmische Grundlage für das gesamte nachfolgende Arrangement gegeben ist, ob die rhythmischen Empfindungen des Bassisten und des Schlagzeugers miteinander verbunden sind, ob es Fehler und technische Schwächen gibt. Konzentrieren wir uns auf eine ganz gelungene Aufnahme, können wir diese bereits auf der Aufnahme markieren. Am nächsten Tag, zu Beginn der Schicht, wird es möglich sein, es anzuhören, einige Fehler zu korrigieren, die notwendige Bearbeitung abzuschließen und die Arbeit fortzusetzen.

Harmonische Instrumente aufnehmen

In der Phase der Aufnahme harmonischer Instrumente (Keyboards, Gitarre) beginnt die Struktur des musikalischen Werks Gestalt anzunehmen. Hier werde ich einige Punkte anmerken: Es ist wichtig, die stilistische Richtung des Liedes klar zu verstehen, es hängt davon ab, ob dieser oder jener Teil zu diesem Arrangement "geht". Dem Tontechniker in dieser Angelegenheit zu helfen, wird ihm obliegen Guter Geschmack und Musikkenntnisse.

Der nächste wichtige Punkt ist ein klares funktionales Verständnis der Rolle jedes aufgenommenen Teils, die Antwort auf die Frage, was es tut. „Der Quantität halber“ verordnete Tracks, heißt es, „das kriegen wir beim Mixen raus“, führen zu einem Sound-Sammelsurium, aus dem man nicht so einfach herauskommt. Neben einer klaren Trennung der Funktionen von musikalischen Teilen müssen Sie deren rhythmische Beziehung und Interaktion verfolgen. Die metro-rhythmische Vertikale des Werkes entsteht durch die Verflechtung rhythmischer Muster verschiedener Instrumente. Es lohnt sich, darauf zu achten, und es wird sofort klar, was die Anordnung stört und was "funktioniert". Hier hat der Tontechniker die einzigartige Möglichkeit, die Songstruktur und den Gesamtklang entscheidend zu beeinflussen.

Aufnahme von Melodieinstrumenten

Wenn die Grundzüge eines Musikstücks gebildet sind, beginnt die Reihe der Melodieinstrumente: Dies können "Packs" von Blasinstrumenten, ein Streichquartett und andere Soloinstrumente sein. Es ist wichtig, dem Solisten die richtige und bequeme Balance zu bieten, damit er sich im Team fühlt.

Zunächst kann der Musiker eingeladen werden, sich den gesamten Song anzuhören und sein Solo an der richtigen Stelle in der Reihenfolge der Proben zu spielen. Sehr oft erweist sich diese Einstellung als die beste, da der Solist sein „Quadrat“ nicht aus dem Zusammenhang gerissen, sondern als logische Fortsetzung des allgemeinen Satzes empfindet. Relativ gesehen bildet die Kombination aus rhythmisch-harmonischen und melodischen Linien die Form des Werkes, seine Horizontale. Die Textur sollte nicht mit melodischen Linien überladen werden; Sie sollten nicht von vornherein alle geben und auch die Wiederholung erfolgreich erfundener Motive missbrauchen.

Analysiert man das Arrangement des Songs auf seine melodische Fülle, lassen sich manche Fehler schon während der Aufnahme vermeiden. Besonderes Augenmerk sollte auf die Logik der Formentwicklung gelegt werden: Texturschichten werden in der Regel schrittweise in aufsteigender Reihenfolge hinzugefügt und erreichen ihren Höhepunkt am Ende des Liedes. Wenn es die Form zulässt, kann vor dem Höhepunkt ein sogenannter „Rückzug“ erfolgen – ein „ruhiger Höhepunkt“, der vor dem Finale Ruhe gibt. Sehr oft ist es das unlogische Erscheinungsbild einzelner Teile im Gesamtarrangement, das die Form nicht entstehen lässt und das Lied nicht erklingen lässt. Insgesamt gilt es daher, eine überzeugende Weiterentwicklung des Werkes zu erreichen, sowohl was das musikalische Material als auch die Textur anbelangt.

Gesangsaufnahme

Dies ist vielleicht die wichtigste Phase. Der Sänger nimmt seinen Part in einem bereits vollständig oder fast vollständig fertiggestellten Arrangement auf. Alles darin sollte so nah wie möglich am endgültigen Mix klingen. Dann hat der Sänger ein vollständiges Bild, er kann das musikalische Werk in seiner ganzen Fülle und Tiefe spüren, während er an seiner Seite arbeitet, mit dem Rest der Textur (musikalisch und emotional) interagieren.

Die meisten wichtiger Punkt bei der arbeit mit einem sänger scheint mir die wahl einer für ihn geeigneten aufnahmemethode. Sie können ohne Unterbrechung ganze Takes schreiben, um die emotionale Stimmung nach der Bearbeitung nicht zu beeinträchtigen. Im Gegenteil, Sie können Satz für Satz das ideale Ergebnis erzielen, indem Sie jedes Wort und sogar jede Silbe so detailliert wie möglich bearbeiten und dabei montieren. Die Arbeitsweise ist ebenso individuell wie die Sänger – Hauptsache, die Musik geht dabei nicht verloren.

Natürlich ist es gut, wenn der Tontechniker und die Musiker in die gleiche Richtung denken, aber wenn dies nicht der Fall ist, sollten Sie versuchen, jeden spezifischen Teil zu besprechen und eine gemeinsame Sprache zu finden. Ein Tontechniker kann raten oder auch hartnäckig auf eigene Faust bestehen, freundschaftliche Beziehungen zu den Musikern haben, aber zu sagen: „es wird so, weil ich es so will“ hat kein moralisches Recht.

Meiner Meinung nach werden Menschen, die sich aufrichtig für eine gemeinsame Sache einsetzen, immer eine Lösung finden. Aber wenn sich der Tontechniker ermächtigt und kreativ fühlt, kann er mehr übernehmen, als nur die Rec- und Play-Tasten zu drücken. Das Aufnehmen ist eine große Verantwortung, denn ohne die Teilnahme ihres professionellen Kollegen werden die Musiker selbst nicht zurechtkommen.

Im nächsten Artikel gehen wir ausführlich auf die Anwendung der oben beschriebenen Prinzipien und Regeln am Beispiel von Aufnahmen bestimmter Songs ein.