Was ist Stil in der Literaturdefinition kurz. Was sind Textstile? Merkmale des Kunststils
Der Begriff „Stil“ in der Literaturkritik. Der Stil eines literarischen Werkes. Stilfunktionen, Stilträger, Stilkategorien. Der Begriff der stilistischen Dominante eines Kunstwerks. Arten von Stildominanten.
Stil (von gr – ein spitzer Stift zum Schreiben auf mit Wachs bedeckten Tafeln) wurde von römischen Schriftstellern metonymisch verwendet, um die Merkmale der schriftlichen Rede des einen oder anderen Autors zu bezeichnen. Merkmale der verbalen Struktur des PR-TH. Die ästhetische Einheit aller figurativen und ausdrucksstarken Details der Form des PR-TH, entsprechend seinem Inhalt, ist der Stil
STIL- in der Literaturkritik: eine Reihe individueller Merkmale künstlerischer Techniken (sprachlich, rhythmisch, kompositorisch usw.) oder eines bestimmten Werkes, einer Gattung oder eines Schaffenszeitraums des Schriftstellers, die durch den Inhalt bestimmt werden. Zum Beispiel zeichnet sich der Satiriker Gogol durch Vergleiche von Helden mit der Welt der Haustiere, sprachloses Sprechen der Charaktere, Aufmerksamkeit in ihrem Aussehen nicht auf die Augen, sondern auf die Nase, antiästhetische Handlungen (Spucken, Niesen) usw. aus, die durch den Gedanken an die mangelnde Spiritualität der dargestellten Menschen verbunden sind („Tote Seelen“, „Wie Iwan Iwanowitsch mit Iwan Nikiforow gestritten hat und was“ usw.). In der Linguistik ist der Begriff S. etwas enger gefasst (Sprachstil).
G.N. PospelovStil literarischer Werke
Wort Stil(gr. stylos – ein spitzer Stock zum Schreiben auf mit Wachs bedeckten Tafeln) wurde von römischen Schriftstellern metonymisch verwendet, um die Merkmale der schriftlichen Rede eines bestimmten Autors zu bezeichnen. In diesem Sinne wird das Wort in unserer Zeit verwendet. Viele Literaturkritiker und Linguisten glauben immer noch, dass nur die Merkmale der verbalen Struktur eines Werkes als „Stil“ bezeichnet werden sollten.
Aber seit der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das gleiche Wort begann, die Merkmale der Form in den Werken anderer Kunstarten zu nennen - Skulptur, Malerei, Architektur (in der Architektur werden beispielsweise gotische, romanische, maurische und andere Stile unterschieden). Damit wurde eine breitere, allgemeine kunstkritische Bedeutung des Wortes „Stil“ etabliert. In diesem Sinne ist eine Anwendung sowohl in der Theorie als auch in der Geschichte nicht nur möglich, sondern auch notwendig. Fiktion. Es ist notwendig, weil die Form eines literarischen Werkes nicht auf seine Sprachstruktur reduziert wird, sondern auch andere Seiten hat – die Darstellung des Themas und die Komposition. Alle diese Seiten der Form können in ihrer Einheit den einen oder anderen Stil haben.
Es gibt auch ein gegenteiliges Extrem in der Verwendung dieses Wortes. Einige Literaturwissenschaftler glauben, dass Stil eine Eigenschaft eines Kunstwerks als Ganzes ist – in der Einheit von Inhalt und Form. Ein solches Verständnis ist nicht überzeugend. Kann man sagen, dass die Charaktere, die der Autor in den Bildern seines Werkes wiedergibt, irgendeinen Stil haben, oder jene Aspekte und Beziehungen dieser Charaktere, die ihn besonders interessieren und die er hervorhebt, stärkt, entwickelt, indem er die Handlung des Werkes aufbaut und seinen Konflikt löst, oder diese emotionale Einstellung zu diesen Seiten der Charaktere, zum Beispiel romantisch oder satirisch, die der Autor durch alle Komponenten der Form des Werkes zum Ausdruck bringt? Natürlich nicht. Der Inhalt der Arbeit hat in all diesen Aspekten keinen Stil. Stil ist eine figurative und ausdrucksstarke Form des Werkes, die seinen Inhalt vollständig und vollständig zum Ausdruck bringt und ihm vollständig entspricht.
Die Form von Kunstwerken hat gerade aufgrund ihrer Bildhaftigkeit und Ausdruckskraft einen bestimmten Stil. Von seiner Form her ist ein Kunstwerk ein Bildsystem, das aus vielen verschiedenen thematischen und verbalen semantischen Details, kompositorischen und intonational-syntaktischen Mitteln besteht, und diese figurativen Details und Mittel tragen die eine oder andere ideologische und emotionale Ausdruckskraft. Die ästhetische Einheit aller Bilder und ausdrucksstarken Details der Form eines Werkes entsprechend seinem Inhalt ist Stil.
Die Perfektion und Vollständigkeit des Stils zeichnen sich vor allem durch Werke aus, die die Tiefe und Klarheit der Problematik und noch mehr die historische Wahrhaftigkeit der ideologischen Ausrichtung aufweisen. Die Oberflächlichkeit des Problems führt leicht zu einem Haufen zufälliger, intern ungerechtfertigter Handlungsepisoden, inhaltlicher Details und Aussagen von Charakteren. All dies beraubt die Form des Werkes ihrer ästhetischen Integrität.
Aber die Würde des Inhalts erzeugt nicht automatisch die Würde der Form. Um eine perfekte, dem Inhalt entsprechende Form zu schaffen, muss der Autor, wie bereits erwähnt, Talent, Einfallsreichtum und Können zeigen. Gleichzeitig ist auch die Fähigkeit des Schriftstellers von großer Bedeutung, sich auf die schöpferischen Leistungen seiner Vorgänger zu stützen, in der schöpferischen Erfahrung seiner Nationalliteratur und anderer Nationalliteraturen die Formen auszuwählen, die seinen eigenen, originellen künstlerischen Vorstellungen am besten entsprechen, und diese entsprechend umzustrukturieren. Dazu benötigt der Autor eine breite literarische und allgemeine kulturelle Perspektive. Wenn der Autor weder über großes Talent noch über eine breite kreative Perspektive verfügt, erscheinen möglicherweise Werke mit großem Inhalt, aber nicht perfekt in der Form und ohne Stil. Dies ist das „Abweichen“ der Form vom Inhalt.
Andererseits kann eine literarische und künstlerische Form aber auch eigenständige ästhetische Bedeutung haben. Dies gilt insbesondere für die verbale Seite der Form, für die künstlerische Rede, die in den Texten mit ihrer Meditativen und Poesie von größter Bedeutung ist. Die poetisch-verbale Form ist in ihrer gesamten Struktur oft äußerst raffiniert und verfeinert; Mit seiner äußeren ästhetischen Bedeutung kann es gleichsam die Oberflächlichkeit und Bedeutungslosigkeit des darin zum Ausdruck gebrachten Inhalts überdecken. Dies ist das „Zurückbleiben“ des Inhalts gegenüber der Form. Dies waren zum Beispiel viele Werke russischer dekadenter Poesie Ende des 19. Jahrhunderts- Anfang des 20. Jahrhunderts.
Literarische Werke, die sich durch ihren künstlerischen Inhalt und die entsprechende Formvollkommenheit auszeichnen, haben immer einen bestimmten Stil, der sich unter bestimmten Bedingungen für die Entwicklung der Nationalliteratur entwickelt hat.
Um den Stil eines Schriftstellers beurteilen zu können, muss man die Muster der historischen Entwicklung nationaler Literaturen verstehen.
Es ist kaum möglich, den Stil des Autors anhand eines Werkes zu beurteilen (wer weiß, was dem Autor beim nächsten Mal einfällt!). Darüber hinaus halten sich manche Autoren strikt an ihren Stil, bis hin zur Prägung, während andere sich verschiedene Freiheiten erlauben – dies hängt meist von der Gattung und dem Thema des Werkes ab. Aber auf die eine oder andere Weise bleiben in allen Werken des Autors einige Gemeinsamkeiten erhalten ... Was können das sein?
1. "In der Kürze liegt die Würze", - sagte A.P. Tschechow, aber funktioniert es immer, und warum werden Tolstoi und Turgenjew dann auch große Schriftsteller genannt, für die die Kürze eindeutig nicht einmal ein Cousin vierten Grades war? Manche sagen, dass jeder kurz schreiben kann, andere – dass es einfacher ist, Wasser einzuschenken, aber tatsächlich tolerieren sowohl die Prägnanz als auch die Ausschmückung der Erzählung keine Vernachlässigung – sonst können sie leicht zu Zerknitterung oder sinnlosem Stau werden. Und dann kommt es auf den persönlichen Geschmack des Lesers an.
2. Ausdrucksmittel- Vergleiche, Epitheta, Metaphern, Alliteration und Assonanz ... Viele davon oder wenig, was häufiger verwendet wird usw. Hier müssen Sie darauf achten, bekannte Klischees zu vermeiden, aber keine eigenen zu erstellen.
3. Symbole. Nicht alle Autoren verwenden Symbole, das ist nicht immer angemessen ... aber wenn sie mit Bedacht eingesetzt werden, können sie für den Autor ein großes Plus und eine Art „Chip“ sein. Die Hauptsache ist, nicht zu vergessen, dass Sie ein Phänomen als Symbol verwendet haben: wenn Gelb Während das ganze Werk Verderbtheit, Wahnsinn und Verrat symbolisiert, ist es besser, sich im vorletzten Kapitel nicht von Butterblumen auf der Wiese berühren zu lassen (es sei denn, man möchte die Leser erschrecken).
4. Bewegung. Es gibt eine ziemlich interessante Theorie, dass Texte von männlichen Autoren mehr Verben verwenden, was sie dynamischer macht, während Texte von Frauen Adjektive verwenden, was sie statischer macht. Es ist unwahrscheinlich, dass dies so sehr vom Geschlecht abhängt, aber es beeinflusst sicherlich den Stil des Autors.
5. Stilisierung. Wenn Sie Fantasy-, historische oder pseudohistorische Werke schreiben, verwenden Sie diese wahrscheinlich. Jeder Autor tut dies auf seine eigene Weise, indem er mehr oder weniger Details, die ihm nahe stehen, in der Sprache einer fremden Zeit hervorhebt und andere weglässt.
6. Und schließlich Erzählatmosphäre die Emotionen, die es hervorruft. Dennoch rufen seine Werke in den meisten Fällen, wenn der Autor erkennbar schreibt, beim Leser ähnliche Emotionen hervor, was seine Individualität zum Ausdruck bringt. Dies ist besonders deutlich bei denjenigen zu bemerken, die kurze Prosa schreiben – Beispiele hierfür sind Andersen, Poe, O. Henry, Zoshchenko ...
Das Hauptproblem bei Individualität und Stil im literarischen Schaffen besteht darin, dass wir uns im Kopf alles perfekt vorstellen, es aber nicht zu Papier bringen können ... Wie gehen wir damit um? Die Antwort ist einfach und komplex zugleich: Lesen Sie mehr und schreiben Sie mehr. Und tun Sie es mit Bedacht und überwachen Sie sorgfältig alle oben genannten Funktionen.
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Stil ist das Hauptelement der Sprache. Tatsächlich ist dies die „Kleidung“ des Textes, sein Design. Und die Kleidung der Menschen sagt viel aus.
Ein Mann in einem formellen Anzug ist wahrscheinlich ein Geschäftsangestellter, und ein Mann in Turnschuhen und Stretch-Jogginghosen ist entweder rausgegangen, um Brot zu holen, oder ist immer noch ein Sportler.
Anhand der stilistischen „Kleidung“ des Textes kann man also verstehen, in welchem Bereich er „funktioniert“ – er funktioniert.
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Wissenschaftlich gesehen ist Stil ein System verschiedener sprachlicher Mittel und ihrer Organisationsformen, das sich über die gesamte historische Periode der Sprachentwicklung entwickelt hat. Die Nutzung jedes der bestehenden Systeme ist typisch für einen genau definierten Bereich der menschlichen Kommunikation: zum Beispiel den wissenschaftlichen Bereich, den offiziellen Geschäftsbereich, den Tätigkeitsbereich der Mittel Massenmedien, Fiktion oder der Bereich der Kommunikation im Alltag oder im Internet.
Achtung: In einigen Quellen werden Textstile genannt Sprachstile. Beide Sätze sind ein und dasselbe.
Arten von Textstilen (Sprachstilen).
Die russische Sprache hat historisch gesehen vier funktionale Stile entwickelt. Später entwickelte sich aus dem journalistischen Stil der Stil der Fiktion.
Somit werden derzeit fünf Sprechstile unterschieden:
Wie kann man einen Stil vom anderen unterscheiden? Ein Herren-Business-Anzug ist beispielsweise eine Kombination aus Hose, Hemd, Krawatte, Jacke und Schuhen. Und Stil ist auch eine Kombination bestimmter „Objekte“ – Elemente: Wörter, Sätze (syntaktische Konstruktionen) und Textstruktur.
Merkmale von Sprachstilen
Wie erkennt man also den wissenschaftlichen Stil anhand von „Kleidung“?
Reichhaltiges ausdrucksstarkes und emotionales Vokabular. Metaphern und Vergleiche auf Schritt und Tritt. „Tint“-Wörter – umgangssprachlich, beleidigend, veraltet. Leicht verständliche Satzkonstruktionen („Dunkelheit“). Helle Autorenposition.
Wie erkennt man es?
Erstens ist es ein Stil für die alltägliche Live-Kommunikation zwischen Menschen. Beim Schreiben kommt es dann zum Einsatz, wenn der Autor einen engeren, persönlichen Kontakt zu seinen Lesern aufbauen möchte. Im Konversationsstil werden häufig persönliche Blogbeiträge geschrieben, Texte und Notizen mit verkauft soziale Netzwerke usw. Es zeichnet sich durch lebhafte Sprache, ausgeprägten Ausdruck, umgangssprachliche und umgangssprachliche Wörter und Wendungen, Farbigkeit, hohe Subjektivität und Wertigkeit, Wiederholungen, unvollständige Sätze aus. Manchmal wird auch obszöne Sprache verwendet.
Daher ist es bei der Arbeit an einem Text wichtig, stilistische Elemente zu kombinieren. Andernfalls besteht die Gefahr, dass Sie keinen Leser mehr haben und das Manuskript in der Tabelle geschlossen wird. Warum? Wirst du in zerrissenen Jeans und einem verlängerten T-Shirt einen Job im Büro bekommen? Es scheint nicht.
Sie sollten also nicht in einem wissenschaftlichen Stil schreiben. In einem künstlerischen Stil können Sie jedoch Elemente von jedem verwenden – wissenschaftlich, umgangssprachlich, journalistisch ... Die Hauptsache ist, zu verstehen, warum Sie dies tun, zu welchem Zweck, welchen Effekt Sie erzielen möchten.
Um nicht dumm auszusehen, sollten Sie sich daher über die Merkmale verschiedener Stile und ihre Elemente informieren und lernen, mit ihnen zu arbeiten.
Und vergessen Sie nicht: Sie werden mit Kleidern begrüßt. Und nicht nur Menschen, sondern auch Texte.
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STIL(vom griechischen Stilos – ein spitzer Stock zum Schreiben, Schreibstil, Handschrift), die Wahl einer bestimmten Anzahl von Sprachnormen, charakteristische Mittel des künstlerischen Ausdrucks, die die Vision und das Verständnis des Autors für die Realität im Werk offenbaren; Einschränkung der Verallgemeinerung ähnlicher formaler und bedeutungsvoller Merkmale, Charakteristische Eigenschaften in verschiedenen Werken derselben Epoche bzw. Epoche („Epochenstil“: Renaissance, Barock, Klassizismus, Romantik, Moderne).
Die Entstehung des Stilbegriffs in der Geschichte der europäischen Literatur ist eng mit der Geburt der Rhetorik – der Theorie und Praxis der Beredsamkeit und der rhetorischen Tradition – verbunden. Stil impliziert Lernen und Kontinuität und die Einhaltung bestimmter Sprachnormen. Stil ist ohne Nachahmung und ohne Anerkennung der durch die Tradition geheiligten Autorität des Wortes unmöglich. Gleichzeitig wurde Nachahmung den Dichtern und Prosaautoren nicht als blindes Folgen, Kopieren, sondern als kreativ produktiver Wettbewerb, als Rivalität präsentiert. Kreditaufnahme war ein Verdienst, kein Laster. Gemeint ist literarisches Schaffen für Epochen, in denen die Autorität der Tradition unbestreitbar ist dasselbe auf eine andere Art und Weise sagen, innerhalb des fertigen Formulars und des gegebenen Inhalts, um ihr eigenes zu finden. Also, M.V. Lomonosov in Ode am Tag der Thronbesteigung von Elisabeth Petrowna(1747) übersetzte einen Abschnitt aus der Rede des antiken römischen Redners Cicero in eine Odstrophe. Vergleichen:
„Unsere anderen Freuden sind durch Zeit, Ort und Alter begrenzt, und diese Aktivitäten nähren unsere Jugend, erfreuen unser Alter, schmücken uns mit Glück, dienen als Zuflucht und Trost im Unglück, erfreuen uns zu Hause, stören uns nicht auf dem Weg, sie begleiten uns sowohl in der Ruhe als auch in einem fremden Land und im Urlaub.“ (Cicero. Rede zur Verteidigung von Licinius Archius. Pro. S.P. Kondratjew)
Die Wissenschaften ernähren junge Männer,
Sie machen den Alten Freude,
IN glückliches Leben schmücken,
Seien Sie bei einem Unfall vorsichtig;
Freude an häuslichen Schwierigkeiten
Und bei fernen Wanderungen ist das kein Hindernis.
Wissenschaft ist überall
Unter den Nationen und in der Wüste,
Im Stadtlärm und allein,
In den Kammern sind süß und in Arbeit.
(M. V. Lomonossow. Ode am Tag der Thronbesteigung von Elisabeth Petrowna)
Individuelles, Nicht-Allgemeines, Originelles manifestiert sich im Stil von der Antike bis zur Neuzeit als paradoxes Ergebnis strenger Kanontreue, bewusster Treue zur Tradition. Der Zeitraum von der Antike bis in die 1830er Jahre wird in der Literaturgeschichte üblicherweise als „klassisch“ bezeichnet, d.h. eine, für die es selbstverständlich war, nach „Beispielen“ und „Traditionen“ zu denken (classicus auf Lateinisch und bedeutet „Beispiel“). Je mehr sich der Dichter bemühte, über allgemein bedeutsame (religiöse, ethische, ästhetische) Themen zu sprechen, desto deutlicher kam die einzigartige Individualität seines Autors zum Vorschein. Je bewusster der Dichter stilistische Normen befolgte, desto origineller wurde sein Stil. Aber es kam den Dichtern und Prosaautoren der „klassischen“ Zeit nie in den Sinn, auf ihrer Einzigartigkeit und Originalität zu beharren. Der Stil der Neuzeit wandelt sich von der individuellen Evidenz des Allgemeinen zur Identifikation eines individuell erfassten Ganzen, d.h. An erster Stelle steht die konkrete Art und Weise, wie der Autor mit dem Wort umgeht. Somit ist Stil in der Neuzeit eine solche spezifische Qualität eines dichterischen Werkes, die im Ganzen und in allem Einzelnen greifbar und offensichtlich ist. Mit aller Deutlichkeit wird ein solches Stilverständnis im 19. Jahrhundert bestätigt. Jahrhundert der Romantik, des Realismus und der Moderne. Der Kult um das Meisterwerk – das perfekte Werk und der Kult um das Genie – der alles durchdringende künstlerische Wille des Autors sind gleichermaßen charakteristisch für die Stile des 19. Jahrhunderts. In der Perfektion des Werkes und der Allgegenwart des Autors ahnte der Leser die Möglichkeit, mit einem anderen Leben in Kontakt zu kommen, sich „an die Welt des Werkes zu gewöhnen“, sich mit einem Helden zu identifizieren und sich im Dialog mit dem Autor selbst auf Augenhöhe wiederzufinden. Über das Gefühl hinter dem Stil einer lebendigen menschlichen Persönlichkeit schrieb er in dem Artikel ausdrücklich Vorwort zu den Schriften von Guy de Maupassant L. N. Tolstoi: „Menschen, die wenig Sinn für Kunst haben, denken oft, dass ein Kunstwerk ein Ganzes ist, weil alles auf der gleichen Handlung basiert oder das Leben einer Person beschrieben wird.“ Das ist nicht fair. Nur einem oberflächlichen Betrachter scheint es so: Der Kitt, der jedes Kunstwerk zu einem Ganzen verbindet und daher die Illusion einer Widerspiegelung des Lebens erzeugt, ist nicht die Einheit von Personen und Positionen, sondern die Einheit der ursprünglichen moralischen Einstellung des Autors zum Thema. Tatsächlich stellt sich uns beim Lesen oder Betrachten eines Kunstwerks eines neuen Autors vor allem die Frage: „Was für ein Mensch sind Sie?“ Und wie unterscheiden Sie sich von allen Menschen, die ich kenne, und was können Sie mir Neues darüber erzählen, wie wir unser Leben betrachten sollten?“ Was auch immer der Künstler darstellt: Heilige, Räuber, Könige, Lakaien, wir suchen und sehen nur die Seele des Künstlers selbst.
Tolstoi formuliert hier die Meinung des gesamten literarischen 19. Jahrhunderts: sowohl romantisch als auch realistisch und modernistisch. Der Autor wird von ihm als Genie verstanden, das aus sich heraus eine künstlerische Realität schafft, die tief in der Realität verwurzelt und zugleich von ihr unabhängig ist. In der Literatur des 19. Jahrhunderts wurde das Werk zur „Welt“, während die Kolumne das einzige und einzigartige wurde, ebenso wie die „objektive“ Welt, die ihr als Quelle, Modell und Material diente. Der Stil des Autors wird als eine einzigartige Vision der Welt mit eigenen Merkmalen verstanden. Spezielle Bedeutung Unter diesen Bedingungen erlangt es prosaische Kreativität: In ihr manifestiert sich zunächst die Möglichkeit, in der Sprache der Realität selbst ein Wort über die Realität zu sagen. Bezeichnend für die russische Literatur ist die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts. Dies ist die Blütezeit des Romans. Die poetische Kreativität scheint von der Prosa „überschattet“ zu werden. Der erste Name, der die „prosaische“ Periode der russischen Literatur eröffnet, ist N. V. Gogol (1809–1852). Das wichtigste Merkmal seines Stils, das von Kritikern immer wieder hervorgehoben wird, sind die einmal erwähnten Nebencharaktere, die durch Vorbehalte, Metaphern und Abschweifungen belebt werden. Zu Beginn des fünften Kapitels tote Seelen(1842) wird ein Porträt des noch namentlich nicht genannten Gutsbesitzers Sobakevich gegeben:
„Als er zur Veranda fuhr, bemerkte er zwei Gesichter, die fast gleichzeitig aus dem Fenster schauten: ein Weibchen mit einer Mütze, schmal, lang wie eine Gurke, und ein Männchen, rund, breit, wie moldauische Kürbisse, Kürbisse genannt, aus denen in Russland Balalaikas hergestellt werden, zweisaitigen, leichten Balalaikas, die Schönheit und der Spaß eines schlagfertigen zwanzigjährigen Mannes, Blinker und Dandy, der dem weißbrüstigen und zwinkert und pfiff weißgestickte Mädchen, die sich versammelten, um seinem leisen Saitenspiel zu lauschen.
Der Erzähler vergleicht Sobakevichs Kopf mit einer besonderen Kürbissorte, der Kürbis erinnert den Erzähler an Balalaikas und die Balalaika in seiner Fantasie beschwört einen Dorfjungen herauf, der hübsche Mädchen mit seinem Spiel amüsiert. Der verbale Umsatz „erschafft“ eine Person aus dem Nichts.
Die stilistische Originalität der Prosa von F. M. Dostojewski (1821–1881) hängt mit der besonderen „Sprachintensität“ seiner Figuren zusammen: In Dostojewskis Romanen wird der Leser ständig mit ausgedehnten Dialogen und Monologen konfrontiert. In Kapitel 5, Teil 4 des Romans Verbrechen und Strafe (1866) Protagonist Raskolnikow offenbart bei einem Treffen mit dem Ermittler Porfiri Petrowitsch ein unglaubliches Misstrauen und bestärkt den Ermittler damit nur in der Vorstellung, dass er in den Mord verwickelt ist. Verbale Wiederholungen, Vorbehalte, Sprechunterbrechungen prägen besonders ausdrucksstark die Dialoge und Monologe von Dostojewskis Helden und seinen Stil: „Sie scheinen gestern gesagt zu haben, dass Sie mich ... offiziell nach meiner Bekanntschaft mit dieser ... ermordeten Frau fragen möchten?“ - Raskolnikow begann erneut - "Nun, warum habe ich eingefügt? Scheint? durchzuckte ihn wie ein Blitz. „Nun, warum mache ich mir solche Sorgen, das einzufügen? Scheint? Ein weiterer Gedanke durchzuckte ihn sofort wie ein Blitz. Und er hatte plötzlich das Gefühl, dass sein Misstrauen, von einem einzigen Kontakt mit Porfiry, von nur zwei Blicken, bereits in einem Augenblick zu ungeheuren Ausmaßen angewachsen war ...“
Die Originalität des Stils von L. N. Tolstoi (1828–1910) erklärt sich zu einem sehr großen Teil aus der Detailliertheit psychologische Analyse, dem der Autor seine Charaktere unterwirft und das sich in einer äußerst entwickelten und komplexen Syntax manifestiert. In Kapitel 35, Teil 2, Band 3 Krieg und Frieden(1863–1869) Tolstoi schildert Napoleons geistige Verwirrung auf dem Borodino-Feld: „Als er in seiner Fantasie die ganze seltsame russische Kompanie durchging, in der keine einzige Schlacht gewonnen wurde, in der in zwei Monaten weder Banner noch Kanonen noch Truppenkorps erobert wurden, als er in die heimlich traurigen Gesichter der Menschen um ihn herum blickte und den Berichten zuhörte, dass die Russen alle standen, – erfasste ihn ein schreckliches Gefühl, wie ein Gefühl, das man in Träumen erlebt, und es kam ihm in den Sinn.“ all die unglücklichen Unfälle, die ihn zerstören könnten. Die Russen könnten seinen linken Flügel angreifen, sie könnten seine Mitte zerreißen, eine verirrte Kanonenkugel könnte ihn selbst töten. Das alles war möglich. In seinen früheren Kämpfen dachte er nur an die Erfolgsaussichten, doch jetzt kamen ihm unzählige Unfälle vor, und er erwartete sie alle. Ja, es war wie in einem Traum, wenn ein Bösewicht auf ihn zukommt, und in einem Traum schwang der Mann seinen Bösewicht und schlug ihn mit dieser schrecklichen Kraft, die ihn, wie er weiß, zerstören sollte, und er spürt, dass seine Hand, machtlos und weich, wie ein Lumpen herabfällt und der Schrecken des unvermeidlichen Todes den hilflosen Menschen umarmt. Benutzen verschiedene Typen Durch die syntaktischen Verbindungen schafft Tolstoi ein Gefühl für die illusorische Natur dessen, was mit dem Helden geschieht, für die alptraumhafte Ununterscheidbarkeit von Schlaf und Realität.
Der Stil von A.P. Tschechow (1860-1904) wird weitgehend durch die geringe Genauigkeit von Details, Merkmalen, eine große Vielfalt an Intonationen und die häufige Verwendung indirekter Sprache bestimmt, wenn die Aussage sowohl dem Helden als auch dem Autor gehören kann. Als besonderes Zeichen von Tschechows Stil sind „modale“ Worte zu erkennen, die die zögerliche Haltung des Sprechers gegenüber dem Thema der Aussage zum Ausdruck bringen. Am Anfang der Geschichte Bischof(1902), in dem die Handlung kurz vor Ostern spielt, bietet sich dem Leser das Bild einer ruhigen, freudigen Nacht: „Bald war der Gottesdienst zu Ende. Als der Bischof in die Kutsche stieg, um nach Hause zu fahren, verbreitete der ganze vom Mond beleuchtete Garten das fröhliche, schöne Läuten teurer, schwerer Glocken. Weiße Wände, weiße Kreuze auf Gräbern, weiße Birken und schwarze Schatten und ein entfernter Mond am Himmel, der direkt über dem Kloster steht, schien Jetzt lebten sie ihr eigenes, besonderes Leben, unverständlich, aber nah am Menschen. Anfangs war es April, und nach einem warmen Frühlingstag wurde es kühl, leicht frostig und der Hauch des Frühlings war in der weichen, kalten Luft zu spüren. Der Weg vom Kloster in die Stadt war auf Sand, man musste spazieren gehen; und auf beiden Seiten der Kutsche stapften Pilger im hellen und ruhigen Mondlicht über den Sand. Und alle schwiegen und dachten nach, alles um sie herum war freundlich, jung, so nah, alle – die Bäume und der Himmel und sogar der Mond und wollte nachdenken dass es immer so sein wird.“ In den Modalwörtern „es schien“ und „ich wollte denken“ ist der Anklang von Hoffnung, aber auch von Unsicherheit besonders deutlich zu hören.
Der Stil von I.A. Bunin (1870-1953) wurde von vielen Kritikern als „buchmäßig“, „superraffiniert“ und „Brokatprosa“ charakterisiert. Diese Einschätzungen wiesen auf einen wichtigen und vielleicht wichtigsten Stiltrend in Bunins Werk hin: die „Aneinanderreihung“ von Wörtern, die Auswahl von Synonymen, synonymen Phrasen für eine fast physiologische Schärfung der Eindrücke des Lesers. In der Geschichte Mitina Liebe(1924), geschrieben im Exil, enthüllt Bunin, der die Natur der Nacht schildert, den Geisteszustand des verliebten Helden: „Eines Tages, spät am Abend, ging Mitya auf die hintere Veranda. Es war sehr dunkel, ruhig und roch nach feuchtem Feld. Hinter den Nachtwolken, über den vagen Umrissen des Gartens, lugten kleine Sterne hervor. Und plötzlich irgendwo weit weg etwas wildes, teuflisches Summen und Bellen, kreischend. Mitya schauderte, erstarrte, dann stieg er vorsichtig von der Veranda herab, betrat die dunkle Gasse, als würde er ihn von allen Seiten feindselig beschützen, blieb wieder stehen und begann zu warten, zu lauschen: Was ist es, wo ist es – das, was den Garten so unerwartet und schrecklich ankündigte? Eine Eule, eine Vogelscheuche aus dem Wald, die seine Liebe macht, und nichts anderes, dachte er, und sein ganzer Körper erstarrte, als wäre er von der unsichtbaren Präsenz des Teufels selbst in dieser Dunkelheit betroffen. Und plötzlich wieder Es gab einen Boom Der Mitinas Seele erschütterte heulen,Irgendwo in der Nähe, oben in der Gasse, knisterte und raschelte es- und der Teufel bewegte sich stillschweigend irgendwo anders im Garten. Dort Zuerst bellte er, dann begann er mitleiderregend, flehentlich wie ein Kind, zu jammern, zu weinen, mit den Flügeln zu schlagen und vor quälendem Vergnügen zu schreien, begann zu quieken und zu schallen in so skurrilem Gelächter, als wäre er gekitzelt und gefoltert worden. Mitja, am ganzen Körper zitternd, starrte mit beiden Augen und Ohren in die Dunkelheit. Aber plötzlich der Teufel brach, erstickte und schnitt durch dunkler Garten mit einem tödlichen, trägen Schrei, als wäre es durch die Erde gefallen. Nachdem er noch ein paar Minuten vergeblich auf die Wiederaufnahme dieses Liebesschreckens gewartet hatte, kehrte Mitya ruhig nach Hause zurück – und die ganze Nacht wurde er von all den schmerzhaften und ekelhaften Gedanken und Gefühlen, in die sich seine Liebe im März in Moskau verwandelt hatte, durch den Schlaf gequält. Der Autor sucht nach immer genaueren, durchdringenden Worten, um die Verwirrung in Mityas Seele zu zeigen.
Die Stile der sowjetischen Literatur spiegelten die tiefgreifenden psychologischen und sprachlichen Veränderungen wider, die im postrevolutionären Russland stattfanden. Einer der bezeichnendsten in dieser Hinsicht ist der „Skazovy“-Stil von M. M. Zoshchenko (1894–1958). „Skazovy“ – d.h. Nachahmung der (allgemeinen, umgangssprachlichen, Dialekt-)Sprache einer anderen Person. in der Geschichte Aristokrat(1923) erinnert sich der Erzähler, von Beruf Klempner, an eine demütigende Episode einer gescheiterten Werbung. Um sich nach Meinung seiner Zuhörer zu schützen, lehnt er sofort das ab, was ihn einst an „anständigen“ Damen gereizt hat, doch hinter seiner Weigerung wird Groll vermutet. Zoshchenko imitiert in seinem Stil die grobe Minderwertigkeit der Rede des Erzählers nicht nur durch die Verwendung rein umgangssprachlicher Phrasen, sondern auch durch die „gehackteste“, dürftigste Phrase: „Ich, meine Brüder, mag keine Frauen mit Hüten.“ Wenn eine Frau einen Hut trägt, wenn sie Phildecox-Strümpfe hat oder einen Mops im Arm oder einen goldenen Zahn, dann ist so ein Aristokrat für mich überhaupt keine Frau, sondern ein glatter Ort. Und natürlich hatte ich einmal eine Vorliebe für einen Aristokraten. Er ging mit ihr spazieren und nahm sie mit ins Theater. Im Theater hat alles geklappt. Im Theater setzte sie ihre Ideologie in ihrer Gesamtheit um. Und ich traf sie im Hof des Hauses. Bei der Konferenz. Ich schaue, es gibt eine Art Frya. Strümpfe an ihr, ein vergoldeter Zahn.
Es lohnt sich, darauf zu achten, dass Soschtschenko mit einem anprangernden Plakat „ihre Ideologie in vollem Umfang zur Geltung brachte“. Soschtschenkos Erzählung eröffnete einen Blick auf das sich verändernde Alltagsbewusstsein der Sowjetbevölkerung. Andrei Platonov (1899–1951) hat in seinem eigenen Stil und seiner Poetik eine andere Art von Einstellungswandel künstlerisch verstanden. Seine Charaktere denken schmerzhaft nach und drücken ihre Gedanken aus. Die schmerzhafte Schwierigkeit der Äußerung, die sich in bewussten Unregelmäßigkeiten der Sprache und physiologisch spezifischen Metaphern ausdrückt, ist das Hauptmerkmal des platonischen Stils und seiner gesamten künstlerischen Welt. Am Anfang des Romans Chevengur(1928-1930), gewidmet der Zeit der Kollektivierung, zeigt eine gebärende Frau, Mutter mehrerer Kinder: „Die gebärende Frau roch nach Rindfleisch und roher Milchkuh, und Mavra Fetisovna selbst roch nichts vor Schwäche, sie war stickig unter einer bunten Patchworkdecke – sie entblößte ihr ganzes Bein in den Falten des Alters und des mütterlichen Fettes; am Bein waren sichtbar gelbe Flecken einiger toter Leiden und blaue, dicke Adern aus steifem Blut, die sich unter der Haut verdichten und bereit sind, sie zu zerreißen, um herauszukommen; Entlang einer Ader, ähnlich einem Baum, kann man spüren, wie irgendwo ein Herz schlägt und mit Anstrengung Blut hindurchtreibt enge eingestürzte Schluchten des Körpers". Die Helden von Platonov hinterlassen nicht das Gefühl einer „kaputten“ Welt, und deshalb ist ihre Sicht so bizarr geschärft, dass sie Dinge, Körper und sich selbst so seltsam sehen.
In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts Der Kult um ein Genie und ein Meisterwerk (ein vollendetes Werk als künstlerische Welt), die Vorstellung eines „fühlenden“ Lesers werden stark erschüttert. Technische Reproduzierbarkeit, industrielles Umfeld, der Siegeszug der Trivialkultur stellen die traditionell heilige oder traditionell intime Beziehung zwischen Autor, Werk und Leser in Frage. Die Wärme des Zusammenhalts im Geheimnis der Kommunikation, über die Tolstoi schrieb, scheint archaisch, zu sentimental, „zu menschlich“. An ihre Stelle tritt eine vertrautere, weniger verantwortungsvolle und meist spielerische Art der Beziehung zwischen Autor, Werk und Leser. Unter diesen Umständen entfremdet sich der Stil immer mehr vom Autor, wird zum Analogon einer „Maske“ statt eines „lebenden Gesichts“ und kehrt im Wesentlichen zu dem Status zurück, der ihm in der Antike zuerkannt wurde. Anna Achmatowa sagte dies aphoristisch in einem der Vierzeiler des Zyklus Geheimnisse des Handwerks (1959):
Wiederhole es nicht – deine Seele ist reich –
Was einmal gesagt wurde
Aber vielleicht die Poesie selbst –
Ein tolles Zitat.
Das Verständnis von Literatur als Einzeltext erleichtert einerseits die Suche und Nutzung bereits Gefundener künstlerische Mittel, „Fremdwörter“, aber andererseits auch eine konkrete Verantwortung auferlegt. Tatsächlich im Umgang mit Fremder tauche gerade auf sein, die Fähigkeit, Geliehenes angemessen zu nutzen. Der Dichter der russischen Emigration G. V. Ivanov griff in seinem späteren Werk sehr oft auf Anspielungen (Hinweise) und direkte Zitate zurück, erkannte dies und spielte offen ein Spiel mit dem Leser. Hier ist ein kurzes Gedicht aus Ivanovs letztem Gedichtband Posthumes Tagebuch (1958):
Was ist Inspiration?
- Also ... Unerwartet, leicht
Strahlende Inspiration
Göttlicher Wind.
Über der Zypresse im verschlafenen Park
Azrael schlägt mit den Flügeln –
Und Tyutchev schreibt ohne einen Fleck:
Der römische Redner sprach...
Es stellt sich heraus, dass die letzte Zeile die Antwort auf die in der ersten Zeile gestellte Frage ist. Für Tyutchev ist dies ein besonderer Moment des „Besuchs bei der Muse“, und für Ivanov ist Tyutchevs Zeile selbst eine Quelle der Inspiration.