보석, 보물, 보물. 중세 박물관. 고대부터 중세까지 중세의 보석

종종 거리에서 검은 색을 적극적으로 사용하는 특이한 메이크업으로 우울한 어두운 옷을 입은 사람들을 볼 수 있습니다. 이것들 낯선 사람들고트족이라고 합니다. 두개골, 사슬, 풍뎅이, 십자가 및 기타 사후 세계의 상징으로 장식된 장식이 때때로 손상될 수 있습니다. 그러나 그것은 자신을 표현하는 방법일 뿐입니다.

이 스타일은 역사상 가장 신비롭고 신비로운 시대 중 하나인 먼 중세 시대에 뿌리를 두고 있습니다. 그 당시에도 비슷한 장신구를 착용했습니다. 최고점에서 발생하고 살아남은 스타일이 수십 년 또는 수백 년 후에 다시 돌아와서 인기를 얻고 매번 무언가를 반복하고 무언가를 변경합니다. 그것이 바로 고트에 관한 것입니다. 각 스타일의 중심에는 특정 철학이 있습니다. 고딕은 과거의 철학적, 종교적 아이디어에서 성장합니다.

이것은 무엇입니까 고대와 새로운 스타일? 현재 단계에서 그것은 다른 세계, 뱀파이어주의와 관련된 암흑 에너지, 즉 "라의 눈"의 이미지, 오각형, 박쥐, 십자가, 두개골, 관, 십자가 등으로 연료를 공급받습니다. 그들은 특이함, 야만성을 강조합니다. , 그의 팬들의 공격성. 그러나이 스타일에는 낭만적 인 방향의 장식도 있습니다.

오늘날 디자이너는 중세 고딕 문화와 현대 트렌드를 결합하여 예술에서 업데이트된 스타일을 만듭니다. 보석류.

보석 고딕의 방향

프랑스 크리스찬 디올, 아킬리스, 러시안 구르지 등 유명 브랜드들이 고딕 양식의 컬렉션을 선보이고 있다. 사실, 이 개념 아래에는 여러 방향이 있으며 때로는 서로 경쟁하기도 합니다.

그 중 하나는 빅토리아 고딕, 르네상스, 고대, 낭만주의 제품입니다. 아마도 가장 우아하고 고급 스럽습니다. 그리고 이것이 다소 이상하지만 그들 역시 우울한 고딕의 파생물입니다. 이러한 제품에는 백색 금속이 적극적으로 사용됩니다. 플래티넘, 화이트 골드, 은으로 만들어진 프레임은 사파이어, 다이아몬드 등 무겁고 밝은 크리스털과 대조를 이룹니다. 이전과 마찬가지로 보석은 큰 크리스털을 사용하여 거대하게 만들어집니다. 사치품과 우울하고 사악한 죽음의 상징이 결합되어 신비주의와 신비의 분위기를 자아냅니다. 그래서 이 제품들이 인기가 많습니다.

Androgyn Goth - 남성과 여성 모두에게 적합한 남녀 공용 보석: 스파이크, 붕대, 목걸이, 적절한 기호가 있는 반지.

Fetish Goth는 주로 주술, 다른 세상의 힘 등과 관련된 수많은 끈과 기호가 있는 사슬, 수갑, 붕대 및 고리와 같은 주물 지향적인 물체를 포함합니다. 값비싼 금속은 일반적으로 여기에 사용되지 않지만 종종 인공적인 밝은 돌이 있습니다.

그리고 Vampyre Goth에는 지하 세계, 암흑 세력과 관련된 뱀파이어 오리엔테이션의 장식이 포함되어 있습니다. 불멸과 무한대 "ankh"의 표시인 박쥐, 웹 및 기타 기호가 제품에 묘사되어 있습니다.

중세에 그들은 무엇을 입었습니까?

우리는 오늘의 보석 고딕의 파생물을 나열했습니다. 고딕 보석도 중세 시대에 착용되었습니다. 중세의 보석 제조에는 체인이 사용되었으며 펜던트로 장식되었습니다. 큰 돌, 돌과 종교 상징이있는 버클과 그래프 (걸쇠)는 연인에게 선물되었으므로 피어싱 된 하트, 장미 등 사랑의 상징으로 장식되었습니다. 거대한 반지가 장식되었습니다. 귀중한 수정그리고 종교적 상징이 있는 에나멜.

그러나 Gothic은 광범위한 개념입니다. 위의 것 외에도 실제 고딕 양식의 속성은 왕관, 검, 방패 등입니다. 고딕에서는 벨벳, 가죽, 레이스 및 진주가 사용되었습니다. 블랙 벨벳과 레이스에 다이아몬드와 화이트 펄이 아주 인상적입니다...

고딕 보석은 누구에게 적합합니까?

이러한 장신구는 의복, 헤어, 메이크업 등에서 특정 스타일을 제안합니다. 이러한 제품은 의류의 중세 모티브와 완벽하게 결합됩니다. 따라서 이미지를 신중하게 고려하고 어떤 고스트 방향이되고 어떤 경우에이 모든 것을 착용하는 것이 적합한 지 결정해야합니다. 우리가 언급했듯이 주변 환경 선택에보다 자유롭게 접근 할 수있는 장식도 있습니다.

고딕 양식은 주로 자신감이 넘치는 남성과 팜므파탈, 그리고 물론 젊고 대담한 사람들에게 현대 패션 트렌드를 따라가고 따라가기에 적합하다고 믿어집니다. 양식화는 현대 패션의 주요 특징 중 하나입니다.

심리학자들은 심리적 문제가 많은 사람들, 우울증에 걸리기 쉬운 콤플렉스, 심지어 자살까지하는 사람들은 고딕을 좋아한다고 말합니다. 동시에, 일부 연구는 이러한 하위 문화가 그러한 사람들이 사회에 적응하는 데 도움이 된다는 것을 증명합니다.

중세의 전통을 기반으로 한 이 스타일의 제품은 항상 인기가 있을 것입니다. 왜냐하면 신비와 신비주의에 대한 사람들의 갈망은 파괴될 수 없기 때문입니다.

476년 로마제국이 멸망한 후 서부 지역은 고유한 고유 문화를 가진 바란 부족이 차지했습니다. 중세 문화의 보석 스타일은 흥미 롭습니다. 현대인장식 및 장식 형태의 풍부함, 제품 구성 솔루션의 역동성 및 표현력. 그래서:

보석 스타일 - 중세 시대

중세에 현대 프랑스와 영국 제도의 일부에 거주했던 켈트족은 독창적인 예술을 창조했습니다. 오늘날까지 살아남은 켈트족 보석은 많지 않습니다. 수세기 동안 금과 은 품목은 분할 과정에서 무자비하게 절단되거나 새로운 방식으로 재제작되거나 재용해 중에 사라졌습니다. 가죽, 나무, 철 및 천으로 만든 보석은 단순히 생존하지 못했습니다. 그러나 오늘날까지 살아남은 유물은 중세의 높고 신비한 예술의 예로서 존경할만한 가치가 있습니다! 그것은 현대 서구 문명의 뿌리인 켈트 문화에 있습니다.

사진: 켈트 스타일의 보석

장식은 켈트 문화의 가장 특징적인 요소입니다. 장식은 많은 물건의 표면을 덮었습니다. 추상화는 실제 물체의 이미지가 드물게 포함되어 요소가 환상적으로 엮여있는 켈트 장식품의 특징입니다. 장신구의 요소를 임의로 변경하는 것은 신이 내린 것으로 여겨져 마법의 힘: 직조는 인간의 영적, 지상적 길을 상징합니다. 각 이미지는 마법의 표시였습니다. 그래서 새들은 하늘의 사자로 간주되었으며 비둘기 - 사랑과 영성의 상징, 자고새 - 교활함, 왜가리 - 경계 등 각각의 징조가있었습니다. 토끼는 번영과 풍요의 상징이었습니다. 뱀 - 치유력의 소유자, 물고기 - 더 높은 지혜의 의인화, 말 - 다산의 여신의 상징 등 켈트 십자가는 지상 세력과 하늘 세력의 결합을 상징하며, 그 내부 원은 통합을 나타냅니다.

Celts의 가장 인기있는 장식은 브로치, 팔찌, 십자가 및 torcs - 목 hryvnias는 거대한 금속 고리입니다.

켈트 장식의 신비와 복잡한 복잡성은 매료되어 아무도 무관심하지 않습니다. 전 세계적으로 켈트 스타일의 보석은 매우 인기가 있으며 장식 형태를 변형하지 않고 복사하는 경우가 많습니다. 놀랍도록 현대적으로 보이며 변경할 필요가 없습니다!

바이킹 쥬얼리

바이킹 또는 Varangians는 고향이 북쪽 땅인 덴마크, 스웨덴, 노르웨이의 영토였던 용감한 중세 선원입니다. 바이킹의 예술은 새로운 땅을 정복하는 과정에서 독창성과 분포로 인해 문화에 깊은 흔적을 남겼습니다.

바이킹 보석은 주로 은, 청동, 구리 및 아랍 동전으로 만들어졌으며 금은 거의 사용되지 않았습니다. 브로치, 거대한 그리브냐, 펜던트가 달린 사슬, 팔찌가 인기가 있었습니다.

사진: 바이킹 주얼리

장신구뿐만 아니라 모든 가정용품을 덮는 것이 관례였던 바이킹 장신구는 동물을 모티브로 하여 부자연스럽게 뒤틀린 몸을 가진 고도로 양식화된 동물의 이미지를 포함했습니다. 또한 식물, 잎, 소용돌이 모양의 이미지가 장식용 구성에 사용되었지만 "동물 스타일"이 결정적이었습니다.

여자가 장신구의 수는 가족의 부를 증언했습니다. 남편의 수입이 10,000 디르함이면 아내는 목에 하나의 귀중한 사슬을, 20,000 디르함이면 보석 2개 등을 가졌습니다.

2011년 바이킹 주얼리는 패션의 정점에 있습니다. Lanvin의 크리에이티브 디렉터인 Alber Elbaz는 바이킹 예술의 독창성과 독창성에서 영감을 받은 주얼리 컬렉션을 디자인했습니다. 컬렉션은 거대함과 부피, 모양, 오래된 구리 및 청동과의 연관성을 연상시키는 색상, 보석에 활발히 사용되었지만 오늘날까지 살아남지 못한 가죽 모방과 같은 바이킹 보석의 특징을 기반으로 합니다.

고딕 스타일의 보석

문화사에서 고딕 양식은 보석을 포함한 공예품의 번창이 특징입니다. 고딕 스타일의 보석 - 둥근 금 막대로 만든 큰 부조 모양의 목걸이, 펜던트가 달린 사슬, 그래프, 반지, 벨트 버클.

아그라프는 컷아웃의 가장자리를 연결하여 브로치를 대체하는 장식입니다. 기사들은 종종 연인들에게 선물을 주었기 때문에 주제가 적절했습니다: 관통된 마음의 동기, 얽힌 손, 열쇠, 꽃, 사랑 비문 조각.

반지는 특별한 의미를 얻었습니다. 삽입물의 보석이 부적이었기 때문에 많은 사람들이 착용했습니다. 고딕 양식의 돌의 상징성은 매우 존경받았습니다. 크기, 채도 및 힘으로 인해 가치가 있었습니다. 후기 고딕 시대에는 종교를 주제로 한 에나멜로 그래프와 반지를 장식했습니다.

켈트 스타일의 보석

중세에 현대 프랑스와 영국 제도의 일부에 거주했던 켈트족은 독창적인 예술을 창조했습니다. 오늘날까지 살아남은 켈트 보석은 많지 않습니다. 수세기 동안 금과 은 품목은 분할 과정에서 무자비하게 절단되거나 새로운 방식으로 재제작되거나 재용해 중에 사라졌습니다. 가죽, 나무, 철 및 천으로 만든 보석은 단순히 생존하지 못했습니다. 그러나 오늘날까지 살아남은 유물은 중세의 높고 신비한 예술의 예로서 존경할만한 가치가 있습니다! 그것은 현대 서구 문명의 뿌리인 켈트 문화에 있습니다.

사진: 켈트 스타일의 보석.

장식은 켈트 문화의 가장 특징적인 요소입니다. 많은 물건의 표면이 장식으로 덮여 있습니다. 추상화는 실제 물체의 이미지가 드물게 포함되어 요소가 환상적으로 엮여있는 켈트 장식품의 특징입니다. 장식품의 요소를 임의로 변경하는 것은 신이 부여한 마법의 힘이 있다고 믿었기 때문에 금지되었습니다. 직조는 인간의 영적, 지상적 길을 상징합니다. 각 이미지는 마법의 표시였습니다. 그래서 새들은 하늘의 사자로 간주되었으며 비둘기 - 사랑과 영성의 상징, 자고새 - 교활함, 왜가리 - 경계 등 각각의 징조가있었습니다. 토끼는 번영과 풍요의 상징이었습니다. 뱀 - 치유력의 소유자, 물고기 - 더 높은 지혜의 의인화, 말 - 다산의 여신의 상징 등 켈트 십자가는 지상 세력과 하늘 세력의 결합을 상징하며, 그 내부 원은 통합을 나타냅니다.

Celts의 가장 인기있는 장식은 브로치, 팔찌, 십자가 및 torcs - 목 hryvnias는 거대한 금속 고리입니다.

사진: 켈트 장식.

바이킹 쥬얼리

바이킹 또는 Varangians는 고향이 북쪽 땅인 덴마크, 스웨덴, 노르웨이의 영토였던 용감한 중세 선원입니다. 바이킹의 예술은 새로운 땅을 정복하는 과정에서 독창성과 분포로 인해 문화에 깊은 흔적을 남겼습니다.
바이킹 보석은 주로 은, 청동, 구리 및 아랍 동전으로 만들어졌으며 금은 거의 사용되지 않았습니다. 브로치, 거대한 그리브냐, 펜던트가 달린 사슬, 팔찌가 인기가 있었습니다.

사진: 바이킹 스타일의 보석.

장신구뿐만 아니라 모든 가정용품을 덮는 것이 관례였던 바이킹 장신구는 동물을 모티브로 하여 부자연스럽게 뒤틀린 몸을 가진 고도로 양식화된 동물의 이미지를 포함했습니다. 또한 식물, 잎, 소용돌이 모양의 이미지가 장식용 구성에 사용되었지만 "동물 스타일"이 결정적이었습니다.
여자가 장신구의 수는 가족의 부를 증언했습니다. 남편의 수입이 10,000 디르함이면 아내는 목에 하나의 귀중한 사슬을, 20,000 디르함이면 보석 2개 등을 가졌습니다.

고딕 스타일의 보석

Agraphs - 컷 아웃의 가장자리를 연결하는 장식으로 브로치를 대체합니다. 기사들은 종종 연인들에게 선물을 주었기 때문에 주제가 적절했습니다: 관통된 마음의 동기, 얽힌 손, 열쇠, 꽃, 사랑 비문 조각.

사진: 고딕 장식.

고딕 양식의 펜던트는 둥글고 평평했으며 큰 보석, 진주 및 에나멜로 장식되었습니다.

고딕 양식의 현대적인 장식은 특징적인 장식의 특징을 사용하여 해결됩니다. 종종 이들은 고딕 양식의 스테인드 글라스 예술에서 영감을 받은 밝고 다양한 색상의 제품이 될 수 있습니다. 고딕 스타일의 보석을 고트 하위 문화의 대표자가 사랑하는 것과 혼동하지 마십시오. 이름을 제외하고는 공통점이 없습니다!
중세 예술 전통을 사용하는 보석 스타일은 항상 인기가 있습니다. 신비와 특이함에 대한 갈망은 사람에게 파괴되지 않습니다.

사진: 고딕 장식.

르네상스

르네상스는 아름다운 고대 전통의 탐색과 부흥의 시대입니다. 탐험, 여행 및 세계 무역의 시작은 기술 분야의 발견, 새로운 재료의 출현 및 물론 다른 국가 스타일의 영향으로 이어졌습니다. 중세 시대에 금에 대한 관심이 우세했다면 르네상스 시대에는 돌을 세팅하는 것이 주요 역할을 차지했습니다. 콜롬비아의 에메랄드, 브라질의 토파즈, 스리랑카의 이오나이트, 인도의 루비, 아프가니스탄의 청금석, 페르시아의 청록색, 홍해의 페리도트, 보헤미아의 오팔, 헝가리의 자수정이 유럽 보석상 은닉처에서 발견되었습니다. 시각. 1660년 Jean-Baptiste Travernier는 저주받은 "Hope Diamond"를 프랑스로 가져왔습니다.

고대는 그리스와 로마의 신, 신화적 인물, 역사적 인물, 철학적 주제 등 모든 르네상스 보석의 기본 모티브가 됩니다. 이 시대의 보석상들의 제품은 자연과 인간의 가장 위대한 창조물에 대한 찬가입니다. 그들 각각은 개별적이고 독특합니다. 펜던트, 메달 및 브로치 장식에 주로 사용되었던 동물, 새, 식물 테마의 인기가 높아진 것이 중요합니다.

위대한 지리적 발견 기간이 시작되면서 돌고래, 인어 및 기타 바다 생물, 선박 펜던트와 같은 해양 테마가 특히 북유럽에서 인기를 얻었습니다. 그 당시 그들은 다양한 거대한 사슬과 우아한 사슬, 펜던트, 메달, 많은 반지와 반지를 착용했습니다. 16세기 후반부터 남성과 여성은 모자에 브로치와 버클, 성인의 이미지와 이름의 글자로 짜여진 모노그램을 착용했습니다. 여성들은 꽃 모양의 귀걸이를 착용했습니다.etov와 진주, 남자는 귀걸이를 하나 착용할 수 있습니다. 펜던트는 일반적으로 체인에 착용했는데 그 자체가 보석이었습니다. 각 링크는 에나멜과 장식품으로 풍부하게 장식된 식물 모티브 또는 인형의 작은 구성이었습니다. 16세기에는 다이아몬드가 펜던트를 지배하게 되었습니다. 다이아몬드를 유색 돌과 결합할 때 유색 호일이 종종 그 아래에 놓였습니다.

이 기간 동안 독일에서는 보석 외에도 코코넛 껍질 및 기타 이국적인 견과류, 타조 알 및 노틸러스 껍질이 보석에 사용됩니다. 진주와 진주가 있는 산호는 독일에서 큰 사랑을 받았습니다.

16세기에는 에나멜 초상화 미니어처의 예술이 번성했습니다. 에 최고의 작품에나멜을 칠하는 기법으로 만들어진 은 작가의 미묘한 구성 감각을 자극합니다. 회화 원본은 대상의 모양 및 목적과 유기적으로 연결되어 사용됩니다. 페인트 칠한 에나멜 기법을 사용하여 만든 대부분의 항목은 스타일로 르네상스에 속합니다.

16세기의 가장 인기 있는 장식 i펜던트가 들어왔습니다. 그는 이전에 선호했던 브로치와 브로치를 교체했습니다. 펜던트는 목걸이, 긴 사슬에 착용하고 드레스에 고정했습니다. 종종 펜던트는 양면으로 사용되며 한쪽에는 보석으로, 다른 한쪽에는 에나멜 패턴으로 장식했습니다. 강철과 펜던트도 인기가 있었는데, 동시에 이쑤시개나 귀이개처럼 실용적인 용도로 사용되었습니다. 이 유형의 가장 흥미로운 생존 펜던트는 철회 가능한 치아 및 귀 클리너와 스크레이퍼가 있는 권총 펜던트입니다.

종교적 주제는 여전히 유행에 남아있었습니다. 예수라는 이름의 모노그램 형태의 펜던트, 성경 장면을 묘사한 미니어처. 일부 장식은 죽음의 불가피성을 상기시키기 위한 것이었습니다. 그들은 "메멘토 모리", "죽음을 기억하라"라고 불렀습니다.

무기명이나 그의 연인의 이니셜이 새겨진 펜던트도 인기가 있었습니다.
성서적 주제와 함께 님프, 사티로스, 인어, 용과 같은 신화적인 주제가 보석에 나타났습니다.

반지는 각 손가락에 끼었고 때로는 여러 개를 끼었습니다. 은신처를 고리 모양으로 여러 개 배치하여 향긋한 허브를 숨겨두었습니다. 당시에는 위생 상태가 좋지 않았고, 악취가 심할 경우 고리를 코에 대고 허브 향을 들이마시면 됩니다. . 그 당시의 또 다른 인기 있는 장식인 pomander도 같은 실용적인 목적을 가지고 있었습니다. 그것은 앰버그리스와 향수 오일이 숨겨져 있던 작은 그릇이었습니다. 그것은 일반적으로 거울과기도 책을 가질 수있는 벨트에 착용했습니다.

당시 인기 있는 또 다른 유형의 반지는 우정과 사랑의 반지였습니다. 그러한 반지의 내부에는 항상 "내 마음은 당신에게 속해 있습니다" 또는 "영원히 함께"와 같은 일종의 낭만적인 비문이 있었습니다. 소위 베네치아 반지도있었습니다. 불충실한 연인에게 복수하거나 때때로 불쾌한 사람을 제거하기 위해 독이 숨겨져 있습니다.

그 당시 보석에는 치유력이 있다고 믿었습니다. 예를 들어 사파이어는 피부병 치료제로, 토파즈는 치매 치료제로 여겨졌습니다. 따라서 부적 보석이 인기가 있었고 일반적으로 반지였습니다. 일반적으로 그들은 악의적 인 눈을 피하기 위해 질병을 예방하기위한 것입니다.

잘 알려진 브랜드는 정기적으로 자신의 작품에서 르네상스의 보석 전통으로 돌아 왔습니다(컬렉션에는 진주와 준보석이 있는 금과 은색 금속으로 만든 정확하게 재현된 펜던트, 목걸이, 브로치, 귀걸이 및 팔찌가 포함됨). 오늘날 수집품으로 간주됩니다. 그 중: Florenza, ModeArt, Hollycraft, 서독, 1928. 후자는 예를 들어 바티칸 도서관과의 독점 계약 덕분입니다.오, 바티칸의 종교 전시회 컬렉션에서 물건과 보석을 복제할 권리가 있습니다! 이러한 자원을 바탕으로 1928년 보석 회사는 종교 테마의 보석에 중점을 둔 라인인 바티칸 도서관 컬렉션을 만들었습니다. 이 영감을 주는 컬렉션에는 보석으로 장식된 천사, 십자가, 십자가, 기도의 손, 묵주, 책갈피 등이 있습니다.

일반적으로 이러한 회사의 많은 빈티지 보석 컬렉션은 르네상스의 세련된 스타일과 디자인에 경의를 표하기 위해 만들어졌습니다.

스타일 매너리즘

매너리즘 (이탈리아 maniera, 방식에서)은 서유럽 문학 아트 스타일 XVI - XVII 세기의 1/3. 그것은 육체와 정신, 자연과 인간 사이의 르네상스 조화의 상실이 특징입니다. 일부 연구자(특히 문학 비평가)는 매너리즘을 독립적인 스타일로 간주하고 바로크의 초기 단계로 간주하지 않습니다. 고대에서 현재에 이르기까지 문화 발전의 여러 단계에서 예술에서 시작되는 조형적이고 "가식적인" 표현으로서 "매너리즘"의 개념에 대한 확장된 해석도 있습니다.

이 단계는 이탈리아 르네상스의 예술적 이상이 위기를 반영했습니다. 매너리즘의 예술은 전체적으로 내용보다 형식이 우세한 것이 특징입니다. 절묘한 기술, 기교, 기술의 시연은 아이디어의 빈곤, 이차적이고 모방적인 아이디어에 해당하지 않습니다. 매너리즘에서 스타일의 피로, 중요한 원천의 고갈. 그렇기 때문에 이 용어는 종종 매너리즘을 다양한 역사적 시대의 모든 예술적 스타일 발전의 위기 단계라고 부르며 더 광범위하게 해석됩니다.

르네상스 이후 처음으로 어려웠던 내용과 형태, 이미지와 표현의 조화는 개별 요소, 회화적 수단: 선과 실루엣, 화려한 반점과 질감, 획과 획의 과도한 발전과 미화로 인해 붕괴되기 시작했다. . 하나의 디테일의 아름다움이 전체의 아름다움보다 더 중요해졌습니다. 이 길은 모든 예술 양식의 형태가 진화하는 과정에서 필연적인 것이지만, 그 예술적 성취의 으뜸인 르네상스 역시 뛰어난 매너리즘을 만들어 냈습니다.

매너리즘의 눈에 띄는 예는 유명한 아우크스부르크와 뉘른베르크 금세공인과 보석상, 주로 "독일 첼리니" W. 잠니처의 작품입니다. 16세기 말부터 장식 예술 분야에서 특별한 가치와 아름다움의 기준은 "희귀하고 복잡한" 것이 되었습니다. 고객은 르네상스 디자인의 반복에 점점 더 만족하지 못하고 참신함, 환상, 기술적 정교함, 사치 및 부를 요구했습니다. 이로 인해 주인은 금과 은을 보석, 진주, 산호, 자개, 해외 검정 및 마호가니와 결합하여 새로운 재료를 찾아야 했습니다. 분지 산호나 노틸러스 조개와 같은 다양한 종류의 호기심이 제품의 전체 구성을 형태로 결정하기 시작했습니다. 건축학, 구성 구성의 논리는 예술가와 고객의 상상력의 임의성, 변덕보다 완전히 열등했습니다.

이 기간 동안 패션은 부조리의 지점에 도달했습니다. 옷은 인체 및 신체 비율과 완전히 관련이없는 케이스로 변했습니다. 여성용 리프록과 고정된 몸통으로 내려온 패션 스타일화는 독립적인 의복으로 매우 철저하게 만들어졌으며 패션의 역사에서 유추할 수 없습니다.
50년 동안 지배적이었던 매너리즘 패션은 17세기 초에 후퇴했습니다.바로크 시대가 도래하고 있다.

우리가 알다시피, 예술의 역사에서 시대는 다양한 문화와 관련이 있었습니다. 역사적 시대: 르네상스, 바로크, 아르데코... 그리고 보석의 역사는 각 시대와 떼려야 뗄 수 없는 관계입니다.

그래서 우리는 중세 시대에 만들어진 보석으로 정착했습니다. 다음에 무슨 일이 일어났습니까?

르네상스가 중세 시대를 대체할 도래하고 있습니다.

네덜란드. 16세기 말.

르네상스. 르네상스는 아름다운 고대 전통의 탐색과 부흥의 시대입니다. 탐험, 여행 및 세계 무역의 시작은 기술 분야의 발견, 새로운 재료의 출현 및 물론 다른 국가 스타일의 영향으로 이어졌습니다. 중세 시대에 금에 대한 관심이 우세했다면 르네상스 시대에는 돌을 세팅하는 것이 주요 역할을 차지했습니다. 콜롬비아의 에메랄드, 브라질의 토파즈, 스리랑카의 이오나이트, 인도의 루비, 아프가니스탄의 청금석, 페르시아의 청록색, 홍해의 페리도트, 보헤미아의 오팔, 헝가리의 자수정이 유럽 보석상 은닉처에서 발견되었습니다. 시각.

브로치 "레다와 백조" Cellini, Benvenuto 16세기/ 골드, 청금석, 진주. 보르젤로 박물관. 피렌체

1660년 Jean-Baptiste Travernier는 저주받은 "Hope Diamond"를 프랑스로 가져왔습니다. 고대는 그리스와 로마의 신, 신화적 인물, 역사적 인물, 철학적 주제 등 모든 르네상스 보석의 기본 모티브가 됩니다. 이 시대의 보석상들의 제품은 자연과 인간의 가장 위대한 창조물에 대한 찬가입니다. 그들 각각은 개별적이고 독특합니다. 펜던트, 메달 및 브로치 장식에 주로 사용되었던 동물, 새, 식물 테마의 인기가 높아진 것이 중요합니다. 위대한 지리적 발견 기간이 시작되면서 돌고래, 인어 및 기타 바다 생물, 선박 펜던트와 같은 해양 테마가 특히 북유럽에서 인기를 얻었습니다.

아테나를 묘사한 카메오. 금, 옥수. 고고학 박물관

그 당시 그들은 다양한 거대한 사슬과 우아한 사슬, 펜던트, 메달, 많은 반지와 반지를 착용했습니다. 16세기 후반부터 남성과 여성은 모자에 브로치와 버클, 성인의 이미지와 이름의 글자로 짜여진 모노그램을 착용했습니다. 여성은 꽃과 진주 형태의 귀걸이를 착용하고 남성은 한쪽 귀걸이를 착용할 수 있습니다. 펜던트는 일반적으로 체인에 착용했는데 그 자체가 보석이었습니다. 각 링크는 에나멜과 장식품으로 풍부하게 장식된 식물 모티브 또는 인형의 작은 구성이었습니다. 16세기에는 다이아몬드가 펜던트를 지배하게 되었습니다. 다이아몬드를 유색 돌과 결합할 때 유색 호일이 종종 그 아래에 놓였습니다.

십자가에 못 박힌 장면이 있는 드롭 모양의 펜던트. 금, 호박, 진주; 조각, 에나멜. 은제품 박물관
피렌체. 메디치의 보물에 속함

Charles V의 초상화가 있는 카메오 Leoni, Leone 1536 골드, 에나멜, 청금석, 벽옥
높이 6.3 cm 메트로폴리탄, 뉴욕

르네상스 보석상의 보석은 구성, 환상, 장식의 완전성 - 연구의 철저함으로 표시됩니다. 보석은 소유자의 사회적 지위를 나타내는 일종의 표시 역할을했습니다. 부적의 기능에서 그들은 마법의 의미를 가졌습니다 (고대에도 신비로운 영향은 보석과 금속에 기인했습니다).
보석 디자인의 변화는 16세기 전반부의 새로운 회화와 조각 양식을 따라 이탈리아에서 프랑스, 독일, 영국으로 점차 퍼졌습니다.

A. Durer, H. Holbein Jr., Benvenuto Cellini는 15세기 후반에서 16세기에 보석 제작에 눈을 돌렸습니다. 후자(그리고 Benvenuto Cellini의 그의 논문 조각 및 금 작업) 덕분에 우리는 르네상스 금세공인들이 사용하는 방법을 완전히 이해하고 있습니다.합스부르크의 막시밀리안 1세가 1494년 밀라노의 비앙카 마리아 스포르차와 결혼했을 때 그의 궁정은 이탈리아 예술 . 신성로마제국을 통한 르네상스의 전파는 느리고 점진적이었고 고딕 보석류 16세기 중반까지 계속해서 인기를 얻었습니다. 그러나 독일 장인들은 세기 중반에 르네상스 스타일을 채택했고 그들의 도시는 유럽 전역의 보석상과 디자이너를 끌어들이는 중요한 제조 중심지가 되었습니다. 아우크스부르크는 주요 보석 제조 도시 중 하나가 되었습니다.

재료. 1497-1499년에 Vasco da Gama가 발견한 인도로의 직접 항로는 유럽 상인들이 보석을 직접 얻을 수 있게 하여 다이아몬드의 유입을 일으켰습니다. 리스본은 베니스를 대체하여 인도 보석의 주요 거래 중심지입니다. 15세기에 주요 다이아몬드 중심지였던 브뤼헤는 앤트워프가 80년 전쟁에 휘말린 1585년까지 사업이 번성했던 앤트워프를 대체했습니다. 앤트워프는 올해 바다 접근이 차단돼 피해를 입었다. 국제 무역. 대부분의 다이아몬드 절단기는 더 북쪽으로 암스테르담으로 이동했으며, 암스테르담은 20세기까지 유럽의 새로운 다이아몬드 중심지가 되었고 계속 남아 있었습니다.

사파이어, 루비, 에메랄드 등 보석도 매우 인기가 있었습니다. 또한 커런덤은 스리랑카에서 직접 배송되었습니다. 루비 중에서 버마 루비는 색의 순도 때문에 가장 높이 평가되었습니다. 진주는 매우 인기가 있었고 대부분 페르시아 만에서 공급되었습니다.

생산. 르네상스의 가장 좋아하는 보석 유형 중에는 가슴 펜던트와 모자 장식품이 있습니다. 종종 그것들의 재료는 불규칙한 모양의 카보숑이나 화려한 진주였습니다. 모조 돌도 번성했습니다. 유리 돌은 일반적이었습니다. 스리랑카의 유리, 수정 또는 무색 지르콘으로 만든 모조 다이아몬드도 시장에서 틈새 시장을 찾았습니다. 베니스에서는 인공 진주 생산이 심각한 속도로 증가하여 도시의 입법자들이 10년 동안의 망명과 오른손을 잃는 등 이 모든 것을 엄격하게 규제해야 했습니다.

메디치(Medici)의 통치 기간 동안 석재 절단 예술과 피렌체 모자이크 예술이 번성했습니다. 프랑스에서는 Limoges 에나멜 학교가 유명해졌습니다. 이 기간 동안 독일에서는 보석 외에도 코코넛 껍질 및 기타 이국적인 견과류, 타조 알 및 노틸러스 껍질이 보석에 사용됩니다. 진주와 진주가 있는 산호는 독일에서 큰 사랑을 받았습니다.

도롱뇽 펜던트, 독일, 1575년,
빅토리아 앨버트 박물관

16세기에는 에나멜 초상화 미니어처의 예술이 번성했습니다. 그림 에나멜 기법으로 만들어진 최고의 작품은 마스터의 섬세한 구성 감각이 돋보입니다. 회화 원본은 대상의 형태와 목적과 유기적으로 연결되어 사용됩니다. 페인트 칠한 에나멜 기법을 사용하여 만든 대부분의 항목은 스타일로 르네상스에 속합니다. 고대 숭배는 당시 보석 예술 스타일의 외부 표현으로 판명되었습니다. 발굴 중 발견한 진품, 보석상, 소생품을 그대로 사용하여 그대로 두지 말고 금테, 보석, 법랑 등을 새로운 장식으로 사용하여 소생한 제품에 고풍스러움이 묻어나지 않는 광채를 주어 재료의 풍부함을 느끼게 하고, 장식 요소. Hermitage는 보트 형태의 펜던트를 유지하며, 그 몸체는 불규칙한 모양의 큰 진주로 구성되어 있습니다. 진주의 가장자리를 따라 오픈워크 골드 세팅의 작은 빨간색과 파란색 카보숑이 박혀 있습니다. 돛과 돛대는 흰색 유백색 에나멜과 함께 금으로 만들어졌습니다. 활 위의 우아한 랜턴과 나비 모양의 컬이 얇은 선조 수의와 사다리와 얽혀 있습니다.

긴 사슬의 이러한 펜던트는 여성과 남성 모두에게 가장 세련된 장식이 되고 있습니다. 큐피드와 천사, 여성 인물, 켄타우로스와 용, 배와 펜던트에 달린 환상적인 동물은 그냥 미니어처 조각처럼 보이지 않습니다.

바로크.
바로크는 르네상스의 명확하고 절제된 조화에 자리를 내준 가장 화려하고 그림 같은 역사적 스타일 중 하나입니다. 그러나 아마도 "장엄한"과 "엄숙한"이라는 별명이 바로크 양식을 훨씬 더 정확하게 특징 짓는 것일 수 있습니다. 보석 예술에서 바로크 양식은 루이 14세 궁정의 공급자인 프랑스 대가들의 작품에서 가장 두드러지게 발전되었습니다. 이 스타일은 무엇보다도 밝은 거만함, 표현력 및 쾌활함이 특징입니다. 숙녀의 열린 목은 바로크 시대에 매우 유행하는 아름다운 진주 끈으로 싸여있었습니다. '지란돌' 모양의 3개의 진주 펜던트가 달린 고급스러운 귀걸이가 귓가에 반짝거렸다.

바르톨로메우스 스프랭거, 비앙카 카펠로. 투스카니 대공비(1548-1587).
미술사 박물관. 정맥.

바로크 시대에 매우 유행했던 진주는 여성의 머리카락, 귀, 목을 장식합니다. 그녀의 브로케이드 드레스의 네크라인 주위에는 여러 줄의 진주가 꿰매어져 있습니다.
그 당시의 패션은 높은 카스트에 고정된 루비와 에메랄드가 있는 값비싼 반지에 호의적이었습니다. 옷과 신발의 귀중한 버클은 시대의 흔적이 될 수 있습니다. 의상에 수많은 커튼이 있으면 다양한 머리핀이 필요했습니다. 이전에는 그래프가 사용되었지만 지금은 바로크 시대에 정확히 처음 사용된 브로치로 대체되었습니다. 에메랄드, 루비, 사파이어, 진주와 같은 밝은 돌로 장식 된 대형 장식 브로치는 코사지의 목선을 장식하고 숙녀의 말벌 허리를 강조했습니다. 보석으로 장식된 작은 브로치 로제트는 당시 유행하던 드레스의 셀 수 없이 많은 슬릿을 고정시켰습니다. 그러나 아마도 이 시대의 예술이라고 불리는 "럭셔리 스타일"의 가장 큰 특징은 돌이 박힌 투각 "클레이브 브로치"일 것입니다. 넥 리본에 부착되어 깊은 네크라인이 강조되었습니다. 그 당시의 모든 브로치는 바로크 양식에 따라 웅장하고 대칭적인 모양을 가졌으며 짙은 색의 보석으로 화려하게 장식되었습니다.

"바로크 진주" 또는 바로크 진주.

펜던트 "헤라클레스". 1540년경 프랑스.

"바로크"라는 용어의 기원에 대한 역사는 흥미 롭습니다. 예술 스타일의 연구원인 V.E. Vlasov는 다음과 같이 썼습니다. "포르투갈 선원들은 "바로크"라는 속어를 불규칙한 모양의 결함 있는 진주를 지칭하기 위해 사용했으며 16세기 중반에 구어체 이탈리아어에서 다음과 같은 동의어로 나타났습니다. 거칠고 서투르고 거짓된 모든 것.”

보류. 17세기 헝가리. 헝가리 국립 박물관 - 부다페스트.

얼마 후 프랑스 대가들은 바로크라는 단어를 꽤 널리 사용하기 시작했지만 사전에서는 이미 "부드럽게 하고, 윤곽을 녹이고, 형태를 더 부드럽고, 더 아름답게 만드는 것"을 의미했습니다. 특정한 예술 양식을 가리키는 용어로 '바로크'라는 단어는 19세기에 와서야 과학적으로 사용되었으며 그 어원은 어느 정도 양식의 내용을 드러냅니다.

펜던트 "독수리와 뱀". 16세기 프랑스.

실제로 바로크는 가장 웅장하고 그림 같은 역사적 스타일 중 하나이며 르네상스 작품의 특징 인 "정확함", 선명도 및 절제된 조화가 없습니다.

라인홀트 베스터스(독일어, Erkelenz 1827-1909 Aachen):

바로크 양식은 여전히 화려함과 부를 연상시킵니다. 남부와 북해완벽하게 둥근 것부터 호화롭게 기괴한 것까지 다양한 모양과 색상의 고급스러운 진주가 가득합니다. 바로크 진주는 수중 조류에 의해 애무되는 조개 껍질에서 탄생하며, 마치 진주에 유체, 역동적인 윤곽 및 플라스틱 선을 부여하는 파도의 터치로 표시됩니다.

펜던트 "수탉". 함부르크, 1600년경.

바로크 진주(또는 바로크 진주)는 "불규칙한" 즉, 모양이 둥글지 않은 모든 진주를 포함합니다. 배 모양 및 눈물 모양, 타원형, 타원형, 단추 또는 정제 모양 - 이러한 모든 형태는 바로크 진주의 특징입니다.

펜던트 "드래곤". 스페인, 1500-1599

각각의 바로크 진주는 독특한 모양과 맑은 금색에서 하늘색에 이르기까지 특별하고 절묘한 색상을 가지고 있습니다.

펜던트 "백조". 네덜란드, 1590년대 에르미타주 컬렉션.

바로크 진주는 전통적으로 둥근 진주만큼 비싸지 않지만 일부 유형은 완벽하게 둥근 진주와 동등하게 평가됩니다. 예를 들어, 배 모양 또는 눈물 모양의 진주는 펜던트, 귀걸이 및 티아라에서 멋지게 보입니다. 바로크 진주 중에서 이상적인 눈물방울이나 배 모양은 매우 드뭅니다. 그 중에는 연예인도 있다. 예를 들어, 무게가 90g인 "Hope's Pearl"은 녹색을 띤 금색에서 흰색까지 색상이 다양합니다. 길이는 51mm, 가장 큰 직경은 114mm, 작은 것은 83mm입니다. 또는 밝은 흰색과 완벽한 배 모양의 모양(직경 238mm, 무게 6400g)으로 유명한 진주 "라 페레그리나"(스페인어로 "비교할 수 없음")입니다. 이 진주의 역사는 신비에 싸여 있습니다. 기네스북에 따르면 샌프란시스코 보석 연구소는 진주의 가치를 4000만 달러로 평가했다.

펜던트 "이쑤시개". 독일 또는 이탈리아, 16세기. 컬렉션 "대영 박물관의 관리인".

상당히 큰 그룹의 바로크 진주는 다양한 동물이나 사물의 실루엣과 같은 모양의 바다 진주로 구성됩니다. 개구리의 등, 말의 머리, 새의 날개, 개의 이빨, 몸통까지 사람과 그의 얼굴 특징까지. 이러한 진주를 모범이라고하며 기적적인 속성은 오랫동안 그들에게 귀속되었습니다. 파라곤은 전통적으로 금으로 장식되어 있으며 보석으로 장식되어 있습니다.

앉아있는 고양이 모양의 펜던트. 스페인, 16세기 말~17세기 초.

16세기의 가장 인기 있는 장식은 펜던트였습니다. 그는 이전에 선호했던 브로치와 브로치를 교체했습니다. 펜던트는 목걸이, 긴 사슬에 착용하고 드레스에 고정했습니다. 종종 펜던트는 양면으로 사용되며 한쪽에는 보석으로, 다른 한쪽에는 에나멜 패턴으로 장식했습니다. 예를 들어 이쑤시개나 귀청소와 같이 실용적인 용도로 사용되었던 인기 있는 강철과 펜던트. 이 유형의 가장 흥미로운 생존 펜던트는 철회 가능한 치아 및 귀 클리너와 스크레이퍼가 있는 권총 펜던트입니다.

권총 펜던트, 16세기 후반, 영국. 빅토리아 앨버트 박물관

깃발이 달린 어린 양 모양의 펜던트 - 그리스도의 상징. 16세기 프랑스.

펜던트 Memento Maury, 영국, 16세기 중반.
빅토리아 앨버트 박물관
스타일과 기술

라인홀트 베스터스(독일어, Erkelenz 1827-1909 Aachen)

펜던트 "Rusal"(모두가 "임신한 인어"를 기억합니까?)). 유럽, 아마도 1860년.

보류. 17세기 중반 독일. 메트로폴리탄 미술관.

펜던트 "사자". 스페인이나 독일이나 네덜란드, 16세기 후반.

펜던트 "해왕성". 17세기 초 네덜란드.

펜던트 "포춘". 아마도 Alfred André(프랑스어, 1839-1919)일 것입니다.

펜던트 "켄타우로스". 스페인, 16세기 말~17세기 초.

펜던트 "앵무새". 아마도 스페인, 16세기 말 또는 17세기 초일 것입니다.

이제 보석은 드레스 위에 걸 뿐만 아니라 천에 직접 꿰매기도 했습니다. 옷깃, 뷔스티에, 소매, 벨트, 머리 장식은 당시 자존심이 강한 여성이라면 누구나 입어야 하는 보석으로 장식되어 있었습니다.

남성은 여성보다 덜하지 않고 때로는 그 이상으로 자신을 장식했습니다. 귀족이 법정에서 합당하게 보이려면 반지, 브로치, 사슬, 벨트 버클, 심지어 귀걸이도 필요했습니다. 영국 왕 헨리 8세는 특히 장신구를 좋아했습니다. 그의 사후에는 반지 234개, 브로치 324개, 다이아몬드가 박힌 펜던트 1개 호두, 금, 보석 및 진주로 수 놓은 79벌의 양복은 제외됩니다.
잘 알려진 브랜드는 정기적으로 자신의 작품에서 르네상스의 보석 전통으로 돌아 왔습니다(컬렉션에는 진주와 준보석이 있는 금과 은색 금속으로 만든 정확하게 재현된 펜던트, 목걸이, 브로치, 귀걸이 및 팔찌가 포함됨). 오늘날 수집품으로 간주됩니다. 그 중 : Florenza, ModeArt, Hollycraft, 서독, 1928. 예를 들어, 후자는 바티칸 도서관과의 독점 계약 덕분에 바티칸의 종교 전시회 컬렉션에서 물건과 보석을 복제할 권리를 받았습니다! 이러한 자원을 바탕으로 1928년 보석 회사는 종교 테마의 보석에 중점을 둔 라인인 바티칸 도서관 컬렉션을 만들었습니다. 이 영감을 주는 컬렉션에는 보석으로 장식된 천사, 십자가, 십자가, 기도의 손, 묵주, 책갈피 등이 있습니다.

일반적으로 이러한 회사의 많은 빈티지 보석 컬렉션은 르네상스의 세련된 스타일과 디자인에 경의를 표하기 위해 만들어졌습니다.

로마인들이 호전적인 다양한 부족의 타격을 받아 북유럽과 서유럽을 떠났을 때 제국 전역에서 추적할 수 있는 금 보석 제조의 단일 로마 스타일은 사라졌습니다. 그 자리에 색슨 족, 고트 족, 프랑크 족, 알란 족 및 기타 민족의 인상적인 장식이 나타났습니다.

이때, 고대 로마의 무역로와 통신의 파괴로 인해 중세 초기 세계는 보석 제조를 위한 금 부족을 경험하기 시작했으며 수요는 여전히 높았습니다. 금은 더 이상 채굴되지 않고 황폐와 혼돈의 조건에서 어렵고 위험한 비잔티움에서 주로 전달되었습니다. 이러한 이유로 이 시기의 보석은 일반적으로 상당한 양의 은과 금의 합금입니다. 바이킹이 유럽의 지도를 변형시키기 시작할 무렵, 금 보석은 매우 드물었고 대부분은 은 또는 구리와 철의 비금속으로 만들어졌습니다.

Visigoth 왕 Rekkesvint의 Votive (교회에 주어진 특별한 유형의 왕관) 왕관. 금, 보석. 7세기 후반.

이슬람 시대의 황금 보석

7세기 이슬람의 출현은 주로 동양에서 금 장신구를 과시적으로 착용하는 것에서 멀어진 이유였습니다. 부는 모스크를 짓고 새로운 정복에 자금을 대는 데 더 잘 쓰일 것으로 생각되었습니다. 650년에서 1000년 사이의 기간 동안 살아남은 금 보석은 거의 없습니다.

10세기 이후 보석류는 더 이상 희귀하지 않게 되었고, 동방의 이슬람 세계에서 서방의 영국에 이르기까지 주얼리 제조의 공정한 부흥이 시작되었습니다. 이 부흥의 이유는 여전히 논쟁의 여지가 있지만 파티미드 칼리프 시대로 거슬러 올라가는 가는 금 와이어 및 과립 작업에서 서유럽 에나멜을 사용한 금 장신구에 이르기까지 복잡한 금 세공 기술이 얼마나 빨리 복원되었는지는 놀랍습니다. 금은 이슬람 세계의 주요 무역 품목이 되었으며 아프리카에서 아프가니스탄에 이르는 광산에서 채굴되었으며 이 기간 동안 이집트의 고대 무덤까지 약탈되었습니다.

에나멜 인서트로 장식된 골드 펜던트. 파티마 왕조, 이집트. 11세기

르네상스 황금 예술

개인 장식품을 소유하는 새로운 기쁨은 르네상스의 시작과 함께 사람들에게 왔습니다. 르네상스는 종교에서 인간 자신에 이르기까지 보석을 포함한 예술에 대한 관심의 전환을 가져왔습니다. 이것은 사람과 자연을 사실적으로 묘사한 고대 미술과 그의 유사점이었습니다. 작품 속 작가들은 고대 거장의 걸작에서 영감을 받아 다시 살아나는 듯했다. 그래서 이 시대를 르네상스라고 부른다. Caradosso와 Cellini와 같은 르네상스의 보석 장인들은 당시의 뛰어난 예술가와 조각가들과 대등한 명성과 영예를 얻었습니다.

부유한 이탈리아 후원자는 스페인이 남미에서 새로운 금 공급원을 찾은 것처럼 고대 예술과 보석을 발견하기 시작했습니다. 그러나 15세기와 16세기에 스페인으로 배달된 금은 주로 인도 보석상들이 만든 제품으로 무자비하게 녹아 주괴가 되었습니다. 17세기에는 르네상스 전성기에 등장한 금 보석의 인기가 쇠퇴하기 시작했습니다. 절단 및 연마 기술의 발달 덕분에 보석이 그 자리를 차지했으며 영국과 네덜란드 동인도 회사가 설립 된 후 인도에서 런던과 암스테르담으로의 흐름이 크게 증가했습니다. 금은 다시 돌을 세팅하는 역할을 하기 시작했습니다.

벤베누토 첼리니. 살리에라(소금통). 금, 에나멜. 1540-1543.

콜럼버스 이전 문명: 잉카 금 등

콜럼버스 이전의 장신구(pre-Columbian jewelry)라는 용어는 콜럼버스가 아메리카를 발견하기 전에 현대 콜롬비아와 페루의 영토에 살았던 남미의 장인들이 만든 보석과 금 보석을 특징으로 합니다. 19세기까지 스페인 정복 이전에 만들어진 모든 금 제품은 일반적으로 잉카 문명의 주인이 만든 제품이었습니다.

그러나 이제 우리는 금세공 기술이 훨씬 더 일찍 높은 수준의 기술에 도달했음을 압니다. 기원전 1200년경 최초의 위대한 페루 문명의 대가인 차빈은 얇은 금판을 단조하고 엠보싱하여 금 장신구를 이미 만들었습니다. 금을 주조하는 기술은 기원전 500년경에 개발되었습니다. 페루 남부 사막지대에 살았던 나스카 부족.

기술 기술의 개발은 현재의 페루 북부에 존재했던 Chimu 문화에서 1150년에서 1450년 사이에 절정에 이르렀습니다. Chimu 보석상은 로스트 왁스 주조, 금 용접, 합금 제작 기술에 능숙했으며 금 마감 기술에 정통했습니다. 그들은 또한 금을 그려서 가는 철사를 만드는 세공 기술을 익혔습니다.

이집트, 그리스, 로마의 제품과 달리 콜럼버스 이전의 보석의 대부분은 주조 기술을 사용하여 만들어졌습니다. 이를 위해 금은 구리와 혼합됩니다. 구리는 융점을 낮추고 합금을 복잡한 주물 제작에 더 적합하게 만듭니다. 높은 구리 함량은 또한 금을 약간 분홍빛이 도는 색조를 줍니다. 남미의 보석상들은 금 30%와 구리 70%의 합금으로 물건을 덮은 다음 식물 수액에서 추출한 산으로 표면을 처리했습니다. 그 결과, 제거될 수 있는 구리 산화물이 형성되었고 물품의 표면에 순금의 얇은 층이 남아 있었다.

동물, 새, 식물의 장엄한 황금 사본이 우리에게 내려 왔습니다. 예를 들어 은색 잎으로 능숙하게 황금 옥수수를 만들었습니다. 잉카가 키마를 정복한 후 잉카가 높이 평가한 보석상을 계속 사용했습니다. 금은 "태양의 땀"이고 은은 "달의 눈물"이었습니다. 그러나 이러한 장신구 전통은 1532년 정복자 Francisco Pizarro가 잉카 제국을 정복하고 통치자 Atahualpa(잉카 최고)를 사로잡고 몸값을 요구했을 때 스페인 침략 이후 사라졌습니다. 이 몸값은 군사 역사상 가장 큰 전리품 중 하나로 간주됩니다. 그것은 패배한 제국 전역에서 수집된 금 품목에서 제련된 주괴에 약 8톤의 금에 해당했습니다. 2500년 동안 장인이 만든 것은 거의 완전히 파괴되었습니다. 콜롬비아 보고타에 있는 Museo del Oro에는 콜럼버스 이전 시대에 살아남은 최고의 금품 컬렉션이 전시되어 있습니다.

목걸이(조각). 치무 문명. 금색, 청록색. 1000-1400년.

골드 코스트 서아프리카

아프리카에서는 금 장신구를 만드는 기술이 현재의 가나인 서부 아프리카 해안의 "골드 코스트"에서 번성했습니다. 골드코스트는 16세기부터 19세기까지 아프리카에서 금의 주요 산지로 알려져 있을 뿐만 아니라 그곳에 살았던 아샨티(Ashanti) 사람들이 만든 아프리카 금세공의 본보기이기도 합니다. 그러나 그들의 제품은 지배 계급의 계급을 나타내는 데 사용되었으므로 완전한 장식 의미가 아닙니다.

가슴 디스크. 금을 주조합니다. 1870년경 가나의 아샨티.

19세기 유럽의 금 보석

19세기에 이르러 유럽에서 변화가 일어나면서 금 보석에 대한 인기와 수요가 증가했습니다. 이러한 변화는 금사슬 직조와 같은 복잡한 작업의 부분적인 기계화와 캘리포니아, 호주 및 남아프리카에서 금 매장지 발견으로 인한 금 공급의 상당한 증가에 의해 주도되었습니다. 이전에는 매우 부유하고 고귀한 사람들만 사용할 수 있었던 매우 희귀한 금속이 갑자기 충분한 양으로 나타나기 시작했습니다. 러시아 황제를 위해 제작된 Carl Faberge의 작품에서 왕족의 이익을 위한 보석 세공인의 전통에 따른 마지막 크레센도가 울려 퍼졌습니다. 나중에 유럽과 미국에서 성장하는 산업 중산층이 보석상의 주요 시장이 되었습니다. 이때 금 결혼 반지, 역사상 처음으로 아주 흔한 일이 되고 있습니다.

달걀 "피터 대왕". 내부에는 청동 기병 기념비의 축소판이 있습니다. 칼 파베르제. 1903년

그리고 20세기와 현재에 대해 조금

20세기 보석의 역사는 이전에는 소수의 사람들만 이용할 수 있었던 거대한 금 제품 시장의 출현과 발전을 나타냅니다. 또한 20세기에 금의 화폐 기능이 상실되었음을 알 수 있습니다. 동전은 화폐 또는 투자 목적으로만 주조되기 시작했습니다.

"금 보석의 역사"기사 시작: .