Der Fall von Pompeji, Gemälde im Bryullov-Stil. Die Geschichte des Gemäldes: „Der letzte Tag von Pompeji“ von Karl Pawlowitsch Brjullow. Beschreibung von Bryullovs Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“

Mitarbeiter des Murom Historical and Art Museum. Der Artikel trägt den Titel „Meisterwerk und Tragödie oder die Geschichte eines Gemäldes“ und ist dem brillanten Gemälde von Karl Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“ gewidmet.

Der Artikel hat mir sehr gut gefallen, ich habe ihn zitiert, aber Zitate werden selten gelesen, und mit Erlaubnis des Autors veröffentliche ich ihn vollständig in diesem Beitrag, leicht verschönert mit Reproduktionen des Gemäldes und musikalischer Untermalung.

Lesen Sie es, ich versichere Ihnen, Sie werden es nicht bereuen ...

Bei einem Spaziergang durch die Hallen der Murom-Galerie erstarren Gäste von Murom oft vor Erstaunen über ein auf den ersten Blick unscheinbares Exponat. Dies ist eine einfache Schwarz-Weiß-Zeichnung in einem normalen Rahmen hinter Glas. Es scheint, warum zieht es Museumsbesucher so sehr an? Wenn man jedoch einen Blick auf seine verblassten Gesichtszüge wirft, fällt es mir schwer, einen unwillkürlichen Seufzer der Bewunderung zu unterdrücken. Das gelbliche Papier der Ausstellung zeigt die Handlung eines berühmten Gemäldes, das vielen aus der Kindheit bekannt ist. Vor den Gästen liegt Karl Bryullovs Skizze zu seinem berühmten Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ – eine der hellsten Perlen der Murom-Galerie!

Es ist ein seltenes Museum, das in seiner Sammlung einen solchen Erwerb vorweisen kann. Manchmal überrascht diese Skizze sogar Gäste aus Moskau und St. Petersburg. Und sie sind nicht nur von der Einzigartigkeit der alten Zeichnung fasziniert, sondern auch von der Anziehungskraft der tragischen Handlung, die das Genie des Künstlers vermittelt.

Und tatsächlich erzählt dieses kleine vergilbte Blatt dem Betrachter nicht nur von der schrecklichen Katastrophe der Antike, sondern auch davon, wie das größte Gemälde der russischen Malerei entstand.

AM VORABEND DER TRAGÖDIE.

Bryullovs talentierter Pinsel enthüllte uns eines der Bilder der schrecklichen Tragödie der Antike. In zwei schicksalhaften Tagen, dem 24. und 25. August 79 n. Chr., hörten mehrere römische Städte auf zu existieren – Pompeji, Herculaneum, Stabia und Octavianum. Und der Grund dafür war das Erwachen des Vesuv-Vulkans, an dessen Fuß sich diese Siedlungen befanden.

Schon seit jeher wissen die Menschen die hohe und unvergleichliche Fruchtbarkeit vulkanischer Böden zu schätzen und beginnen, sie zu kultivieren. Den Wissenschaftlern liegen schriftliche Quellen vor, aus denen hervorgeht, dass vor mehr als zweitausend Jahren rund um den Vesuv und an seinen Hängen reiche Ernten eingefahren wurden.

Zu Beginn des 1. Jahrhunderts. Der Vesuv war mit dichtem Wald mit wilden Weintrauben bedeckt. An seiner Spitze befand sich eine überwucherte becherförmige Vertiefung – Spuren eines alten Kraters, erhalten nach der 300-jährigen Ruhephase des Vulkans. In diesem Krater versteckte sich Spartacus im Jahr 72 mit aufständischen Sklaven. 3.000 Soldaten unter der Führung von Prätor Clodius Pulker wurden ausgesandt, um nach ihm zu suchen. Spartacus entkam ihnen jedoch und flüchtete in die Ebene, die den Vulkan von Norden her umgab.

Vulkanasche und Tuffstein, die wie ein Mantel die sanften Hänge des Vesuvs und seiner Umgebung bedeckten, machten das Land um ihn herum ungewöhnlich fruchtbar. Besonders gut wuchsen Mais, Gerste, Nüsse, Weizen und Weintrauben. Kein Wunder, dass diese Gegend für ihre hervorragenden Weine berühmt war.

Und zu Beginn der neuen Ära war die Gegend nahe der Bucht von Neapel auch ein beliebter Wohnort wohlhabender Römer. Im Norden lag die Stadt Herculaneum, im Süden lagen Pompeji und Stabia – drei Arten ländlicher Vororte von Neapel. Das milde und warme Klima lockte die Patrizier hierher. Deshalb wurde dieser Teil des Ufers der Bucht bei Neapel mit reichen Villen bebaut.

Die ersten Anzeichen einer Besorgnis über den Vesuv wurden bereits Mitte August 1979 bemerkt. Aber damals waren nur wenige Menschen darüber verwirrt. Ähnliche Überraschungen wurden bereits hinter dem Vulkan gesehen. Das letzte Mal, dass er Pompeji gründlich „störte“, war am 5. Februar 62 n. Chr. Ein starkes Erdbeben zerstörte die Stadt, was den Bewohnern jedoch keine Lehre war. Sie hatten es nicht eilig, ihre Häuser zu verlassen. Und das ist kein Zufall!

So befand sich Pompeji die nächsten 15 Jahre im Bau – die Stadtbewohner restaurierten die durch das Erdbeben zerstörten Häuser und bauten neue Gebäude.

Seltsamerweise nahmen die Stadtbewohner den Vesuv trotz der grausamen Lektion des Schicksals nicht ernst und erwarteten keine weiteren Probleme von ihm.

Die Erschütterungen störten die Stadtbewohner nicht wirklich. Jedes Mal reparierten sie die Risse in den Häusern, modernisierten gleichzeitig das Innere und fügten neue Dekorationen hinzu. Keine Panik.

TAG DES ZORNS DER GÖTTER.B

Der Vesuv öffnete sein Maul – Rauch strömte in einer Wolke aus – Flammen
als Kriegsflagge weit verbreitet.
Die Erde ist aufgewühlt – von den wackeligen Säulen
Idole fallen! Ein von Angst getriebenes Volk
Unter dem steinernen Regen, unter der entzündeten Asche,
Menschenmassen, Alt und Jung, strömen aus der Stadt.

ALS. Puschkin.

Der 24. August begann als der gewöhnlichste Tag im Leben Pompejis. Am Morgen gab es keine Anzeichen für die drohende Tragödie. Die strahlende Sonne überflutete die Straßen der Stadt. Die Leute gingen langsam ihren Geschäften nach und diskutierten die neuesten Nachrichten. Geschäfte waren geöffnet, in Tempeln wurde Weihrauch geräuchert und im Stadttheater bereitete man sich auf eine Aufführung vor – an diesem Tag sollten die nächsten Gladiatorenkämpfe stattfinden. Diese hübschen Krieger gingen stolz durch die Straßen von Pompeji, lachten und lasen die Inschriften an den Hauswänden, die zahlreiche Fans für sie hinterlassen hatten.

Jetzt, fast 2000 Jahre später, wissen wir buchstäblich jede Minute, was in diesen tragischen Tagen geschah. Und das ist zwei beeindruckenden Briefen von Plinius dem Jüngeren zu verdanken, einem Augenzeugen der Tragödie.

Am 24. August, gegen 14 Uhr, begann schnell eine riesige weiße Wolke mit braunen Flecken über dem Vesuv aufzusteigen. Es wuchs und breitete sich in der Höhe zu den Seiten hin aus und erinnerte an die Krone einer mediterranen Kiefer. In der Nähe des Vulkans war ein schreckliches Brüllen zu hören, und es kam zu anhaltenden Erschütterungen, die auch in Miseno (ca. 30 km von Pompeji entfernt) zu spüren waren, wo sich Plinius‘ Familie aufhielt. In seinem Brief heißt es, dass die Erschütterungen so stark waren, dass Karren hin und her geschleudert wurden, Dachziegel von Häusern und Statuen fielen und Obelisken einstürzten.

Der Himmel wurde plötzlich bedrohlich, die Wolke wurde immer dunkler ...

Die Sonne war völlig hinter dem dicken Ascheregen verborgen und es wurde stockfinster. Dies verstärkte die Angst und Verwirrung der Menschen weiter. Gleichzeitig kam es an den Westhängen des Vulkans zu heftigen Regenfällen, die bei Ausbrüchen häufig vorkommen. Lose Asche- und Bimssteinschichten an den Hängen, „gesättigt“ mit Wasser, stürzten in mächtigem Schlamm herab, scheinbar , heiße Ströme - Lahars. Drei dieser Ströme überschwemmten nacheinander die an der Küste gelegene Stadt Herculaneum und zerstörten im Handumdrehen alles Leben.

Hercalaneum starb als erstes, da es fast am Fuße des Vesuvs lag. Die Bewohner der Stadt, die zu fliehen versuchten, starben unter Lava und Asche.

Das Schicksal Pompejis verlief anders. Hier floss kein Schlamm, die einzige Rettung war offenbar die Flucht; Hier begann alles mit Vulkanasche, die sich leicht abschütteln ließ. Bald jedoch begannen Lapilli zu fallen, dann Bimssteinstücke, jeweils mehrere Kilogramm.

Die volle Gefahr wurde erst nach und nach klar. Und als die Menschen endlich erkannten, was ihnen drohte, war es bereits zu spät. Schwefeldämpfe stiegen auf die Stadt herab; Sie krochen in alle Ritzen, drangen unter die Bandagen und Schals, mit denen die Menschen ihre Gesichter bedeckten – das Atmen wurde immer schwieriger... Beim Versuch, sich zu befreien, frische Luft zu schnappen, rannten die Städter auf die Straße – hier Sie fielen unter einem Hagel von Lapilli und kehrten entsetzt zurück, überquerten aber kaum die Schwelle des Hauses, als die Decke über ihnen einstürzte und sie unter den Trümmern begrub. . Es war unmöglich, nach draußen zu gehen, ohne den Kopf mit einem Kissen zu bedecken, da schwere Steine ​​zusammen mit der Asche auf den Kopf fielen. Einigen gelang es, ihren Tod hinauszuzögern: Sie versteckten sich unter Treppen und in Galerien und verbrachten dort in Sterbeangst die letzte halbe Stunde ihres Lebens. Allerdings drangen später auch dort Schwefeldämpfe ein.

Als die entsetzten Bewohner den Ernst und die Gefahr ihrer Lage erkannten, waren die Straßen bereits unter einer dicken Ascheschicht begraben, die immer wieder vom Himmel fiel. Weiche Asche auf dem Boden, fallende Asche vom Himmel, schwefelhaltige Dämpfe in der Luft ...

Menschen, verrückt vor Angst und Entsetzen, rannten, stolperten und fielen, starben direkt auf der Straße und waren sofort mit Asche bedeckt. Einige von ihnen beschlossen, in Häusern zu bleiben, in denen es keine Asche gab, doch die Häuser füllten sich schnell mit giftigen Dämpfen und Hunderte von Menschen starben an Erstickung. Viele fanden ihren Tod unter den Ruinen ihrer eigenen Häuser, wurden von Dächern erdrückt, die unter der Last der Asche einstürzten.

Der letzte Schlag des Vesuvs gegen die unglücklichen Städte war eine feurige Lavawand, die die einst blühenden Siedlungen für immer begrub.

Achtundvierzig Stunden später schien die Sonne erneut, doch zu diesem Zeitpunkt hatten sowohl Pompeji als auch Herculaneum bereits aufgehört zu existieren. Anstelle von Olivenbäumen und grünen Weinbergen, auf Marmorvillen und in der ganzen Stadt lagen Asche und wellenförmige Lava. Alles im Umkreis von achtzehn Kilometern wurde zerstört. Darüber hinaus wurde die Asche sogar nach Syrien und Ägypten transportiert.

Nun war über dem Vesuv nur noch eine dünne Rauchsäule zu sehen, und der Himmel war wieder blau ...

Doch trotz des Ausmaßes der Tragödie starben von zwanzigtausend Einwohnern Pompejis nur zweitausend. Viele Bewohner erkannten rechtzeitig, was ihnen der Ausbruch drohen könnte und versuchten, schnell an einen sicheren Ort zu fliehen.

Fast siebzehn Jahrhunderte sind vergangen. Mitte des 18. Jahrhunderts griffen Menschen einer anderen Kultur und anderer Bräuche zum Spaten und gruben aus, was so lange unter der Erde gelegen hatte.

Vor Beginn der Ausgrabungen war lediglich der Tod zweier Städte beim Ausbruch des Vesuvs bekannt. Nun kam dieser tragische Vorfall nach und nach immer deutlicher zum Vorschein und die Berichte antiker Schriftsteller darüber gingen in Fleisch und Blut über. Das erschreckende Ausmaß dieser Katastrophe und ihre Plötzlichkeit wurden immer deutlicher: Der Alltag wurde so schnell unterbrochen, dass die Ferkel in den Öfen und das Brot in den Öfen zurückblieben. Welche Geschichte könnten beispielsweise die Überreste zweier Skelette erzählen, an deren Beinen noch Sklavenketten hängen? Was haben diese Menschen ertragen – angekettet, hilflos, in diesen Stunden, in denen alles um sie herum im Sterben lag? Welche Qualen musste dieser Hund durchmachen, bevor er starb? Sie wurde unter der Decke eines der Zimmer gefunden: Gefesselt erhob sie sich mit der wachsenden Lapilli-Schicht und drang durch Fenster und Türen in den Raum ein, bis sie schließlich auf eine unüberwindbare Barriere stieß – die Decke, die zum letzten Mal bellte und erstickt.

Unter den Spatenhieben kamen Bilder vom Tod von Familien und erschreckenden menschlichen Dramen zum Vorschein. . Einige Mütter wurden mit Kindern im Arm gefunden; Um die Kinder zu retten, bedeckten sie sie mit dem letzten Stück Stoff, aber sie starben zusammen. Einigen Männern und Frauen gelang es, ihre Schätze zu packen und zum Tor zu rennen, aber hier wurden sie von einem Hagel von Lapilli überholt und starben, während sie ihren Schmuck und ihr Geld in den Händen hielten.

„Cave Canem“ – „Vorsicht vor dem Hund“ lautet die Inschrift aus dem Mosaik vor der Tür eines Hauses. Zwei Mädchen starben auf der Schwelle dieses Hauses: Sie zögerten zu fliehen und versuchten, ihre Sachen einzusammeln, und dann war es zu spät für eine Flucht. Am Herkulestor lagen die Leichen der Toten fast nebeneinander; Es stellte sich heraus, dass die Last an Hausrat, die sie schleppten, zu viel für sie war. In einem der Räume wurden die Skelette einer Frau und eines Hundes gefunden. Durch sorgfältige Forschung konnte die Tragödie, die sich hier abspielte, rekonstruiert werden. Warum blieb eigentlich das Skelett des Hundes vollständig erhalten, während die Überreste der Frau im ganzen Raum verstreut lagen? Wer hätte sie zerstreuen können? Vielleicht wurden sie von einem Hund mitgenommen, in dem unter dem Einfluss des Hungers die Wolfsnatur erwachte? Vielleicht verzögerte sie den Tag ihres Todes, indem sie ihre eigene Geliebte angriff und in Stücke riss. In einem anderen Haus in der Nähe wurden die Ereignisse des schicksalhaften Tages durch eine Totenwache unterbrochen. Die Teilnehmer des Trauerfestes saßen um den Tisch herum; So wurden sie siebzehn Jahrhunderte später gefunden – es stellte sich heraus, dass sie Teilnehmer ihrer eigenen Beerdigung waren.

An einem Ort ereilte der Tod sieben Kinder, die ahnungslos in einem Raum spielten. Im anderen sind vierunddreißig Menschen und mit ihnen eine Ziege, die offenbar verzweifelt versucht, ihre Glocke zu läuten und in der imaginären Kraft der menschlichen Behausung Erlösung zu finden. Weder Mut, noch Besonnenheit, noch Stärke konnten denen helfen, die zu langsam waren, um zu fliehen. Das Skelett eines Mannes von wahrhaft herkulischem Körperbau wurde gefunden; Auch seine Frau und seine vierzehnjährige Tochter, die vor ihm herliefen, konnte er nicht beschützen: Alle drei blieben auf der Straße liegen. Zwar unternahm der Mann offenbar in allerletzter Anstrengung einen weiteren Versuch aufzustehen, doch betäubt von den giftigen Dämpfen sank er langsam zu Boden, drehte sich auf den Rücken und erstarrte. Die Asche, die ihn bedeckte, schien sich von seinem Körper zu lösen; Wissenschaftler gossen Gips in diese Form und erhielten ein skulpturales Bild des verstorbenen Pompejan.

Man kann sich vorstellen, was für ein Lärm, was für ein Brüllen in einem vergrabenen Haus zu hören war, als eine darin zurückgelassene oder von anderen zurückgelassene Person plötzlich feststellte, dass es nicht mehr möglich war, durch die Fenster und Türen herauszukommen; er versuchte, mit einer Axt einen Durchgang in die Wand zu schlagen; Da er hier keinen Weg zur Erlösung fand, nahm er die zweite Wand in Angriff, und als von dieser Wand ein Bach auf ihn zuströmte, sank er erschöpft zu Boden.

Die Häuser, der Isis-Tempel, das Amphitheater – alles ist unversehrt erhalten geblieben. In den Büros gab es Wachstafeln, in den Bibliotheken Papyrusrollen, in den Werkstätten Werkzeuge und in den Bädern Strigils (Schaber). Auf den Tischen in den Wirtshäusern lagen noch Geschirr und Geld, eilig von den letzten Besuchern weggeworfen. An den Wänden der Tavernen sind Liebesgedichte und wunderschöne Fresken erhalten.

„Und der letzte Tag von Pompeji wurde zum ersten Tag für den russischen Pinsel …“

Karl Bryullov besuchte die Ausgrabungen von Pompeji erstmals im Sommer 1827. Die Geschichte der tragischen Katastrophe, die die antike Stadt heimsuchte, erfasste alle Gedanken des Malers vollständig. Höchstwahrscheinlich kam ihm damals die Idee, ein monumentales historisches Bild zu schaffen.

Der Künstler begann, die notwendigen Materialien zu sammeln, bevor er mit dem Malen des Bildes begann. Eine wichtige Informationsquelle waren für ihn Briefe eines Augenzeugen der Katastrophe, Plinius des Jüngeren, an den römischen Historiker Tacitus, die Einzelheiten der Katastrophe enthielten.

Bryullov studierte die Bräuche des antiken Italiens, besuchte mehrmals Neapel, erkundete das zerstörte Pompeji, spazierte durch seine Straßen und untersuchte eingehend die unter Vulkanasche erhaltenen Häuser mit allen Einrichtungsgegenständen und Utensilien. Er besuchte das Neapel-Museum, wo es erstaunlich lebendige Abdrücke von mit heißer Asche bedeckten Körpern von Menschen gab. Er fertigt eine Reihe von Skizzen an: Landschaften, Ruinen, versteinerte Figuren.

Der Künstler besuchte mehrmals Pacinis Oper „Der letzte Tag von Pompeji“ und kleidete seine Dargestellten in die Kostüme der Helden dieser Aufführung. Basierend auf Materialien aus archäologischen Ausgrabungen bemalt Bryullov nicht nur alle Haushaltsgegenstände. Er wird einige Figuren in genau den Posen darstellen, die anstelle verbrannter Körper die in der erstarrten Lava entstandenen Hohlräume bewahrt haben – eine Mutter mit Töchtern, eine Frau, die von einem Streitwagen gefallen ist, eine Gruppe junger Ehepartner. Das Bild des jungen Mannes und seiner Mutter übernahm der Künstler von Plinius.

Im Jahr 1830 begann der Künstler mit der Arbeit an einer großen Leinwand. Er malte an einer solchen Grenze der geistigen Anspannung, dass es dazu kam, dass er buchstäblich in ihren Armen aus der Werkstatt getragen wurde. Doch selbst ein schlechter Gesundheitszustand stoppt seine Arbeit nicht.

Und so entstand die endgültige Komposition des Gemäldes.

Die Menschenmenge im Bild ist in einzelne Gruppen aufgeteilt, aus denen der Betrachter nach und nach die literarische Absicht des Künstlers ablesen kann – die Gefühle und das Verhalten von Menschen angesichts des Todes darzustellen.

Jede Gruppe hat ihren eigenen Inhalt, der sich aus dem Gesamtinhalt des Bildes ergibt. Die Mutter sucht Schutz für die Kinder. Die Söhne retten ihren alten Vater und tragen ihn auf ihren Schultern. Der Bräutigam trägt die bewusstlose Braut weg. Eine schwache Mutter überzeugt ihren Sohn, sich nicht zu belasten, und der Familienvater versucht mit der letzten Bewegung in seinem Leben, seine Lieben zu beschützen. Doch der Fahrer, der eine viel größere Fluchtchance hat als andere, rennt mit voller Geschwindigkeit davon und will niemandem helfen. Und der Priester, dem sie früher zuhörten und dem sie glaubten, verlässt feige die sterbende Stadt und hofft, unbemerkt zu bleiben.

In einer der Hintergrundgruppen stellte der Künstler sich selbst dar. In seinen Augen ist es weniger der Schrecken des Todes als vielmehr die aufmerksame Aufmerksamkeit des Künstlers, die durch das schreckliche Schauspiel gesteigert wird. Auf seinem Kopf trägt er das Wertvollste – eine Kiste mit Farben und anderen Malutensilien. Es scheint, dass er langsamer geworden ist und versucht, sich an das Bild zu erinnern, das sich vor ihm abspielt.

Und nun war die Leinwand fertig. Die Vorbereitungen für das Meisterwerk dauerten sechs Jahre seines Lebens (1827–1833), aber auch der Erfolg war enorm.

Lange vor dem Ende begann man in Rom über das wunderbare Werk des russischen Künstlers zu sprechen. Als sich die Türen seines Ateliers in der St.-Claudius-Straße weit für die Öffentlichkeit öffneten und das Gemälde später in Mailand ausgestellt wurde, war die Freude der Italiener unbeschreiblich. Der Name Karl Bryullov wurde sofort auf der gesamten italienischen Halbinsel berühmt – von einem Ende bis zum anderen. Bei Treffen auf der Straße zogen alle den Hut vor ihm; als er im Kino auftrat, standen alle auf; An der Tür des Hauses, in dem er lebte, oder des Restaurants, in dem er zu Abend aß, versammelten sich immer viele Menschen, um ihn zu begrüßen.

Der wahre Triumph erwartete K. Bryullov zu Hause. Das Gemälde wurde im Juli 1834 nach Russland gebracht und wurde sofort zum Gegenstand patriotischen Stolzes und zum Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der russischen Gesellschaft. Zahlreiche gravierte und lithografische Reproduktionen von „Der letzte Tag von Pompeji“ verbreiteten den Ruhm von K. Bryullov weit über die Hauptstadt hinaus. Die besten Vertreter der russischen Kultur begrüßten begeistert das berühmte Gemälde: A.S. Puschkin übersetzte seine Handlung in Poesie, N.V. Gogol nannte das Gemälde eine „universelle Schöpfung“, in der alles „so kraftvoll, so kühn, so harmonisch in einem vereint ist, sobald es im Kopf eines universellen Genies entstehen konnte“. Aber selbst diese eigenen Lobeshymnen schienen dem Autor nicht ausreichend zu sein, und er nannte das Bild „die strahlende Auferstehung der Malerei. Er (K. Bryullov) versucht, die Natur mit einer gigantischen Umarmung zu ergreifen.“

E.A. Boratynsky komponierte zu diesem Anlass eine lobende Ode. Worte daraus: „Der letzte Tag von Pompeji wurde zum ersten Tag für die russische Bürste!“ - wurde später zu einem berühmten Aphorismus.

Der Besitzer des Gemäldes, Anatoly Demidov, überreichte das Gemälde Nikolaus I., der das Gemälde in der Akademie der Künste als Leitfaden für angehende Maler ausstellte. Nach der Eröffnung des Russischen Museums im Jahr 1895 wurde das Gemälde dort ausgestellt und der breiten Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Notiz.

So sah der Maler Karl Pawlowitsch Brjullow aus, als er an seinem Gemälde arbeitete. Dies ist ein Selbstporträt des Künstlers, datiert „um 1833“. Er war erst 28 Jahre alt, als er mit dieser Arbeit begann, und 34, als er das Gemälde fertigstellte.

So stellte er sich selbst auf der Leinwand dar (denken Sie daran, mit einer Kiste auf dem Kopf...), am besten sieht man ihn im ersten Bildausschnitt von oben.

Nach seinem Abschluss an der Kunstakademie im Jahr 1827 ging der junge vielversprechende Künstler Karl Bryullov nach Italien, um die klassische Kunst des Römischen Reiches zu studieren. Wer hätte gedacht, dass diese Reise nicht nur für den Künstler selbst, sondern für die gesamte Welt der Malerei von Bedeutung sein würde! Nachdem er die Ausgrabungen der einst blühenden Stadt Pompeji besucht hatte, die durch den Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. sofort zerstört wurde, ist der Künstler so von ihrem Schicksal durchdrungen, dass er mit der Schaffung eines Meisterwerks der Weltkunst beginnt, des grandiosen Gemäldes „ Der letzte Tag von Pompeji“.

Die Arbeit an dem Gemälde war schwierig; drei Jahre lang arbeitete Bryullov unermüdlich und trieb sich manchmal bis zur Erschöpfung. Aber alles endet früher oder später und 1833 war das Meisterwerk fertig. Die meisterhafte Umsetzung der Kombination im Bild einer riesigen drohenden Gefahr und des gleichzeitigen unterschiedlichen Verhaltens der Menschen sorgte unmittelbar nach Abschluss der Arbeiten für viel positives Feedback.

Plinius, im Vordergrund abgebildet, versucht seine gefallene Mutter davon zu überzeugen, aufzustehen und vor der drohenden Gefahr davonzulaufen. Ein Mann in der Nähe hob die Hand und versuchte, seine Familie irgendwie zu beschützen. Die Frau liegt auf den Knien, umgeben von Kindern, und versucht bei ihr Schutz und Hilfe zu finden. Nicht weit von ihnen steht ein christlicher Priester. Er ist stark in seinem Glauben, daher ist er angesichts der drohenden Gefahr furchtlos und ruhig. Er betrachtet die Statuen heidnischer Götter, die mit enormer Gewalt zerstört werden. Und im Hintergrund sieht man einen heidnischen Priester, der versucht, den heiligen Altar zu retten. Damit wollte Bryullov zeigen, wie der christliche Glaube das Heidentum ersetzt.

Eine Menschenmenge rennt die Straße entlang und versucht zu fliehen. Darunter stellte der Künstler dar, wie er Kunstgegenstände rettet. Auch auf der Leinwand stellte der Künstler eine Allegorie des Wandels von einer Zeit zur anderen dar – eine Frau liegt auf dem Boden, neben ihr trauert ein Baby.

In dem grandiosen Werk „Der letzte Tag von Pompeji“ von Karl Bryullov findet jeder aufmerksame Betrachter Antworten auf viele Fragen zum Sinn des Lebens und zum Zweck des Menschen.

Jahr der Malerei: 1833.

Maße des Gemäldes: keine Angaben.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Historienmalerei.

Stil: Romantik.

Galerie: Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, Russland.

Weitere Gemälde des Künstlers:

Beschreibung des Gemäldes von Karl Bryullov „Porträt der Gräfin Y.P. Samoilova beim Verlassen des Balls mit ihrer Adoptivtochter Amatsilia Pacini“

Der Mensch strebt immer nach Schönheit, das ist sein Wesen. Er studiert auch eifrig die Vergangenheit, lernt daraus, arbeitet an Fehlern, denn ohne sie ist die Zukunft unmöglich. Ein Beispiel für eine solche Kombination von Kunst und Geschichte ist das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“, das der brillante Künstler 1830-1833 malte. Was darauf abgebildet ist, wie der Maler gearbeitet hat und was er vermitteln wollte, werden wir in unserem Artikel betrachten.

Ein paar Worte zum Autor

Das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ wurde in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts von Karl Bryullov gemalt. Er wurde in St. Petersburg in die Familie eines akademischen Bildhauers hineingeboren und war seit seiner Kindheit von einer Leidenschaft für Kunst geprägt. Er studierte bei den besten Meistern dieser Zeit, reiste viel, besuchte oft Italien, wo er lebte und arbeitete.

Die meisten seiner Gemälde sind in den Genres Historie und Porträt verfasst. Die Arbeit, der unser Artikel gewidmet ist, wurde in Paris mit dem Grand Prix ausgezeichnet. Es ist anzumerken, dass die Zeitgenossen des Malers seine Arbeit schätzten. Schon zu Bryullovs Lebzeiten erhielten seine Gemälde die enthusiastischsten Kritiken. Die bekanntesten Werke sind „Die Reiterin“, „Die Belagerung von Pskow“, „Porträt des Archäologen Michelangelo Lanci“ und andere. Und 1862 wurde in Nowgorod eine Skulptur zu Ehren der besten Kulturschaffenden errichtet, die dem Jahrtausend Russlands gewidmet war. Unter den sechzehn Figuren der Komposition gab es auch einen Platz für Karl Bryullov.

Die Geschichte eines Meisterwerks

Die Geschichte des Gemäldes „Der letzte Tag von Pompeji“ ist uns bekannt, daher teilen wir sie gerne mit dem Leser.

Wie bereits erwähnt, besuchte Bryullov oft Italien, wo er viel arbeitete. Er starb übrigens auf dieser Erde und sein Körper fand dort seine letzte Ruhestätte. Im Jahr 1827 besuchte der Maler die Ausgrabungen einer antiken römischen Stadt in der Nähe von Neapel. Die Siedlung wurde von der Lava des Vesuvs begraben, die plötzlich erwachte. Dieser Moment wurde im Bild präzise festgehalten.

Pompeius begrüßte den letzten Tag mit einem geschäftigen Leben. Leider konnten die Bewohner einer kleinen, aber sehr wohlhabenden Stadt nicht fliehen. Die meisten von ihnen starben an der heißen Vulkanmasse, andere erstickten an giftigen Dämpfen und Asche. Und nur wenigen gelang die Flucht. Aber der Vulkan leistete der Menschheit einen unschätzbaren Dienst – er schien das Leben dieser Zeit zu bewahren und die Häuser des Adels, Wandmalereien, Mosaikböden, Gemälde und Blumen in ihrer ursprünglichen Form zu bewahren. Archäologen befreien das Gebiet von Staub, Asche, Schmutz und Erde und finden eine große Anzahl von Objekten. Die Stadt selbst ist heute ein Freilichtmuseum.

Vorbereitung auf die Arbeit

Das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ wurde von Bryullov nach sorgfältiger Untersuchung dieser Zeit gemalt. Der Künstler besuchte die Ausgrabungen mehrmals und versuchte, sich an die Lage der Gebäude und jeden Kieselstein zu erinnern. Er las die Werke antiker Historiker, insbesondere die Werke von Plinius dem Jüngeren, einem Augenzeugen der Tragödie, und studierte Kostüme in Museen und Haushaltsgegenstände. Dies ermöglichte es ihm, das Leben der italienischen Gesellschaft zur Zeit des Vulkanausbruchs realistisch darzustellen und die Gefühle der Menschen zu vermitteln, die kurz vor dem Tod durch die Elemente standen.

Abgelehnte Arbeit

Schließlich entschied Bryullov, dass er für die gigantische Arbeit bereit war und begann, die Leinwand zu bemalen. Es dauerte drei Jahre, bis er ein Meisterwerk im Format 4,5 x 6,5 Meter schuf. Er wurde in Italien, Frankreich und Russland begeistert begrüßt. An seiner Heimatakademie wurde Karl auf seinen Armen in den Saal getragen, in dem sein Gemälde bereits hing. Der letzte Tag (Pompeius konnte sich damals noch nicht einmal vorstellen, dass es ihr letzter war) der berühmten Stadt wird nun für immer im Gedächtnis der Menschheit bleiben, und sie selbst ist aus der Vergessenheit auferstanden. Schauen wir uns die Leinwand an und teilen sie bedingt in zwei Teile.

Rechte Seite des Bildes

Bryullovs Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ besticht durch seine Perfektion, seinen Gefühlssturm, sein Drama und seine Farbharmonie. Auf der rechten Seite stellte der Künstler eine Gruppe von Menschen dar, die durch gemeinsame Trauer verbunden sind. Das sind ein junger Mann und ein Junge, die ihren kranken Vater auf dem Arm tragen, ein junger Mann, der versucht, seine Mutter zu retten, aber sie befiehlt ihm, sie zu verlassen und selbst wegzulaufen. Vermutlich handelt es sich bei demselben jungen Mann um Plinius den Jüngeren, der uns die traurige Geschichte von Pompeji erzählte.

Auch das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ zeigt ein Paar: Der junge Mann trägt die Braut auf dem Arm und blickt ihr ins Gesicht – lebt sie? Dahinter sieht man ein sich aufbäumendes Pferd mit einem Reiter auf dem Rücken, einstürzende, mit Statuen geschmückte Häuser. Und über den unglücklichen Menschen liegt ein Himmel, der von Rauch und Asche dunkel ist, von Blitzen zerschnittene Wolken und ein Strom feuriger Lava.

Linke Seite des Meisterwerks

Wir setzen unsere Beschreibung des Gemäldes „Der letzte Tag von Pompeji“ fort. Auf der linken Seite stellte Bryullov die Stufen dar, die zum Grab des Scaurus führen. Eine andere Gruppe von Menschen versammelte sich vor ihnen: eine Frau, die den Betrachter direkt ansah, ein Künstler mit Farben in einer Schachtel auf dem Kopf, eine Mutter mit zwei Mädchen, ein ruhiger christlicher Priester, ein heidnischer Priester mit Schmuck unter dem Arm, ein Mann, der sich verhüllte seine Frau und seine kleinen Kinder mit einem Umhang.

Ein weiterer „Held“ der Leinwand ist das Licht, genauer gesagt seine Wirkung. Der kalte Blitzton kontrastiert mit dem Leuchten des Vulkans. Vor diesem Hintergrund wirkt das Panorama der sterbenden Stadt sehr tragisch und realistisch.

Analyse des Gemäldes „Der letzte Tag von Pompeji“

Bryullov wählte geschickt Farben aus, die ihm halfen, das Bild sehr realistisch darzustellen. Auf der Leinwand dominieren Rottöne – die Kleidung der Menschen, das Leuchten, Blumen auf dem Kopf der Braut. In der Mitte der Leinwand verwendete der Künstler grünliche, bläuliche und gelbliche Töne.

Nachdem wir die Beschreibung des Gemäldes „Der letzte Tag des Pompeius“ (wie manche Leute das Gemälde fälschlicherweise nennen) abschließen, wollen wir versuchen, es zu analysieren und die verborgene Bedeutung zu finden. Der Betrachter sollte darauf achten, dass die Menschen scheinbar erstarren, als würden sie für einen Maler posieren. Ihre Gesichter sind nicht vom Schmerz entstellt, selbst das am Boden liegende Mädchen ist wunderschön. Die Kleidung der Menschen ist sauber, es ist kein Blut darauf zu sehen. Das ist das Prinzip der Konvention, mit dessen Hilfe der Maler zeigt, dass der Mensch das schönste Geschöpf der Erde ist. Auffallend ist, dass viele der Figuren im Bild in Momenten der Gefahr nicht nur an sich selbst, sondern auch an andere denken.

Bryullov entfernte sich von den Regeln des Realismus und folgte den Grundlagen des Klassizismus. Er malt nicht die übliche Menschenmenge, die in Panik die Stadt verlassen will, sondern geordnete Gruppen von Menschen mit ähnlichen Gesichtern, aber unterschiedlichen Posen. So vermittelte der Meister Gefühle durch Bewegung und Plastizität. Aber der Meister bringt viel Neues in die Kunst, bricht die akzeptierten Regeln, weshalb die Leinwand nur davon profitiert. Der Künstler verwendet unruhiges Licht, das scharfe Schatten erzeugt, eine Handlung voller Tragik. Der Film verbindet zwei Themen – den Höhepunkt des menschlichen Geistes, Liebe, Selbstaufopferung, Heldentum und Katastrophe, die nicht nur zum Tod der Stadt, sondern der gesamten Kultur führten.

Statt einer Schlussfolgerung

Das vom Genie der Kunst geschaffene Bild ist sowohl schön als auch schrecklich. Ja, der Mensch ist machtlos gegenüber den Elementen, die keine Hindernisse in ihrer Macht kennen. Er kann und sollte jedoch ein Mann mit großem M bleiben. Nicht jeder ist dazu in der Lage, aber es ist etwas, das wir anstreben sollten. Solche widersprüchlichen Gefühle erfassen jeden, der die Leinwand betrachtet, die die letzten Tage der antiken Stadt darstellt. Und heute kann jeder das berühmte Gemälde sehen, indem er das Staatliche Russische Museum besucht.

Brjullow Karl Pawlowitsch (1799-1852). „Der letzte Tag von Pompeji“

Mit der magischen Berührung seines Pinsels wurde die Historien-, Porträt-, Aquarell-, Perspektiv- und Landschaftsmalerei wiederbelebt, für die er in seinen Gemälden lebendige Beispiele lieferte. Der Pinsel des Künstlers hatte kaum Zeit, seiner Fantasie zu folgen, Bilder von Tugenden und Lastern wimmelten in seinem Kopf und ersetzten sich ständig, ganze historische Ereignisse wuchsen zu den lebhaftesten konkreten Umrissen.

Selbstporträt. Um 1833

Karl Bryullov war 28 Jahre alt, als er beschloss, das grandiose Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ zu malen. Das Interesse an diesem Thema verdankte der Künstler seinem älteren Bruder, dem Architekten Alexander Bryullov, der ihn ausführlich mit den Ausgrabungen von 1824–1825 vertraut machte. K. Bryullov selbst war in diesen Jahren in Rom, das fünfte Jahr seines Ruhestands in Italien ging zu Ende. Er hatte bereits mehrere ernsthafte Werke auf dem Buckel, die in der Künstlerszene großen Erfolg hatten, aber keines davon schien dem Künstler selbst seines Talents ganz würdig zu sein. Er hatte das Gefühl, dass er die in ihn gesetzten Erwartungen noch nicht erfüllt hatte.

„Der letzte Tag von Pompeji“
1830-1833
Leinwand, Öl. 456,5 x 651 cm
Staatliches Russisches Museum

Karl Bryullov ist seit langem von der Überzeugung heimgesucht, dass er ein Werk schaffen kann, das bedeutender ist als alle, die er bisher geschaffen hat. Im Bewusstsein seiner Stärken wollte er ein großes und komplexes Bild vervollständigen und damit die Gerüchte zerstören, die in Rom zu kursieren begannen. Besonders verärgert war er über den Herrn Cammuccini, der damals als erster italienischer Maler galt. Er war es, der dem Talent des russischen Künstlers misstraute und oft sagte: „Nun, dieser russische Maler ist zu kleinen Dingen fähig. Aber ein kolossales Werk muss von jemand Größerem geleistet werden!“

Auch andere erkannten zwar das große Talent von Karl Bryullov, stellten jedoch fest, dass Frivolität und ein geistesabwesendes Leben es ihm niemals ermöglichen würden, sich auf eine ernsthafte Arbeit zu konzentrieren. Angeregt durch diese Gespräche suchte Karl Bryullov ständig nach einem Thema für ein großes Gemälde, das seinen Namen verherrlichen würde. Lange Zeit konnte er sich nicht mit den Themen befassen, die ihm in den Sinn kamen. Schließlich stieß er auf eine Verschwörung, die all seine Gedanken in seinen Bann zog.

Zu dieser Zeit wurde Paccinis Oper „L“ Ultimo giorno di Pompeia“ erfolgreich auf den Bühnen vieler italienischer Theater aufgeführt. Es besteht kein Zweifel, dass Karl Bryullov sie gesehen hat, vielleicht sogar mehr als einmal. Darüber hinaus zusammen mit dem Adligen A. N. Demidov (ein Kämmererkadett und Kavalier Seiner Majestät des russischen Kaisers) das zerstörte Pompeji untersuchte, wusste er selbst, welchen starken Eindruck diese Ruinen, die Spuren antiker Streitwagen bewahrten, auf den Betrachter machten; diese Häuser, als wären sie erst kürzlich verlassen worden von ihren Besitzern; diese öffentlichen Gebäude und Tempel, Amphitheater, in denen die Gladiatorenkämpfe erst gestern zu Ende gegangen zu sein schienen; Landgräber mit den Namen und Titeln derer, deren Asche noch in erhaltenen Urnen aufbewahrt wird.

Rundherum bedeckte noch vor vielen Jahrhunderten üppige grüne Vegetation die Überreste der unglücklichen Stadt. Und über all dem erhebt sich der dunkle Kegel des Vesuvs, der bedrohlich am einladenden azurblauen Himmel raucht. In Pompeji erkundigte sich Bryullov eifrig nach allen Einzelheiten bei den Bediensteten, die die Ausgrabungen schon lange überwacht hatten.

Natürlich reagierte die beeinflussbare und empfängliche Seele des Künstlers auf die Gedanken und Gefühle, die die Überreste der antiken italienischen Stadt hervorriefen. In einem dieser Momente schoss ihm die Idee durch den Kopf, sich diese Szenen auf einer großen Leinwand vorzustellen. Er teilte diese Idee A.N. mit. Demidov mit solchem ​​Eifer, dass er versprach, Mittel für die Umsetzung dieses Plans bereitzustellen und das zukünftige Gemälde von Karl Bryullov im Voraus zu kaufen.

Karl Bryullov machte sich mit Liebe und Leidenschaft an die Ausführung des Gemäldes und fertigte schon bald die erste Skizze an. Allerdings lenkten andere Aktivitäten den Künstler von Demidovs Auftrag ab und das Gemälde war zum Abgabetermin (Ende 1830) noch nicht fertig. A.N. war mit solchen Umständen unzufrieden. Demidov hätte die Bedingungen der zwischen ihnen geschlossenen Vereinbarung beinahe zerstört, und nur die Zusicherungen von K. Bryullov, dass er sofort mit der Arbeit beginnen würde, korrigierten die ganze Angelegenheit.

Letzter Tag von Pompeji1. 1827-1830

Letzter Tag von Pompeji2. 1827-1830

Der letzte Tag von Pompeji. 1828

Und tatsächlich machte er sich mit solchem ​​Fleiß an die Arbeit, dass er zwei Jahre später das kolossale Gemälde fertigstellte. Der brillante Künstler ließ sich nicht nur von den Ruinen des zerstörten Pompeji inspirieren, sondern ließ sich auch von der klassischen Prosa Plinius des Jüngeren inspirieren, der in seinem Brief an den römischen Historiker Tacitus den Ausbruch des Vesuvs beschrieb.

Im Streben nach größtmöglicher Authentizität des Bildes studierte Bryullov Ausgrabungsmaterialien und historische Dokumente. Die architektonischen Strukturen auf dem Bild wurden von ihm aus den Überresten antiker Denkmäler restauriert, Haushaltsgegenstände und Damenschmuck wurden von Exponaten im Neapel-Museum kopiert. Die Figuren und Köpfe der dargestellten Personen wurden überwiegend nach dem Leben der Bewohner Roms gemalt. Zahlreiche Skizzen einzelner Figuren, ganzer Gruppen und Gemäldeskizzen zeigen den Wunsch des Autors nach maximaler psychologischer, plastischer und koloristischer Ausdruckskraft.

Bryullov konstruierte das Bild als separate Episoden, die auf den ersten Blick nicht miteinander verbunden waren. Der Zusammenhang wird erst deutlich, wenn der Blick gleichzeitig alle Gruppen, das ganze Bild erfasst.

Lange vor dem Ende begann man in Rom über das wunderbare Werk des russischen Künstlers zu sprechen. Als sich die Türen seines Ateliers in der St.-Claudius-Straße weit für die Öffentlichkeit öffneten und das Gemälde später in Mailand ausgestellt wurde, war die Freude der Italiener unbeschreiblich. Der Name Karl Bryullov wurde sofort auf der gesamten italienischen Halbinsel berühmt – von einem Ende bis zum anderen. Bei Treffen auf der Straße zogen alle den Hut vor ihm; als er im Kino auftrat, standen alle auf; An der Tür des Hauses, in dem er lebte, oder des Restaurants, in dem er zu Abend aß, versammelten sich immer viele Menschen, um ihn zu begrüßen.

Italienische Zeitungen und Zeitschriften verherrlichten Karl Brjullow als ein Genie, das den größten Malern aller Zeiten ebenbürtig war, Dichter lobten ihn in Versen und ganze Abhandlungen wurden über sein neues Gemälde geschrieben. Der englische Schriftsteller W. Scott nannte es ein Epos der Malerei, und Cammuccini (beschämt für seine früheren Aussagen) umarmte K. Bryullov und nannte ihn einen Koloss. Seit der Renaissance selbst wurde in Italien kein Künstler so allgemein verehrt wie Karl Brjullow.

Er präsentierte dem staunenden Blick alle Tugenden eines tadellosen Künstlers, obwohl seit langem bekannt ist, dass selbst die größten Maler nicht alle Vollkommenheiten in ihrer glücklichsten Kombination gleichermaßen besaßen. Die Zeichnung von K. Bryullov, die Beleuchtung des Bildes und sein künstlerischer Stil sind jedoch völlig unnachahmlich. Das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ machte Europa mit dem mächtigen russischen Pinsel und der russischen Natur bekannt, die in allen Bereichen der Kunst nahezu unerreichbare Höhen erreichen kann.

Was ist auf dem Gemälde von Karl Bryullov dargestellt?

In der Ferne brennt der Vesuv, aus dessen Tiefen Ströme feuriger Lava in alle Richtungen fließen. Ihr Licht ist so stark, dass es den Anschein hat, als stünden die dem Vulkan am nächsten gelegenen Gebäude bereits in Flammen. Eine französische Zeitung bemerkte diesen malerischen Effekt, den der Künstler erreichen wollte, und wies darauf hin: „Ein gewöhnlicher Künstler würde es natürlich nicht versäumen, den Ausbruch des Vesuvs zu nutzen, um sein Bild zu beleuchten; aber Herr Bryullov hat dieses Mittel vernachlässigt. Genie.“ inspirierte ihn zu einer kühnen Idee, die ebenso glücklich wie unnachahmlich war: den gesamten vorderen Teil des Bildes mit dem schnellen, winzigen und weißlichen Glanz eines Blitzes zu beleuchten und die dichte Aschewolke zu durchschneiden, die die Stadt bedeckte, während das Licht aus Der Ausbruch, der die tiefe Dunkelheit kaum durchbricht, wirft einen rötlichen Halbschatten in den Hintergrund.“

Tatsächlich war das Hauptfarbschema, das K. Bryullov für sein Gemälde wählte, für die damalige Zeit äußerst gewagt. Es handelte sich um eine Skala des Spektrums, die aus den Farben Blau, Rot und Gelb bestand und von weißem Licht beleuchtet wurde. Als Zwischentöne finden sich Grün, Rosa, Blau.

Nachdem er sich entschieden hatte, eine große Leinwand zu malen, wählte K. Bryullov eine der schwierigsten Methoden seiner kompositorischen Konstruktion, nämlich Licht-Schatten und Raum. Dafür musste der Künstler die Fernwirkung des Gemäldes genau berechnen und den Lichteinfall mathematisch bestimmen. Und um den Eindruck von Weltraum zu erwecken, musste er der Luftperspektive größte Aufmerksamkeit schenken.

In der Mitte der Leinwand befindet sich die liegende Figur einer ermordeten jungen Frau, als ob Karl Bryullov mit ihr die sterbende antike Welt symbolisieren wollte (ein Hinweis auf eine solche Interpretation fand sich bereits in den Rezensionen von Zeitgenossen). Diese Adelsfamilie reiste in einem Streitwagen ab, in der Hoffnung, durch überstürzte Flucht zu entkommen. Aber leider ist es zu spät: Unterwegs überholt sie der Tod. Die erschrockenen Pferde schütteln die Zügel, die Zügel brechen, die Achse des Wagens bricht und die Frau, die darin sitzt, fällt zu Boden und stirbt. Neben der unglücklichen Frau liegen verschiedene Schmuckstücke und kostbare Gegenstände, die sie auf ihrer letzten Reise mitgenommen hat. Und die ungezügelten Pferde tragen ihren Mann weiter – ebenfalls in den sicheren Tod, und er versucht vergeblich, im Streitwagen zu bleiben. Ein Kind greift nach dem leblosen Körper der Mutter ...

Die unglücklichen Stadtbewohner suchen nach Erlösung, angetrieben von Feuer, ständigen Lavaausbrüchen und fallender Asche. Dies ist eine ganze Tragödie menschlichen Grauens und menschlichen Leids. Die Stadt geht in einem Meer aus Feuer, Statuen, Gebäuden zugrunde – alles fällt nieder und fliegt der wütenden Menge entgegen. Wie viele verschiedene Gesichter und Positionen, wie viele Farben in diesen Gesichtern!

Hier sind ein mutiger Krieger und sein junger Bruder, die es eilig haben, ihren alten Vater vor dem unvermeidlichen Tod zu schützen ... Sie tragen einen geschwächten alten Mann, der versucht, sich abzuwehren und den schrecklichen Geist des Todes von sich zu entfernen um sich mit der Hand vor der auf ihn fallenden Asche zu schützen. Der grelle Glanz der Blitze, der sich auf seiner Stirn spiegelt, lässt den Körper des alten Mannes erzittern ... Und links, neben dem Christen, blickt eine Gruppe von Frauen sehnsüchtig in den unheilvollen Himmel ...

Eines der ersten, das auf dem Bild erschien, war die Gruppe von Plinius und seiner Mutter. Ein junger Mann mit breitkrempigem Hut beugt sich mit einer ungestümen Bewegung zu einer älteren Frau. Hier (in der rechten Bildecke) taucht die Figur einer Mutter und Töchtern auf...

Der Besitzer des Gemäldes, A.N. Demidov freute sich über den durchschlagenden Erfolg von „Der letzte Tag von Pompeji“ und wollte das Bild unbedingt in Paris zeigen. Dank seiner Bemühungen wurde es 1834 im Kunstsalon ausgestellt, aber schon vorher hatten die Franzosen von dem außerordentlichen Erfolg des Gemäldes von K. Bryullov bei den Italienern erfahren. In der französischen Malerei der 1830er Jahre herrschte jedoch eine völlig andere Situation: Sie war Schauplatz eines erbitterten Kampfes zwischen verschiedenen künstlerischen Strömungen, und daher wurde das Werk von K. Bryullov ohne die Begeisterung aufgenommen, die ihn in Italien empfand. Obwohl die Rezensionen der französischen Presse für den Künstler nicht sehr positiv ausfielen, verlieh die Französische Akademie der Künste Karl Bryullov eine Ehrenmedaille in Gold.

Der wahre Triumph erwartete K. Bryullov zu Hause. Das Gemälde wurde im Juli 1834 nach Russland gebracht und wurde sofort zum Gegenstand patriotischen Stolzes und zum Mittelpunkt der Aufmerksamkeit der russischen Gesellschaft. Zahlreiche gravierte und lithografische Reproduktionen von „Der letzte Tag von Pompeji“ verbreiteten den Ruhm von K. Bryullov weit über die Hauptstadt hinaus. Die besten Vertreter der russischen Kultur begrüßten begeistert das berühmte Gemälde: A.S. Puschkin übersetzte seine Handlung in Poesie, N.V. Gogol nannte das Gemälde eine „universelle Schöpfung“, in der alles „so kraftvoll, so kühn, so harmonisch in einem vereint ist, sobald es im Kopf eines universellen Genies entstehen konnte“. Aber selbst diese eigenen Lobeshymnen schienen dem Autor nicht ausreichend zu sein, und er nannte das Bild „die strahlende Auferstehung der Malerei. Er (K. Bryullov) versucht, die Natur mit einer gigantischen Umarmung zu ergreifen.“

Evgeny Baratynsky widmete Karl Bryullov die folgenden Zeilen:

Er brachte die Beute des Friedens
Nehmen Sie es mit zum Baldachin Ihres Vaters.
Und da war der „Letzte Tag von Pompeji“
Erster Tag für den russischen Pinsel.

„One Hundred Great Paintings“ von N.A. Ionin, Veche Publishing House, 2002

Originalbeitrag und Kommentare unter

„In Russland gab es damals nur einen weithin bekannten Maler, Bryullov“ – Herzen A.I. über Kunst.

Im ersten Jahrhundert n. Chr. kam es zu einer Reihe von Ausbrüchen des Vesuvs, die von einem Erdbeben begleitet wurden. Sie zerstörten mehrere blühende Städte, die am Fuße des Berges lagen. Die Stadt Pompeji war in nur zwei Tagen verschwunden – im August 79 war sie vollständig mit Vulkanasche bedeckt. Er wurde unter einer sieben Meter dicken Ascheschicht begraben. Es schien, als sei die Stadt vom Erdboden verschwunden. Im Jahr 1748 konnten Archäologen es jedoch ausgraben und damit den Vorhang für die schreckliche Tragödie heben. Das Gemälde des russischen Künstlers Karl Bryullov war dem letzten Tag der antiken Stadt gewidmet.

„Der letzte Tag von Pompeji“ ist das berühmteste Gemälde von Karl Bryullov. Das Meisterwerk entstand in sechs langen Jahren – vom Konzept über die erste Skizze bis zur fertigen Leinwand. Kein einziger russischer Künstler hatte in Europa einen solchen Erfolg wie der junge 34-jährige Bryullov, der sehr schnell einen symbolischen Spitznamen erhielt – „Der große Karl“ – der dem Ausmaß seiner sechs Jahre alten, leidgeprüften Idee entsprach - Die Leinwandgröße erreichte 30 Quadratmeter (!). Bemerkenswert ist, dass die Leinwand selbst in nur 11 Monaten bemalt wurde; die restliche Zeit wurde für Vorarbeiten aufgewendet.

„Italienischer Morgen“, 1823; Kunsthalle, Kiel, Deutschland

Westlichen Berufskollegen fiel es schwer, an den Erfolg eines vielversprechenden und talentierten Künstlers zu glauben. Arrogante Italiener, die die italienische Malerei über den Rest der Welt lobten, hielten den jungen und vielversprechenden russischen Maler für unfähig, mehr zu tun, etwas Großes und Großformatiges. Und das, obwohl Bryullovs Gemälde gewissermaßen schon lange vor Pompeji bekannt waren. Zum Beispiel das berühmte Gemälde „Italienischer Morgen“, das Bryullov nach seiner Ankunft in Italien im Jahr 1823 malte. Das Bild machte Bryullov berühmt und erhielt schmeichelhafte Kritiken zunächst vom italienischen Publikum, dann von Mitgliedern der Gesellschaft zur Förderung von Künstlern. OPH überreichte Alexandra Fjodorowna, der Frau von Nikolaus I., das Gemälde „Italienischer Morgen“. Der Kaiser wollte ein Gemälde gepaart mit „Morgen“ erhalten, das den Anfang von Bryullovs Gemälde „Italienischer Nachmittag“ (1827) darstellte.

Ein Mädchen pflückt Weintrauben in der Nähe von Neapel. 1827; Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg

Und das Gemälde „Mädchen beim Weinpflücken in der Nähe von Neapel“ (1827), das den fröhlichen und fröhlichen Charakter italienischer Mädchen aus dem Volk verherrlicht. Und die lautstark gefeierte Kopie von Raffaels Fresko „Die Schule von Athen“ (1824-1828) schmückt jetzt den Kopierraum im Gebäude der St. Petersburger Akademie der Künste. Bryullov war unabhängig und berühmt in Italien und Europa, er hatte viele Aufträge – fast jeder, der nach Rom geht, ist bestrebt, von dort ein Porträt von Bryullovs Werk mitzubringen ...

Und doch glaubten sie nicht wirklich an den Künstler und lachten ihn manchmal sogar aus. Besonders bemüht war der bereits betagte Herr Camuccini, der damals als erster italienischer Maler galt. Mit Blick auf die Skizzen von Bryullovs zukünftigem Meisterwerk kommt er zu dem Schluss, dass „das Thema eine riesige Leinwand erfordert, aber auf einer riesigen Leinwand geht das Gute, das in den Skizzen steckt, verloren; Karl denkt in kleinen Leinwänden... Der kleine Russe malt kleine Bilder... Ein kolossales Stück Arbeit, das jemand Größeres bewältigen könnte!“ Bryullov war nicht beleidigt, er lächelte nur – wütend und wütend auf den alten Mann zu sein, wäre absurd. Darüber hinaus spornten die Worte des italienischen Meisters das junge und ehrgeizige russische Genie in seinem Bestreben, Europa und insbesondere die selbstgefälligen Italiener ein für alle Mal zu erobern, weiter an.

Mit seinem ihm eigenen Fanatismus entwickelt er die Handlung seines Hauptbildes weiter, von dem er glaubt, dass es seinen Namen zweifellos verherrlichen wird.

Es gibt mindestens zwei Versionen darüber, wie die Idee, Pompeji zu schreiben, entstand. Die inoffizielle Version besagt, dass Bryullov, erstaunt über die Aufführung von Giovanni Pacinis bezaubernder Oper „Der letzte Tag von Pompeji“ in Rom, nach Hause kam und sofort eine Skizze des zukünftigen Gemäldes entwarf.

Einer anderen Version zufolge entstand die Idee, die Handlung der „Zerstörung“ wiederherzustellen, dank der Ausgrabungen von Archäologen, die im Jahr 79 eine begrabene und mit Vulkanasche, Steinschutt und Lava übersäte Stadt entdeckten. Fast 18 Jahrhunderte lang lag die Stadt unter der Asche des Vesuvs. Und als es ausgegraben wurde, erschienen Häuser, Statuen, Brunnen und die Straßen von Pompeji vor den Augen der staunenden Italiener ...

An den Ausgrabungen beteiligte sich auch Karl Brüllows älterer Bruder Alexander, der seit 1824 die Ruinen der antiken Stadt erforschte. Für sein Projekt zur Restaurierung der Thermen von Pompeji erhielt er den Titel eines Architekten seiner Majestät, korrespondierendes Mitglied des Französischen Instituts, Mitglied des Royal Institute of Architects in England und den Titel eines Mitglieds der Kunstakademien in Mailand und St. Petersburg...

Alexander Pawlowitsch Brjullow, Selbstporträt 1830

Übrigens, Mitte März 1828, als der Künstler in Rom war, begann der Vesuv plötzlich stärker zu rauchen als sonst, fünf Tage später warf er eine hohe Asche- und Rauchsäule aus, dunkelrote Lavaströme, die aus dem Vesuv spritzten Krater, floss die Hänge hinunter, ein bedrohliches Brüllen war zu hören, In den Häusern von Neapel begannen Fensterscheiben zu zittern. Gerüchte über den Ausbruch erreichten sofort Rom und alle, die konnten, eilten nach Neapel, um sich das seltsame Schauspiel anzusehen. Karl fand mit einiger Mühe einen Platz im Wagen, wo außer ihm noch fünf weitere Passagiere saßen, und konnte sich glücklich schätzen. Doch während die Kutsche die langen 240 km von Rom nach Neapel zurücklegte, hörte der Vesuv auf zu rauchen und döste ein... Diese Tatsache beunruhigte den Künstler sehr, denn er hätte eine ähnliche Katastrophe miterleben können, den Schrecken und die Brutalität des wütenden Vesuvs miterleben können seine eigenen Augen.

Arbeit und Triumph

Nachdem er sich für die Handlung entschieden hatte, begann der akribische Bryullov, historisches Material zu sammeln. Im Streben nach größtmöglicher Authentizität des Bildes studierte Bryullov Ausgrabungsmaterialien und historische Dokumente. Er sagte, dass alle Dinge, die er abbildete, aus dem Museum stammten, dass er den Archäologen gefolgt sei – den „heutigen Antiquaren“, dass es ihm bis zum letzten Streich darum gegangen sei, „näher an der Authentizität des Vorfalls“ zu sein.

Überreste der Menschen der Stadt Pompeji, unsere Tage.

Er stellte die Handlungsszene auf der Leinwand ziemlich genau dar: „Ich habe diese Szenerie vollständig aus dem Leben übernommen, ohne Abstriche zu machen oder etwas hinzuzufügen“; An der Stelle, die auf dem Bild zu sehen war, wurden bei Ausgrabungen Armbänder, Ringe, Ohrringe, Halsketten und die verkohlten Überreste eines Streitwagens gefunden. Aber die Idee des Gemäldes ist viel höher und tiefer als der Wunsch, ein Ereignis zu rekonstruieren, das sich vor siebzehneinhalb Jahrhunderten zugetragen hat. Die Stufen des Grabes des Scaurus, das Skelett einer Mutter und ihrer Töchter, die sich vor dem Tod umarmten, ein verbranntes Wagenrad, ein Hocker, eine Vase, eine Lampe, ein Armband – all das war die Grenze der Authentizität ...

Sobald die Leinwand fertiggestellt war, geriet die römische Werkstatt von Karl Bryullov in eine regelrechte Belagerung. „...ich habe beim Malen dieses Bildes wundervolle Momente erlebt! Und jetzt sehe ich den ehrwürdigen alten Mann Camuccini vor ihr stehen. Ein paar Tage später, nachdem ganz Rom herbeiströmte, um mein Gemälde zu sehen, kam er in mein Atelier in der Via San Claudio, und nachdem er ein paar Minuten vor dem Gemälde gestanden hatte, umarmte er mich und sagte: „Halte mich, Koloss.“ !“

Das Gemälde wurde in Rom und dann in Mailand ausgestellt, und überall bewundern begeisterte Italiener den „Großen Karl“.

Der Name Karl Bryullov wurde sofort auf der gesamten italienischen Halbinsel berühmt – von einem Ende bis zum anderen. Bei Treffen auf der Straße zogen alle den Hut vor ihm; als er im Kino auftrat, standen alle auf; An der Tür des Hauses, in dem er lebte, oder des Restaurants, in dem er zu Abend aß, versammelten sich immer viele Menschen, um ihn zu begrüßen.

Italienische Zeitungen und Zeitschriften verherrlichten Karl Brjullow als ein Genie, das den größten Malern aller Zeiten ebenbürtig war, Dichter lobten ihn in Versen und ganze Abhandlungen wurden über sein neues Gemälde geschrieben. Seit der Renaissance selbst wurde in Italien kein Künstler so allgemein verehrt wie Karl Brjullow.

Brjullow Karl Pawlowitsch, 1836 – Wassili Tropinin

Das Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ machte Europa mit dem mächtigen russischen Pinsel und der russischen Natur bekannt, die in allen Bereichen der Kunst nahezu unerreichbare Höhen erreichen kann.

Mit welcher Begeisterung und patriotischen Begeisterung das Gemälde in St. Petersburg aufgenommen wurde, ist kaum vorstellbar: Dank Bryullov war die russische Malerei kein fleißiger Schüler der großen Italiener mehr und schuf ein Werk, das Europa begeisterte!

Das Gemälde wurde vom Philanthrop Demidov Nikolaus I. geschenkt, der es kurzzeitig in der kaiserlichen Eremitage unterbrachte und es dann der Akademie der Künste schenkte. Nach den Erinnerungen eines Zeitgenossen „stürmten sozusagen Scharen von Besuchern in die Hallen der Akademie, um sich Pompeji anzusehen.“ Sie sprachen in Salons über das Meisterwerk, tauschten ihre Meinungen in privater Korrespondenz aus und machten sich Notizen in Tagebüchern. Für Bryullov wurde der Ehrenname „Karl der Große“ eingeführt.

Beeindruckt von dem Gemälde schrieb Puschkin ein sechszeiliges Gedicht:

Der Vesuv öffnete sein Maul – Rauch strömte in einer Wolke aus – Flammen
Als Kampfflagge weit verbreitet.
Die Erde ist aufgewühlt – von den wackeligen Säulen
Idole fallen! Ein von Angst getriebenes Volk
Unter dem steinernen Regen, unter der entzündeten Asche,
Menschenmassen, Alt und Jung, strömen aus der Stadt.

Gogol widmete „Der letzte Tag von Pompeji“ einen bemerkenswert tiefgründigen Artikel, und der Dichter Jewgeni Baratynski drückte in einem bekannten Impromptu allgemeine Freude aus:

„Du hast die Beute des Friedens mitgebracht
Mit dir zum Baldachin deines Vaters,
Und wurde „Der letzte Tag von Pompeji“
Erster Tag für den russischen Pinsel!“

Fakten, Geheimnisse und Mysterien des Gemäldes „Der letzte Tag von Pompeji“

Ort des Gemäldes

Die Entdeckung Pompejis erfolgte im Jahr 1748. Seitdem wurde die Stadt Monat für Monat bei kontinuierlichen Ausgrabungen freigelegt. Pompeji hinterließ bereits bei seinem ersten Besuch in der Stadt im Jahr 1827 einen unauslöschlichen Eindruck in der Seele von Karl Bryullov.

„Der Anblick dieser Ruinen versetzte mich unwillkürlich in eine Zeit, in der diese Mauern noch bewohnt waren ... Man kann nicht durch diese Ruinen gehen, ohne ein völlig neues Gefühl in sich zu verspüren, das einen alles außer dem schrecklichen Vorfall mit dieser Stadt vergessen lässt. ”

„Ich habe diese Szenerie vollständig aus dem Leben übernommen, ohne mich zurückzuziehen oder etwas hinzuzufügen, und stand mit dem Rücken zum Stadttor, um einen Teil des Vesuvs als Hauptgrund zu sehen“, teilte Bryullov in einem seiner Briefe mit.

„Straße der Gräber“ Pompeji

Die Rede ist vom Herkulestor von Pompeji (Porto di Ercolano), hinter dem bereits außerhalb der Stadt die „Straße der Gräber“ (Via dei Sepolcri) begann – ein Friedhof mit prächtigen Gräbern und Tempeln. Dieser Teil von Pompeji entstand in den 1820er Jahren. war bereits gut ausgeräumt, was es dem Maler ermöglichte, die Architektur auf der Leinwand mit höchster Genauigkeit zu rekonstruieren.

Und hier ist der Ort selbst, der genau mit dem Gemälde von Karl Bryullov verglichen wurde.

Foto

Details zum Bild

Bei der Nachbildung des Bildes des Ausbruchs folgte Bryullov den berühmten Briefen von Plinius dem Jüngeren an Tacitus.

Der junge Plinius überlebte den Ausbruch in der Hafenstadt Miseno nördlich von Pompeji und beschrieb ausführlich, was er sah: Häuser, die von ihrem Platz zu weichen schienen, Flammen, die sich weit über den Vulkankegel ausbreiteten, heiße Bimssteinstücke, die vom Himmel fielen , heftiger Ascheregen, schwarze undurchdringliche Dunkelheit, feurige Zickzacklinien, wie riesige Blitze ... Und Bryullov übertrug das alles auf die Leinwand.

Seismologen sind verblüfft, wie überzeugend er ein Erdbeben darstellte: Anhand einstürzender Häuser kann man Richtung und Stärke des Erdbebens erkennen (8 Punkte). Vulkanologen stellen fest, dass der Ausbruch des Vesuvs für die damalige Zeit mit größtmöglicher Genauigkeit aufgezeichnet wurde. Historiker behaupten, dass Bryullovs Gemälde zur Erforschung der antiken römischen Kultur verwendet werden kann.

Die Methode, die Sterbehaltungen der Toten wiederherzustellen, indem Gips in die von den Körpern gebildeten Hohlräume gegossen wurde, wurde erst 1870 erfunden, doch schon während der Entstehung des Bildes zeugten in versteinerter Asche entdeckte Skelette von den letzten Krämpfen und Gesten der Opfer .

Eine Mutter umarmt ihre beiden Töchter; eine junge Frau, die in den Tod stürzte, als sie von einem Streitwagen stürzte, der auf ein Kopfsteinpflaster prallte, das durch ein Erdbeben aus dem Straßenbelag gerissen worden war; Menschen auf den Stufen des Grabes des Scaurus, die mit Hockern und Geschirr ihre Köpfe vor Steinschlag schützen – all das ist keine Erfindung der Künstlerin, sondern eine künstlerisch nachgebildete Realität.

Selbstporträt in einem Gemälde

Auf der Leinwand sehen wir Figuren mit Porträtmerkmalen des Autors selbst und seiner Geliebten, Gräfin Julia Samoilova. Bryullov stellte sich selbst als Künstler dar, der eine Schachtel mit Pinseln und Farben auf dem Kopf trug.

Selbstporträt sowie ein Mädchen mit einem Gefäß auf dem Kopf – Julia

Die schönen Gesichtszüge Julias sind auf dem Bild viermal zu erkennen: eine Mutter, die ihre Töchter umarmt, eine Frau, die ihr Baby an die Brust drückt, ein Mädchen mit einem Gefäß auf dem Kopf, eine edle pompejanische Frau, die von einem kaputten Streitwagen fiel.

Ein Selbstporträt und Porträts eines Freundes sind ein bewusster „Präsenzeffekt“, der den Betrachter wie einen Teilnehmer am Geschehen erscheinen lässt.

"Nur ein Bild"

Es ist bekannt, dass sein Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ unter den Schülern von Karl Bryullov einen eher einfachen Namen hatte – einfach „Gemälde“. Das bedeutet, dass dieses Gemälde für alle Schüler nur ein Gemälde mit einem großen P war, ein Gemälde der Gemälde. Ein Beispiel kann angeführt werden: So wie die Bibel das Buch aller Bücher ist, scheint das Wort Bibel das Wort Buch zu bedeuten.

Walter Scott: „Das ist ein Epos!“

In Rom erschien Walter Scott, dessen Ruhm so enorm war, dass er zeitweise wie ein Fabelwesen wirkte. Der Schriftsteller war groß und kräftig gebaut. Sein rotwangiges Bauerngesicht mit den spärlichen blonden Haaren, die er in die Stirn gekämmt hatte, schien der Inbegriff von Gesundheit zu sein, aber jeder wusste, dass Sir Walter Scott sich nie von einem Schlaganfall erholte und auf Anraten von Ärzten nach Italien kam. Als nüchterner Mann wusste er, dass seine Tage gezählt waren, und verbrachte seine Zeit nur mit dem, was er für besonders wichtig hielt. In Rom bat er darum, nur zu einer alten Burg gebracht zu werden, die er aus irgendeinem Grund brauchte, nach Thorvaldsen und Bryullov. Walter Scott saß mehrere Stunden lang fast regungslos und schweigend vor dem Gemälde, und Bryullov, der nicht mehr damit rechnete, seine Stimme zu hören, nahm, um keine Zeit zu verschwenden, einen Pinsel und begann hier die Leinwand zu berühren und da. Schließlich stand Walter Scott auf, ließ sich leicht auf sein rechtes Bein fallen, ging auf Bryullov zu, nahm beide Hände in seine riesige Handfläche und drückte sie fest:

Ich hatte erwartet, einen historischen Roman zu sehen. Aber Sie haben noch viel mehr geschaffen. Das ist episch...

biblische Geschichte

Tragische Szenen wurden oft in verschiedenen Erscheinungsformen der klassischen Kunst dargestellt. Zum Beispiel die Zerstörung von Sodom oder die ägyptischen Seuchen. Aber in solchen biblischen Geschichten wurde impliziert, dass die Hinrichtung von oben kam; hier konnte man eine Manifestation der Vorsehung Gottes sehen. Als ob die biblische Geschichte kein sinnloses Schicksal kenne, sondern nur den Zorn Gottes. In den Gemälden von Karl Bryullov waren die Menschen den blinden Naturelementen, dem Schicksal, ausgeliefert. Von Schuld und Strafe kann hier keine Rede sein.. Die Hauptfigur wird auf dem Bild nicht zu finden sein. Es ist einfach nicht da. Was vor uns erscheint, ist nur eine Menschenmenge, ein von Angst gepacktes Volk.

Die Wahrnehmung von Pompeji als einer bösartigen, in Sünden versunkenen Stadt und ihrer Zerstörung als göttliche Strafe könnte auf einigen Funden beruhen, die bei Ausgrabungen ans Licht kamen – dies sind erotische Fresken in antiken römischen Häusern sowie ähnliche Skulpturen und phallische Amulette , Anhänger usw. Die Veröffentlichung dieser Artefakte in der Antichita di Ercolano, herausgegeben von der Italienischen Akademie und zwischen 1771 und 1780 in anderen Ländern neu aufgelegt, löste einen Kulturschock aus – vor dem Hintergrund von Winckelmanns Postulat über die „edle Einfachheit und ruhige Erhabenheit“ der antiken Kunst . Aus diesem Grund konnte die Öffentlichkeit zu Beginn des 19. Jahrhunderts den Ausbruch des Vesuvs mit der biblischen Strafe für die bösen Städte Sodom und Gomorra in Verbindung bringen.

Genaue Berechnungen

Ausbruch des Vesuvs

Nachdem er sich entschieden hatte, eine große Leinwand zu malen, wählte K. Bryullov eine der schwierigsten Methoden seiner kompositorischen Konstruktion, nämlich Licht-Schatten und Raum. Dafür musste der Künstler die Fernwirkung des Gemäldes genau berechnen und den Lichteinfall mathematisch bestimmen. Und um den Eindruck von Weltraum zu erwecken, musste er der Luftperspektive größte Aufmerksamkeit schenken.

In der Ferne leuchtet der Vesuv, aus dessen Tiefen Flüsse feuriger Lava in alle Richtungen strömen. Ihr Licht ist so stark, dass es den Anschein hat, als stünden die dem Vulkan am nächsten gelegenen Gebäude bereits in Flammen. Eine französische Zeitung bemerkte den malerischen Effekt, den der Künstler erreichen wollte, und wies darauf hin: „Ein gewöhnlicher Künstler würde es natürlich nicht versäumen, den Ausbruch des Vesuvs zu nutzen, um sein Gemälde zu beleuchten; aber Herr Bryullov hat dieses Mittel vernachlässigt. Das Genie inspirierte ihn zu einer kühnen Idee, die ebenso glücklich wie unnachahmlich war: den gesamten vorderen Teil des Bildes mit dem schnellen, winzigen und weißlichen Glanz des Blitzes zu beleuchten und dabei die dicke Aschewolke zu durchschneiden, die die Stadt bedeckte, während das Licht von der Eruption, die nur schwer die tiefe Dunkelheit durchbrechen kann, wirft rötliche Halbschatten in den Hintergrund.“

An der Grenze der Möglichkeiten

Er malte an einer solchen Grenze der geistigen Anspannung, dass es dazu kam, dass er buchstäblich in ihren Armen aus der Werkstatt getragen wurde. Doch selbst ein schlechter Gesundheitszustand stoppt seine Arbeit nicht.

Frischvermählte

Frischvermählte

Nach alter römischer Tradition wurden die Köpfe frisch Vermählter mit Blumenkränzen geschmückt. Der Flameo, der traditionelle Schleier der antiken römischen Braut aus dünnem gelb-orangefarbenem Stoff, fiel vom Kopf des Mädchens.

Untergang Roms

In der Bildmitte liegt eine junge Frau auf dem Bürgersteig, ihr unnötiger Schmuck ist auf den Steinen verstreut. Neben ihr weint ein kleines Kind vor Angst. Eine schöne, schöne Frau, die klassische Schönheit von Vorhängen und Gold scheint die raffinierte Kultur des antiken Roms zu symbolisieren, die vor unseren Augen untergeht. Der Künstler agiert nicht nur als Künstler, als Meister der Komposition und Farbe, sondern auch als Philosoph, der in sichtbaren Bildern vom Untergang einer großen Kultur spricht.

Frau mit Töchtern

Laut Bryullov sah er bei Ausgrabungen die Skelette einer Frau und zweier Kinder, die in diesen Posen mit Vulkanasche bedeckt waren. Eine Mutter mit zwei Töchtern konnte die Künstlerin mit Yulia Samoilova in Verbindung bringen, die keine eigenen Kinder hatte und zwei Mädchen, Verwandte von Freunden, zur Erziehung aufnahm. Übrigens schrieb der Vater des jüngsten von ihnen, der Komponist Giovanni Pacini, 1825 die Oper „Der letzte Tag von Pompeji“, und die modische Inszenierung wurde zu einer der Inspirationsquellen für Bryullov.

Christlicher Priester

Im ersten Jahrhundert des Christentums könnte in Pompeji ein Geistlicher des neuen Glaubens aufgetreten sein; auf dem Bild ist er leicht an dem Kreuz, liturgischen Utensilien – einem Räuchergefäß und einem Kelch – und einer Schriftrolle mit einem heiligen Text zu erkennen. Das Tragen von Körperkreuzen und Brustkreuzen im 1. Jahrhundert ist archäologisch nicht bestätigt. Die erstaunliche Technik des Künstlers besteht darin, die mutige Figur eines christlichen Priesters, der weder Zweifel noch Angst kennt, mit einem heidnischen Priester zu vergleichen, der voller Angst in den Tiefen der Leinwand davonläuft.

Priester

Der Status des Charakters wird durch die Kultgegenstände in seinen Händen und das Stirnband – Infula – angezeigt. Zeitgenossen warfen Bryullov vor, dass er den Widerstand des Christentums gegen das Heidentum nicht in den Vordergrund gerückt habe, aber der Künstler hatte kein solches Ziel.

Im Gegensatz zu den Kanonen

Bryullov hat fast alles anders geschrieben, als es sollte. Jeder große Künstler bricht bestehende Regeln. Damals versuchte man, die Kreationen alter Meister nachzuahmen, die es verstanden, die ideale Schönheit eines Menschen zu zeigen. Dies nennt man „KLASSIZISMUS“. Daher hat Bryullov keine verzerrten Gesichter, keine Verknalltheit oder Verwirrung. Es ist nicht das gleiche Gedränge wie auf der Straße. Hier gibt es nichts Zufälliges und die Charaktere sind in Gruppen eingeteilt, sodass jeder gesehen werden kann. Und das Interessante ist, dass die Gesichter auf dem Bild ähnlich sind, aber die Posen unterschiedlich sind. Für Bryullov und auch für antike Bildhauer geht es vor allem darum, menschliche Gefühle durch Bewegung zu vermitteln. Diese schwierige Kunst nennt sich „KUNSTSTOFF“. Bryullov wollte weder die Gesichter noch den Körper der Menschen durch Wunden oder Schmutz entstellen. Diese Technik in der Kunst wird „KONVENTIONALITÄT“ genannt: Der Künstler lehnt äußere Plausibilität im Namen eines hohen Ziels ab: Der Mensch ist das schönste Geschöpf der Erde.

Puschkin und Brjullow

Ein großes Ereignis im Leben des Künstlers war seine Begegnung und die daraus resultierende Freundschaft mit Puschkin. Sie freundeten sich sofort an und verliebten sich ineinander. In einem Brief an seine Frau vom 4. Mai 1836 schreibt der Dichter:

„...Ich möchte Brjullow unbedingt nach St. Petersburg bringen. Aber er ist ein echter Künstler, ein freundlicher Kerl und zu allem bereit. Hier überwältigte Perowski ihn, transportierte ihn zu seinem Platz, sperrte ihn ein und zwang ihn zur Arbeit. Brjullow entkam ihm gewaltsam.“

„Bryullov verlässt mich jetzt. Er geht widerwillig nach St. Petersburg, aus Angst vor dem Klima und der Gefangenschaft. Ich versuche ihn zu trösten und zu ermutigen; und währenddessen sinkt meine Seele in meine Stiefel, wenn ich mich daran erinnere, dass ich Journalistin bin.“

Weniger als ein Monat war seit dem Tag vergangen, an dem Puschkin einen Brief über Brjullows Abreise nach St. Petersburg schickte, als am 11. Juni 1836 in den Räumlichkeiten der Akademie der Künste ein Abendessen zu Ehren des berühmten Malers stattfand. Vielleicht hätten wir dieses unauffällige Datum, den 11. Juni, nicht feiern sollen! Tatsache ist jedoch, dass Bryullov durch einen seltsamen Zufall am 11. Juni, vierzehn Jahre später, im Wesentlichen nach Rom kam, um zu sterben ... krank, alt.

Feier Russlands

Karl Pawlowitsch Brjullow. Künstler Zavyalov F.S.

Auf der Louvre-Ausstellung von 1834, in der „Der letzte Tag von Pompeji“ gezeigt wurde, hingen Gemälde von Ingres und Delacroix, Anhängern der „berüchtigten antiken Schönheit“, neben Bryullovs Gemälde. Kritiker schimpften einhellig über Brjullow. Für einige kam sein Gemälde zwanzig Jahre zu spät, andere fanden darin eine übermäßige Kühnheit der Fantasie, die die Einheit des Stils zerstörte. Aber es gab noch andere – Zuschauer: Stundenlang drängten sich die Pariser vor „Der letzte Tag von Pompeji“ und bewunderten ihn ebenso einmütig wie die Römer. Ein seltener Fall – die allgemeine Meinung besiegte die Urteile der „angesehenen Kritiker“ (wie Zeitungen und Zeitschriften sie nannten): Die Jury wagte es nicht, den „angesehenen Kritikern“ zu gefallen – Bryullov erhielt eine Goldmedaille der ersten Würde. Russland triumphierte.

„Professor außer der Reihe“

Der Akademierat stellte fest, dass Bryullovs Gemälde unbestreitbar die größten Verdienste besitzt und es derzeit zu den außergewöhnlichsten künstlerischen Schöpfungen in Europa zählt, und bat Seine Majestät um Erlaubnis, den berühmten Maler außerberuflich in den Rang eines Professors zu ernennen. Zwei Monate später teilte der Minister des kaiserlichen Hofes dem Präsidenten der Akademie mit, dass der Herrscher keine Erlaubnis erteilt habe, und ordnete die Einhaltung der Satzung an. Gleichzeitig verlieh Seine Majestät Bryullov einen Ritter des St.-Ordens, um ein neues Zeichen allgnädiger Aufmerksamkeit für die Talente dieses Künstlers auszudrücken. Anna 3. Grad.

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